Reseña: el último hombre (Mary Wollstonecraft Shelley)

  • Autora: Mary Wollstonecraft Shelley
  • Traducción: Lucía Márquez de la Plata
  • Editorial: Akal
  • Colección: Clásicos de la literatura
  • Tipo de libro: novela
  • Fecha de publicación: 13/07/2020 (original 1826)
  • Precio: 25 €
  • Páginas: 576
  • Formato: 14×22. Rústica
  • ISBN: 978-84-460-4856-5

QUÉ ES EL ÚLTIMO HOMBRE

Es una novela publicada en 1826 por Mary W. Shelley y una de las primeras (si no la primera) de tema apocalíptico/postapocalíptico. Probablemente la más famosa de sus obras después de Frankenstein, aunque en su día no contase con críticas favorables.

En los datos de la novela os he dejado los de una edición española de 2020 pero conviene recordar que su edición original (inglés) está ya libre de derechos de autor. Así, como casi todo este tipo de obras, podéis encontrarlo de manera legal y gratuita en el Proyecto Gutenberg. No he leído la traducción, yo he usado el texto del link que os he puesto, así que no puedo deciros si es buena o no. No he puesto el nombre del autor de la portada porque Akal no facilita ese dato en la ficha del libro de su web.

El argumento, según Akal: El último hombre da título a esta novela distópica publicada por Mary Shelley en 1826, en la que retrata una sociedad futura del siglo XXI que ha sido arrasada por una terrible plaga. El narrador, Lionel Verney, único superviviente de la enfermedad, recuerda los años finales de la existencia de la raza humana, cuyo fin profético había sido ya revelado en unas hojas incompletas halladas en la Cueva de la Sibila. Verney es quien con su narración de los acontecimientos deja testimonio del cumplimiento de la profecía y describe el desarrollo de los funestos sucesos que condujeron al triste destino de la humanidad.

CÓMO ES EL ÚLTIMO HOMBRE

Guerra, fuego, la plaga.

Evadne en el último hombre.

Denso y largo. Adictivo y fascinante. Es difícil para mí decir si me gustó o no. Siendo sincera me aburría, pero a la vez necesitaba terminarlo y en ocasiones, más que por la propia obra, era por los paralelismos con la vida de la autora y la contraposición a Frankenstein.

Como muchos sabréis, El Moderno Prometeo se ideó en una estancia en la Villa Diodati durante el año sin verano. Estancia que pasó con su marido y amigos cuando tenía unos veinte años. Aunque ya había vivido varias tragedias (si queréis saber más de esto hablé de ello aquí) estaba rodeada de sus seres queridos y el mundo estaba lleno de posibilidades. Sin embargo, apenas ocho años más tarde, cuando se publica El Último Hombre Mary está sola, en una situación económica apurada y nada de lo que publique puede ofender a su único benefactor: su reticente suegro. Es especialmente dramático si pensáis que para este momento la autora tenía veintinueve años y fallecería muy joven ella misma, con cincuenta y tres.

Así pues, es la ciencia ficción el arma que vuelve a escoger para explorar su situación. Y lo hace presentando al lector una visión apocalíptica de un mundo que va siendo arrasado por vaivenes políticos y una plaga. Detalle con mucho sentido dentro de su propia vida, pues es una epidemia de malaria lo que desencadenaría una gran parte de sus problemas.

Aunque este tipo de apocalipsis resulta una trama común hoy en día en su momento fue algo novedoso. La mentalidad de su época achacaba el destino de la humanidad a los actos divinos, mientras que en su novela es la naturaleza como tal la que se vuelve en contra de la humanidad. Esto la alinea con pensamientos de corte naturalista, que aún tardarían años en ser popularmente reconocidos. Es más, algunos de sus contemporáneos negaban que la extinción del ser humano fuese posible.

Estas líneas de pensamiento permeaban por supuesto a la literatura, y el gótico basaba mucho de sus señas de identidad en una visión idealizada y llena de inocencia de la naturaleza. Ideas con las que, pese a enmarcarse la novela completamente en el gótico, Shelly rompe en el último hombre.

Para que podáis ubicaros mejor temporalmente el origen de las especies de Darwin no se publicaría hasta 1859.

Así pues uno de los rasgos más destacables del último hombre, antes y ahora, es que la plaga es el antagonista principal, haciendo al ser humano presa de la naturaleza.

Con esta información podría parecer que el grueso de la novela esté ocupado por un único personaje (Lionel, el último hombre) pero en realidad el tema principal de la novela es la familia, tanto la genética como, por encima de todo, la familia que escogemos y nos escoge.

Los protagonistas, que son en realidad bastantes, están inmersos en su vida, en la política de su momento, en aprender filosofía y en sus relaciones mutuas. E incluso durante un tiempo piensan que la moral podría protegerles de la plaga que se está expandiendo por todo el mundo. Se sienten, en cierto sentido, elegidos. Igual que Mary Shelley se refiere en sus diarios a su grupo de amigos con ese término. La mayoría de sus actos son asociables a sus compañeros en la vida real y el evento del sol negro recuerda además sin duda al ya mencionado año sin verano.

En sus diarios vemos:

El último hombre. Podría muy bien describir los sentimientos de ese ser solitario, sintiéndome yo misma la última reliquia de mi querida raza, mis compañeros extintos antes que yo

Mary Shelley. 14 de mayo de 1824

En este sentido es interesante destacar que, siendo contemporánea Mary Shelley a la Revolución Francesa, el reinado del terror y Napoleón, en la Inglaterra de su novela nos narra cómo la decadencia de la casa Windsor da paso a un gobierno republicano.

Entre otras referencias y guiños políticos, especialmente relevante para nosotros en tiempos de Brexit, está cómo los personajes se ven a sí mismos inmunes a las plagas del resto del mundo por vivir aislados en una isla. No obstante la enfermedad llega y les deja algunos disgustos extra.

También la visión del resto de animales en la novela resulta muy llamativa. El texto empieza en la cueva de la Sibila donde en teoría aparece el manuscrito. Allí se encuentra también el esqueleto fosilizado de una cabra. En la parte final de la novela encontramos una viva atando el futuro con el pasado de una manera muy curiosa. Shelley en teoría entra en la cueva en 1818 y el encuentro del protagonista al final con estos animales se da en torno al año 2100.

La aparición de la cabra ha dado lugar a muchas teorías. Por un lado su posible relación con las tragedias griegas, donde eran sacrificadas como ofrenda al principio de las obras, o también con el dios Pan. Pan es un viejo conocido en la obra de la autora (véase el relato Midas, por ejemplo) pero además es uno de los posibles orígenes etimológicos de la palabra pandemia. También están las interpretaciones judeo-cristianas y la cabra como símbolo del inocente que carga con los pecados de otros.

Siguiendo la visión imperante en la época los humanos se sienten por encima de los animales. Pero al final de la novela la autora demuestra también que se posiciona a favor de las nuevas teorías naturalistas que no defienden un mundo antropocéntrico. Mientras la plaga ha acabado con los humanos no lo ha hecho con el resto e incluso se teoriza con una nueva especie dominante.

Dentro de esto el nombre del protagonista no es casual, evocando el nombre de Lionel la naturaleza animal de los seres humanos. Además su historia es la de una persona que al principio necesita ser civilizada y al final, frente a la soledad, necesita volver a su estado inicial.

PARA QUIÉN ES EL ÚLTIMO HOMBRE

Si te interesa la madre de la ciencia ficción este libro sin duda te va a atraer, incluso aunque la manera de escribir de Shelley te eche un poco para atrás. En lo personal no tiene mi estilo favorito y este tipo de narrativa no me resulta muy divertida, pero lo ha compensado con lo fascinante que me parece a nivel conceptual. También es cierto que me pasa lo mismo que con Frankenstein, así que si entrasteis bien en la primera yo creo que es más probable que os guste esta.

Si os gusta el género apocalíptico es posible que os atraiga ver donde empezaron y cómo algunos de sus tópicos actuales.

Quitando estas cosas no es una obra que recomiende muchísimo.

FUENTES

The Grim Unreality. Mary Shelley’s extinction narrative in the Last Man (Kaitlin Mondello)

The Last Man (Mary Shelley). Proyecto Gutenberg.

Reseña: Estela Plateada (Dan Slott y los Allred)

  • Guionista: Dan Slott
  • Dibujante: Michael Allred
  • Colorista: Laura Allred
  • Editorial: Panini/Marvel
  • Título original: Silver Surfer
  • ISBN: 9788413343624
  • Páginas: 696 (omnibus)
  • Precio: 45€

¿QUÉ ES ESTELA PLATEADA?

Este omnibus comprende toda la etapa (más algunos extras) de Slott y los Allred al mando de Estela Plateada.

En él seguimos la historia del héroe de nombre homónimo y sus aventuras con la terrícola Dawn Greenwod mientras descubren el universo. Sigue un formato autoconclusivo. Cada historia presenta nuevos personajes que se quedarán en su propio mundo hasta que por A o por B tengan que volver a encontrarse con nuestros protagonistas en los momentos decisivos.

¿CÓMO ES ESTELA PLATEADA?

Volver a casa.

Para mí ha sido el equivalente a empezar otra vez Doctor Who, recuperar ese sentimiento de maravilla y fascinación que pensaba que ya no volvería desde cero. Pero para vosotros puede ser cualquier otra obra de ciencia ficción con viajes por el universo, compañeros terrícolas, familias de sangre y elegidas, diversión a raudales y lágrimas imparables.

Estela Plateada es un homenaje a la cultura pop. A los sueños de la infancia que reflejaron este tipo de historias y que nos acompañaron cuando nos hicimos adultos y quisimos seguir soñando.

Volver a casa.

Porque todo viaje tiene que responder a la pregunta ¿hay un sitio al que volver? ¿quieres perderte en el espacio? y Dan Slott y los Allred exprimen cada sentimiento al respecto para hacerte reír y llorar y adorar este relato maravilloso sobre encontrar tu lugar.

Volver a casa.

Y es que existen diferentes tipos de hogar. Puedes volver al sitio donde naciste, que te vio crecer, pero también puedes descubrir que tu casa está junto a la persona que se ha convertido en tu templo. Puedes descubrir que tu lugar no era el sitio físico si no las personas que lo habitan. Pero también que, después de todo, las cosas que querías encontrar no estaban tan lejos como pensabas.

Volver a casa.

Explorando los problemas de autoestima y culpa que nos impiden vivir de verdad en el presente y en el lugar en el que estamos, encerrándonos en una celda mental que se refleja también en nuestro físico. Hablando de superación y de volver a mirarnos en el espejo, hablando incluso de moda y de las cosas que nos ponemos que los demás van a asociar como su hogar.

Volver a casa.

Una casa en la que cabemos todos.

El apartado artístico con el matrimonio Allred al volante es soberbio. Está repleto de imágenes icónicas, de gestos y movimientos que hacen sentir a la historia muy viva, con un color maravilloso que ayuda muchísimo a ver las cosas sin tener que detenerte de más.

Y el guion. Todo lo que he dicho arriba. Dan Slott creó una obra maestra y no tiene sentido darle más vueltas.

¿PARA QUIÉN ES ESTELA PLATEADA?

Fans de la ciencia ficción de viajes por el espacio y compañeros. Recomendar cosas siempre me parece muy complicado pero si os gustan ese tipo de historias esta es una de las pocas veces que siento, seguro, que este cómic no puede fallar. Reconozco que si no leéis cómic puede abrumar un poco (sobre todo por el tamaño) pero si tenéis curiosidad por el medio por algún sitio hay que empezar.

No hace falta ningún conocimiento sobre el personaje en realidad. La historia de Estela se va explicando poco a poco según avanza el tomo y, aunque salen otros supers de Marvel de nuevo creo que no hay referencias que dificulten la lectura en ningún sentido.

Reseña: el nombre del mundo es Bosque (Ursula K. Le Guin)

  • Autora: Ursula K. Le Guin
  • Título original: The Word for World Is Forest
  • Editorial: Minotauro
  • Fecha de publicación original: 1972
  • Precio: 16’95€ eBook 7’99€
  • Páginas: 160
  • ISBN: 978-84-450-0978-9
  • Traducción: Matilde Horne
  • Saga: ciclo de Ekumen o Hainish Cycle

¿QUÉ ES EL NOMBRE DEL MUNDO ES BOSQUE?

En el planeta Atshe, el ciclo de la vida, la cultura, las costumbres, los procesos mentales nacen y se desarrollan en la estabilidad autónoma del cosmos, pero la llegada de una expedición terrestre cambiará dramáticamente el pacífico modo de vida de los nativos del planeta.

Aunque es una novela completamente autoconclusiva forma parte del ciclo de Ekumen, un universo compartido en el que Ursula K. Le Guin exploraba en clave de ciencia ficción asuntos antropológicos y sociológicos. Junto a los desposeídos y la mano izquierda de la oscuridad cierra la tríada de las obras más famosas de la autora en este grupo.

El nombre del mundo es Bosque se publicó primero en la colección de relatos Again, Dangerous Visions de 1972. El año siguiente apareció como novella y se hizo además con el Hugo en dicha categoría amén de numerosas nominaciones de renombre, como el National Book Award. Este período temporal corresponde, además, con los últimos años de la guerra de Vietnam (finalizó en el 75) y con un fuerte sentimiento ecologista, que culminaría con varios tratados en EEUU entre el 73 y el 75 para proteger la flora y la fauna.

¿CÓMO ES EL NOMBRE DEL MUNDO ES BOSQUE?

Aviso de contenido: violaciones

Uno de los temas que más me gustan en la ciencia ficción es el análisis de las implicaciones sociales de la carrera espacial. No sólo nos permite enfrentarnos a la idealización del futuro de la humanidad, si no que es una forma estupenda de explorar lo que estamos haciendo ahora y desde hace muchos siglos en la Tierra.

Le Guin se lanza a abordar este tema y lo hace desde un punto de vista antropológico, criticando el abuso de poder colonialista. Desde la destrucción del hábitat en nombre de la búsqueda de recursos al racismo, pasando por los cambios que se producen en las civilizaciones oprimidas y las personalidades de los conquistadores, tenemos ante nosotros una historia cruda y dolorosa.

La sensación de desasosiego y tristeza mientras algo muy importante se va perdiendo es constante. Ni siquiera las pequeñas esperanzas levantan el ánimo en una historia que habla de lucha pero también de los cambios que requiere enfrentarte a quien intenta aniquilar tu forma de vida. Es una lectura muy interesante pero muy desagradable.

No os imaginéis, sin embargo, que este sea un libro en el que seas o muy bueno o muy malo y nada entre medias. Una de las cosas más apasionantes en esta novela corta es, como comentaba de pasada más arriba, la personalidad de los conquistadores.

La única manera de hacer el mal no es ser un descerebrado abiertamente agresivo. También puedes pensar que eres una buena persona, creer que estas haciendo lo correcto y que eres bondadoso, y estar sin embargo perpetuando un sistema que exprime los recursos del mundo hasta dejarlo inhabitable.

Es fascinante cómo algunos personajes son incapaces de entender las reacciones de la población nativa, como si no asesinar a alguien fuese suficiente para ganarte su aprecio y lealtad. Enseñar que lo voluntario es siempre dependiente de recursos, situación social y miedo es un tema de actualidad perpetua para la humanidad.

De aquí además pasa a otro tema punzante y también siempre presente, el consentimiento. La autora toma la decisión, claramente consciente, de poner las relaciones hombre/mujer en este ambiente violento en paralelo. Siempre son una parte fundamental de la acción pero siempre hay un silencio en torno a ellas que da para una historia de terror.

Hay una escena, casi nada más empezar, en la que un personaje habla de violaciones como si no fuesen tal por no recibir una lucha abierta y violenta que es, además de escalofriante, un sumario para toda la novela.

Tampoco es una historia que pretenda hablar de gente que necesita cambiar su percepción, villanos que lo han pasado muy mal y a los que hay que comprender y bondad y pureza por defecto alteradas por una mala vida No. En el nombre del mundo es bosque hay retratos de maldad pura y dura, de desprecio y de ir mucho más allá de lo que las órdenes requerirían.

Entrando en el terreno de lo no tan positivo para mí.

La novella es excelente, podría hablar de ella durante horas porque el concepto es interesantísimo, pero no me ha enganchado. Es difícil expresar esto bien porque este texto no busca entretenerte, su vocación es la de incomodarte. Y ese apartado lo hace perfecto y no es ahí donde me pierde un poco.

Es en que el lenguaje, lo pausada que se hace pese a lo corta que es, el ambiente ligeramente onírico, hacen que me distraiga. Me costaba horrores mantenerme centrada en lo que estaba leyendo. Me pasó demasiado a menudo darme cuenta de que hacía un rato que ya no estaba conectada con la lectura.

Además desde el propio título queda claro que esta no es una novela de personajes si no de ambientación. De nuevo, esto también es complicado de expresar. La construcción del mundo ocupa mucho menos espacio que la acción de los personajes y la base antropológica es el motor de la narración. Sin embargo lo que Le Guin busca hacer (y hace con maestría de hecho) es vincular la salud del mundo, la manera en la que nuestro lenguaje se basa en lo que nos rodea, con todos los aspectos personales y culturales. Es apasionante pero no es, de base, el tipo de lectura que me engancha.

¿PARA QUIÉN ES EL NOMBRE DEL MUNDO ES BOSQUE?

Si os gusta la ciencia ficción con base social lo más probable es que os encante. Le Guin es una diosa en lo que hace e, incluso si tenéis gustos parecidos a los míos y no es el tipo de narrativa que más os engancha, creo que tiene muchísimas otras cosas que hacen que merezca la pena.

Eso sí, es una lectura dura, dolorosa, desagradable. Preparaos para enfadaros muchísimo.

El hombre león de Hohlenstein-Stadel

  • Prehistoria
  • Arte mueble
  • Período: Paleolítico superior. Auriñaciense
  • Cronología: 40.000/35.000BP
  • Soporte: marfil
  • Técnica: tallado

Que yo sepa el hombre león de Hohlenstein-Stadel es la representación de un ser imaginario más antigua que conservamos. Aunque solo tenemos teorías sobre las simbologías prehistóricas es obvio que se trata de una escultura con cuerpo humanoide y una cabeza de león, algo que no existe ni ha existido.

Con una altura de 31’1cm, esta figurita fue tallada de un colmillo de mamut con un extremo hueco, el lado en el que se hicieron las piernas y uno de los motivos por los que debieron hacerse separadas. El resto, con los brazos pegados al cuerpo y la posición estática, corresponderían al resto de la forma del colmillo.

Según la web del museo que lo alberga (el Ulmer, en una ciudad alemana llamada Ulm) el lado izquierdo parece haber sido tallado con un mayor cuidado y se pueden distinguir en él algunas incisiones decorativas como, por ejemplo, sobre la oreja.

En caso de que os estéis preguntando si es un león o una leona ante la falta de melena os diré dos cosas. La primera es que representa a un león de las cavernas, que no tenían esas cabelleras, y, la segunda que es un tema del que se ha debatido bastante y cuyas principales teorías han ido cambiando a lo largo del tiempo. Ahora mismo la más aceptada es que, basándose en la placa triangular entre las piernas, falte una pieza de representación fálica. Por otro lado, como decía al principio, quién sabe qué pensaban en la prehistoria sobre todo esto.

Si os habéis fijado en la pequeña ficha que encabeza la entrada habréis visto que la datación ocupa un período muy amplio, del 40.000 al 35.000 BP. BP o AP son siglas para before present/antes del presente, la medida de tiempo que se usó para homogeneizar entre los calendarios las dataciones por radiocarbono. Para el calendario gregoriano marca el año 1950 d.C. Así quedaría, por ejemplo, que esta podría ser una pieza realizada 40.000 años antes de 1950. Hay bastante más a este tema, pero no es el tópico de la entrada y no voy a entretenerme más en esto.

Lo importante es que es difícil llegar con exactitud a saber la fecha de fabricación y hay un abanico amplísimo. Para el león obtenemos este estimado, de nuevo según el Ulmer, de que esa es la longevidad de la capa en la que se hallaron los restos en conjunto.

Observando la foto queda bastante claro el estado fragmentado de la figura. Cuando Otto Völzing y Robert Wetzel la encontraron el 25 de agosto de 1939 era simplemente un grupo de pedazos del que no podía sospecharse la figura que escondían. El inicio de la segunda guerra mundial apenas unos días después paralizaría la investigación, quedando los restos del león en una colección de cajas de cartón en espera de tiempos más calmados.

Su momento llega en 1969 cuando Joachim Hahn, encargado de hacer inventario de la colección, se ve alertado por las marcas de tallado en las piezas de marfil y comienza el rompecabezas con unos amigos.

Desde ese momento en adelante la búsqueda, recuperación y reordenación han seguido avanzando hasta que de la mano de Nicole Ebinger-Rist, en 2013, llegó la versión que podemos observar en la actualidad, compuesta de casi 300 fragmentos.

En el apartado simbólico, aunque no podemos saber nada seguro, sí que podemos aventurar algunas cosas. Para empezar el hombre león estaba situado en un área de la cueva de Stadel similar a una cámara y acompañado de otros objetos notables. En el conjunto se observan, además, otras piezas que podrían corresponder a híbridos pero el estado de conservación pone difícil saberlo. Por ubicación, la cueva en la que fue encontrada no era un buen sitio para vivir y podría representar más un lugar de reunión ocasional, indicado por lo tanto, quizá, como sitio de culto.

Desde luego según las categorías de clasificación del arte mueble de Leroi-Gourhan, un famoso especialista en prehistoria y antropología, esta sería parte de los objetos religiosos.

Fuese cual fuese su uso asumimos que debió tener cierto valor social aunque solo sea porque intentar replicarla, en un experimento llamado hombre león 2.0, resultó ser un trabajo que llevó 360 horas. El vídeo está en alemán con subtítulos en inglés:

Este tipo de representaciones, seres híbridos mitad animal, mitad humano, reciben el nombre de teriántropos. La variante león/felino humanoide es, con diferencia, una de las más comunes y ha plagado la historia de la humanidad desde las religiones a los mundos de fantasía con gran popularidad.

A diferencia de otras entradas de la sección hacia la ficción contemporánea donde primero hago una explicación y luego lo comparo a lo que tenemos hoy en día, esta vez os voy a dejar con la lista de TV Tropes, muy completa aunque en inglés, de este tipo de seres en diversos medios. El motivo principal es que, aunque sea un tema al que hemos vuelto millones de veces, me resulta imposible trazar cuál sería la influencia concreta de esta figura. Que la idea de los teriántropos nos ha acompañado desde entonces y con ella también la imaginación de lo fantástico es a lo único a lo que puedo aspirar con esta entrada.

Aunque la mayor parte de la información está en alemán os recomiendo encarecidamente que echéis un ojo a la web del museo Ulm, que tiene bastantes fotografías y es fascinante.

FUENTES

Reseña: The Umbrella Academy: Dallas (Way, Bá, Stewart)

  • Guionista: Gerard Way
  • Dibujo: Gabriel Bá
  • Color: Dave Stewart
  • Rotulación original: Nate Piekos de Blambot
  • En español: Joan Moreno
  • Traducción: Marc Galante y Sergio Colomino
  • ISBN: 978-84-6790-108-5
  • Precio: 16,00 €
  • Páginas: 216
  • Colección: The Umbrella Academy (2/4)

¿QUÉ ES THE UMBRELLA ACADEMY: DALLAS?

Segundo tomo de la historia de los hermanos Hargraves, cuenta con el siguiente argumento: Después del casi Apocalipsis y la muerte de Pogo, los chicos de Umbrella Academy están abatidos y confusos: Rumor ha perdido la voz y su poder, Spaceboy no para de comer, Número 5 se ha metido en asuntos algo turbios y Kraken cree que encontrar a su desaparecido hermano pequeño le ayudará a resolver una serie de misteriosas muertes… ¡relacionadas con un complot para matar a JFK!

¿CÓMO ES THE UMBRELLA ACADEMY: DALLAS?

A Gerard Way le gusta construir desde las ruinas. Dos tomos que llevo de The Umbrella Academy dos tomos que empiezan con la familia Hargreeves separada, con pequeñas reminiscencias de su infancia y, pese a haber centrado toda su educación en funcionar como equipo, tener que aprender de nuevo a trabajar juntos.

Si en el primero, para mi gusto, no alcanzó a crear unos personajes carismáticos como para que me importase y además hizo un lío de poderes y de trama, aquí, en cambio, le ha sacado todo el partido posible y ha sabido lucirse.

Esta vez The Umbrella Academy sí que es capaz de adaptarse al formato en el que se desarrolla, maneja bien sus tiempos y la información de sus viñetas y da un sentido de relevancia a la historia. Dallas es mucho más sólido y con una trama que no parece construida de escenas al tuntún.

Los personajes por su lado tienen espacio para ser distinguibles y diferenciables. Lo más importante, esta vez los antagonistas son atractivos no sólo por los dibujos de Gabriel Bá y el color de Stewart, también por el guion.

Hazel y Cha Cha trascienden lo maravilloso de su diseño y se acompañan de unos diálogos divertidos, con un humor basado en una violencia extrema mezclada con un candor infantil que les hace ideales para el surrealismo de la trama. No necesitan un gran trasfondo ni muchas páginas para comerse la historia.

La agencia de los viajes en el tiempo y el jefe pez funcionan muy bien para mover la trama y, sobre todo, para crear el marco de Número Cinco. Aunque The Umbrella Academy intenta dar importancia a todos sus protagonistas está claro que en este volumen el niño/anciano que puede saltar en el tiempo es el protagonista indiscutible.

Igual que Hazel y Cha Cha hace gala de una inocencia y actos impulsivos propios de un niño que hacen un contraste estupendo con su verdadera edad. Sabes que todo va mal en un mundo viendo a alguien en ese cuerpo haciendo esas acciones y con esos diálogos. Le da un humor brillante.

El resto de hermanos, en general, también están muy bien. Sobre todo en sus interacciones entre sí. El mayor problema es que por un lado el Violín Blanco no sale casi y por otro Rumor no aporta nada, dejando a Way con un plantel en el que todos sus personajes más llamativos son masculinos. Es una pena porque me encanta el poder de Rumor, tiene una portada para ella que es una gran idea y podría estar muy bien en general pero lo cierto es que al no poder entrar en la dialéctica del resto de Hargreeves se vuelve muy irrelevante.

Por lo demás el tono es tan maravillosamente surrealista como colorido, todo es oscuro pero brillante, el apartado artístico sigue siendo maravilloso y hay algunos momentos (como una aparición de, supuestamente, Dios) que encuentro excelentes. Esta es una de las pocas historias en las que aprecio la manera en la que se centra en Estados Unidos por la maravillosa parodia que hace. Aquí, sobre todo, se luce Diego. Un personaje que per se no me gusta pero que da al cómic un toque estupendo.

¿PARA QUIÉN ES THE UMBRELLA ACADEMY: DALLAS?

En general si os gustó el primero estoy segura de que os gustará este. Pero además si os pasó como a mí y el anterior no os pudo dar más igual a lo mejor encontráis el amor aquí. Si venís por la serie de televisión y dejasteis a medias el primero porque no os enganchaba, probad de todas maneras con el segundo.

Puntuación: 4 de 5.

Reseña: The Umbrella Academy. Suite Apocalíptica (Way, Bá, Stewart)

  • Guionista: Gerard Way
  • Dibujo: Gabriel Bá
  • Color: Dave Stewart
  • Rotulación original: Nate Piekos de Blambot. En España: Joan Moreno
  • Traducción: Marc Galante y Sergio Colomino
  • ISBN: 978-84-679-3867-8
  • Precio: 19,00 € Páginas: 184
  • Colección: The Umbrella Academy (1/4)

¿QUÉ ES THE UMBRELLA ACADEMY: SUITE APOCALÍPTICA?

Primer volumen de la historia de los Hargreeves, compila las seis primeras grapas, la historia que hicieron para el día del cómic gratis de 2008 (año de lanzamiento de la serie) y otra historia extra que subieron a la web de Dark Horse. Tiene también una sección de bocetos y explicaciones.

El argumento según la editorial: En un año insólito para la humanidad nacieron 43 niños “extraordinarios”. Todos de madres solteras, sin aparentes muestras de embarazo y en los lugares más extraños. Solo 7 de esos niños fueron salvados de su fatal destino y educados por el magnate Sir Reginald Hargreeves para controlar sus peculiares poderes. Su objetivo: SALVAR EL MUNDO.

Si queréis echarle un ojo Norma tiene unas páginas de muestra aquí.

¿CÓMO ES THE UMBRELLA ACADEMY: SUITE APOCALÍPTICA?

Cuando empecé con Gorgonas decidí subir solo reseñas de cosas que me gustasen, no tiene sentido para mí hacer un proyecto de este estilo para soltar odio o escribir 700/1000 palabras de lo que me aburre algo. Esas las dejo en Goodreads, breves, algún comentario en Twitter y marchando. Este primer tomo de la academia del paragüitas va a ser una pequeña excepción. No es que lo odie pero me resulta indiferente, soso y con un guion lioso. Pero aquí lo tenemos, porque todo lo que no llamó mi atención el primero lo consiguió el segundo y siempre me parece extraño subir reseñas de tomos sueltos en una colección.

Un detalle importante: cuando digo que algo no me ha gustado no quiero decir que considere que sea un mal cómic o que algo sea de determinada manera de forma objetiva. Es, como cuando digo algo positivo, una opinión y espero que otros hayáis disfrutado mucho Suite Apocalíptica. Hablemos un poco de ella.

Al contar una historia en cualquier formato el espacio es siempre uno de los elementos clave. Esto se aplica a la duración de la obra y al tamaño adecuado para el formato (ahí tenéis en cine por ejemplo a Snyder y su Liga de la Justicia). Todos tienen sus particularidades en estos ámbitos y el cómic, para mí, es el más sensible. Una viñeta, en manos de un buen equipo, te puede resumir de manera efectiva elementos que otros medios necesitarían más espacio para explicar. Pero a la vez es un entorno muy cerrado, una grapa de cómic es muy corta y seis, que es lo que contiene esta compilación, a veces tampoco hace mucho más. Especialmente si tu trabajo tiene muchos personajes y un mundo diferente necesitas un talento muy especial para sacarlo adelante aquí.

Hay muchos cómics de grupos superheróicos, pero no tantos autores que salgan airosos de presentarte siete personajes protagonistas completamente nuevos en un ambiente desconocido con bastantes secundarios. Gerard Way, para mí, no forma parte de ese grupo. A pesar de haber visto la serie de televisión antes, para cuando terminé el tomo no tenía nada claro qué poderes tenían algunos, no sentía cariño por ellos y eso me hacía difícil congeniar con la trama y el sentido del humor. Si lo hubiera leído en su día, e incluso ahora si no hubiera tenido ya el segundo sacado de la biblioteca, con lo visto aquí no creo que hubiese seguido con la colección (y eso, os lo dice la Tarsia del futuro, habría sido una pena).

Y es que para mí este tipo de historias depende completamente de lo atractivos que sepas hacer a los protagonistas y a los antagonistas y el peso que des a cada uno de ellos. Cuando, aunque tengas diseños que acompañen, los enemigos son tan irrelevantes es difícil que puedas construir el encanto de los buenos de manera satisfactoria. Para que os hagáis una idea, ni un mes después de haber leído el cómic para hacer la reseña he tenido que coger el tomo para acordarme del aspecto de la mitad de los adversarios.

Entiendo que la intención sería dejarlo así para volver la atención sobre la Orquesta y el Violín Blanco, el personaje que da imagen a la portada. Para mí no lo justifica y como decía al principio es un problema puro y duro de medir el espacio y el número de personajes que tienes. Todo tiene mucho potencial pero aquí no lo explota según mis gustos.

Lo que sí tiene Suite Apocalíptica es un apartado gráfico que me ha dejado enamorada por completo. El dibujo de Gabriel Bá es muy atractivo, pega muy bien con lo que cuenta y hace una pareja perfecta con el color de Dave Stewart. Pasar las páginas de este cómic es una delicia de surrealismo, tonos oscuros y brillantes. Admiro muchísimo la expresividad que le dan a los personajes y el dinamismo de las escenas.

Por si fuera poco encima cuentan con las portadas de James Jean, de las que decir que son espectaculares se queda corto.

De la edición algunos detalles. Me gusta, agradezco que haya formato tapa blanda para elegir, pero esa pegatina que no se puede quitar que han plantado en medio de la portada con el logo de Netflix me destroza. No entiendo por qué hacen eso, me supera. Espero que les ayude a las ventas mientras yo lloro en una esquina.

¿PARA QUIÉN ES THE UMBRELLA ACADEMY: SUITE APOCALÍPTICA?

Lo más obvio, si habéis visto la serie y tenéis curiosidad está bien darle un tiento. También si tenéis nostalgia My Chemical Romancera es posible que disfrutéis mucho de las ideas de Way.

En lo que al cómic por méritos propios se refiere os lo recomiendo sobre todo si tenéis paciencia para llegar al segundo tomo, en caso de que seáis como yo, y a personas que se enamoren también de su estilo gráfico.

Puntuación: 2.5 de 5.

Reseña: Catarsis (Moto Hagio)

Autora: Moto Hagio
Título original: Hanshin Tanpen Kessakushu
Editorial: Tomodomo
Traducción: Ana María Caro
Precio: 16€
Páginas: 448
ISBN: 978-84-16188-63-5

¿QUÉ ES CATARSIS?

Doce historias cortas, creadas entre 1971 y 1994, que viajan a través de géneros y estilos diversos manteniendo siempre una estética preciosa y un tono melancólico, triste o directamente perturbador.

Si queréis saber un poco más de la autora escribí sobre ella en la entrada sobre el clan de los Poe. En resumen es una de las madres del manga, una diosa del arte y parte del llamado grupo del 24.

Creo que no existe la antología perfecta. Siempre hay relatos mucho mejores que otros y a menudo es un formato pesado de leer. Desde luego no es mi favorito. Aún así Catarsis tiene un nivel muy alto y bastante homogéneo al que favorece además el orden en el que están colocadas las historias.

Como esto es una página de fantasía, ciencia ficción y terror aquí solo hablaré de las que pueden ser incluidas en estos géneros.

Para terminar esta sección, soy consciente de la baja calidad de la imagen de portada. Esto es así porque la web de Tomodomo no la tiene subida para reseñas y porque las partes que se ven grises en persona son de un plateado brillante, mucho más bonita de lo que la hace parecer esa fotografía. El resto de ilustraciones que acompañan la entrada tampoco tienen la calidad suficiente por una mezcla entre lo mal que se me da hacer fotos y el tamaño del tomo, que, como dato tonto, hizo que me doliese mucho el dedo gordo con el que sostenía las páginas leídas.

¿CÓMO ES CATARSIS?

Precioso, el estilo de Moto Hagio es dulce y estilizado, parece que puedes percibir las ráfagas de viento que mueven el pelo de sus personajes. Además es variable, se ajusta a la narración, y en un solo tomo puedes pasar por muchos tipos de dibujo diferentes. Lo que sí tienen todos en común es que sirven de contrapunto a historias oscuras, algunas con finales muy dramáticos, y en especial con mucha melancolía.

Moto Hagio explora, por encima de todo, la sensación de no encajar en la sociedad y la soledad que esto produce, así como la pérdida y el vacío consecuente. Todas las historias, incluso las que terminan bien, tienen un sabor agridulce y una sensación de mundo atascado que sigue moviéndose pese a ti.

MITAD. Publicado en 1984.

La primera historia es un relato de terror sin elementos sobrenaturales. Cuenta la vida de dos hermanas monovulares unidas por la cadera llamadas Yudy y Yucy. Mientras Yudy es muy inteligente y sufre una delgadez extrema y pérdida de cabello, Yudy tiene la belleza de un proverbial angelito y dificultades de aprendizaje.

Puntuación: 4.5 de 5.

LA NIÑA IGUANA. Publicado en 1991

La señora Aoshima tiene una hija con aspecto de iguana, pero solo ella parece darse cuenta.

Mi favorito. Es raro, perturbador, triste, tierno y en algún que otro momento muy gracioso. Incluso si solo fuese por este relato merecería la pena el conjunto entero.

Puntuación: 5 de 5.

LAS PASTILLAS DE IR A LA ESCUELA. Publicado en 1994.

Katsumi es un estudiante que, de la noche a la mañana, empieza a ver una realidad completamente deformada. La única excepción es una compañera de clase apellidada Nakagawa.

La más delirante de todas las historias, ciencia ficción pura. Como si te tomases unas píldoras tú y empezases fuerte, viendo en la primera viñeta como el padre es un procesador de texto y la madre un hervidor eléctrico.

Puntuación: 3.5 de 5.

EL FALSO REY. Publicado en 1984.

Narra el viaje de Eyika y de un vagabundo rechazado por la sociedad que termina acompañándole.

A nivel de trama no es de mis favoritas pero a la vez creo que es de las más llamativas. Por una parte es muy predecible y, como es muy pausada, no te deja con al nariz pegada al libro. No obstante, aunque no sorprenda, una parte del giro final me ha parecido muy satisfactoria. Además el dibujo es una maravilla, el estilo que usa aquí Moto Hagio es bastante diferente al resto y le pega a las mil maravillas.

Puntuación: 3.5 de 5.

EL INVERNADERO. Publicado en 1975. Idea original de Ikumi Ikeda.

Joschafat y L’ange se convierten en hermanos tras la boda de sus padres y, aunque han compartido escuela, se conocen veraneando en la casa de campo familiar. Mientras su amistad avanza descubren un invernadero abandonado al otro lado de un río.

Creo que esta es la historia más difícil de comentar. El estilo, tanto en dibujo como en trama, se parece mucho a el clan de los Poe. Es precioso. Lo que pasa es que, al menos para mí, es una historia muy muy desagradable de leer. Joschafat es un personaje asqueroso y hay una parte de la historia que, bueno. No os quiero spoilear pero de verdad me dejó con muy mal cuerpo y molesta.

MARINE. Publicado en 1977.

La madre de Abe está muy enferma lo que hace que, pese a su corta edad, tenga que trabajar. Un día, volviendo a su casa e intentando comprar medicina, se encuentra a una joven muy hermosa que le regala un pendiente.

Marine es, para mi gusto, demasiado larga. Interesante, entretenida, pero con personajes muy irritantes en especial según van creciendo. Y esta historia sin que los personajes te cautiven la verdad es que no termina de funcionar. Por otro lado de pronto empieza a tratar bastante sobre tenis y es un giro muy extraño.

Puntuación: 2.5 de 5.

EL NIÑO QUE VOLVÍA A CASA. Publicado en 1998.

Cuenta la historia de una familia tras la pérdida de un niño en este estilo slice of life japonés con pequeños toques de ciencia ficción bastante clásico. No se puede decir más, es todo spoiler. Es preciosa, muy íntima, triste y cautivadora. Me ha tocado tanto la fibra sensible que me ha hecho llorar.

Puntuación: 5 de 5.

¿PARA QUIÉN ES CATARSIS?

Creo que esta es la sección de recomendaciones más difícil que he escrito y es por la cantidad de estilos que se reúnen en este tomo. En general supongo que vais a disfrutar esta compilación si os gustas las historias cotidianas pero con giros oscuros que exploran el lado más oscuro de la gente.

Reseña: Los asesinatos del lunes negro vol. 1 y 2 (Hickman, Coker, Garland, Wooton)

  • Guionista: Jonathan Hickman
  • Dibujo: Tomm Coker
  • Color: Michael Garland
  • Rotulación original: Rus Wooton
  • Traducción: David Domínguez
  • Datos vol. 1: 978-84-679-3033-7. 240 páginas. 22,00 €
  • Datos vol. 2: 978-84-679-3309-3. 192 páginas. 19,50 €
  • Colección: Los asesinatos del lunes negro (aún sin terminar)

¿QUÉ ES LOS ASESINATOS DEL LUNES NEGRO?

Una mezcla de magia negra, historia y economía muy interesante.

De momento lleva publicados dos tomos (o, lo que es lo mismo, ocho grapas) y podéis leer el principio tanto en inglés en la web de Image como la traducción de David Domínguez para Norma. Ahora mismo (18/3/2021) la edición española va al día con la estadounidense.

Según Norma, para el primer tomo: Un sangriento asesinato ha tenido lugar en el edificio Trair. La víctima pertenece a una de las familias más importantes del mundo de las finanzas, y la escena del crimen está repleta de simbología. El detective Dumas siempre ha sospechado de los poderes de las élites. ¿Será el momento de descubrir la verdad?

¿CÓMO ES LOS ASESINATOS DEL LUNES NEGRO?

Esta es una de esas historias a las que te lanzas aunque a veces no tengas ni idea de lo que te están hablando. Muchas partes del cómic (en una labor muy llamativa de diseño gráfico) son informes redactados, líneas temporales, transcripciones de entrevista etc. a las que solo podría darles sentido alguien que ya supiera el trasfondo del asunto. Para el lector es un puzzle interesante y caótico que viene a decir que, al final del día, solo algo muy turbio puede estar detrás de nuestro sistema económico.

El formato, con sus mapas y líneas del tiempo grandes, hace que sea una lectura rápida pero con muchos detalles en los que puedes entretenerte si gustas.

Luego está el guion. Es tan fácil como difícil de explicar. Fácil porque con lo que lleváis de reseña tenéis muy claro el trasfondo y difícil porque es como intentar desenmarañar una factura. Los datos los tienes todos delante pero alrededor hay idiomas extraños, personajes que actúan de manera muy irracional, el saber que hay cosas que se mueven de fondo pero de las que no te ofrecen ninguna información, e imágenes un poco grotescas.

Como aquí hablo tanto del primer como del segundo tomo os puedo decir, sin spoilers, que aunque todo sea enigmático avanza a muy buen ritmo. Si os lanzáis a leerlo no os vais a atragantar con un cómic con preguntas mal hechas y sin respuestas, esto está bien pensado y los círculos se van cerrando. Con esto no quiero decir que todo vaya a tener sentido al final, es una historia que juega a posta con que es imposible racionalizar muchas de las cosas que pasan económicamente, si no que la trama da respuestas satisfactorias a sus problemas más mundanos y su mitología pasa las ocho grapas con buena salud.

Creo que muchos estaréis de acuerdo conmigo en que en una historia sobre millonarios y la economía del mundo puede ser difícil querer a los personajes. Está bien, la historia no les justifica en absoluto, no busca que les quieras ni que empatices. Son odiosos. Aún así son muy interesantes, no me sobra nada y representan muy muy bien la codicia, la corrupción y luego, en el otro lado, la desesperación. Entre los blancos lejía y el negro brillante en el papel satinado, con la ayuda de un estilo de dibujo realista y poéticamente sucio, todo lo que hay es una profunda tristeza y un deseo de no quedar atrás.

Además, aunque ellos saben el significado de los documentos que el lector no puede terminar de descifrar, en realidad también están perdidos. Pero esto, bravo por los autores, aunque los hace más humanos y muy interesantes no les hace inocentes respecto a sus acciones. No hace que les quieras o que cruces los dedos porque las cosas les salgan bien.

Destaco además el color, que me ha ayudado mucho en las transiciones temporales (hay varios cambios de año, día y época). Si pasáis las páginas es muy homogéneo, no lo hace a través de grandes cambios o colores muy evidentes que asociar a cada momento, pero está ahí. Marca las diferencias entre los personajes, el tono de la escena y, aunque supongo que es de manera lógica lo que debería hacer toda paleta, me parece que está hecho con mucha solvencia. Además el contraste de los tonos de historia noir con los blancos y negros de aire muy actual hace una gran mezcla.

¿PARA QUIÉN ES LOS ASESINATOS DEL LUNES NEGRO?

Lectores descansados. Si tenéis un día con el cerebro quemado buscad otra cosa. Esto es entretenimiento, digo que sea la obra más profunda de la historia de la humanidad, pero sí que si estáis muy cansados probablemente no os sintáis receptivos.

Si lo que queréis es empezar con Hickman quizá no sea la mejor opción pero tampoco hay nada en contra. Simplemente tened en cuenta el argumento y valorad si es lo que os apetece, porque probablemente lo que os estáis imaginando más alguna cosa extraña que no os esperáis es lo que os vais a encontrar.

La mezcla de economía y magia y es muy atractiva y creo que este es un cómic que podría gustar mucho a lectores de Abercrombie y Sapkowski.

En los links (que también os he puesto en la parte de arriba) con las webs de las editoriales podéis comprobar si esta obra es vuestro estilo o no de manera gratuita. En el caso de Norma, la versión española, son por desgracia solo seis páginas. Así que si sabéis inglés os recomiendo que vayáis a la Image, que tiene la primera grapa entera.

PUNTUACIÓN:

Puntuación: 4.5 de 5.

Reseña: Amante Oscuro (J.R Ward)

Autor: J.R. Ward
Editorial: DeBolsillo
Fecha de publicación original: 2005
Precio: 9’95 bolsillo. 1’99 eBook.
Páginas: 572
ISBN: 9788490629031
Traducción: Arturo Castro Mogrovejo
Colección: La Hermandad de la Daga Negra (1/18)

¿QUÉ ES AMANTE OSCURO?

Es una novela de romance paranormal. En ella seguimos los pasos de Beth Randall, una periodista que se verá atrapada en el mundo de los vampiros. Como todos os estáis imaginando, entre ellos conocerá al amor de su vida, Wrath.

Como veis arriba la Hermandad de la Daga Negra es una colección que, a día de hoy, cuenta con 18 libros. Pero que no os asuste demasiado. Son conclusivos y, aunque tienen trama común, van cambiando los personajes.

El nombre del traductor lo he sacado de la web de las bibliotecas públicas madrileñas, en la de la editorial el apartado está vacío. Yo lo he leído en inglés.

¿CÓMO ES AMANTE OSCURO?

Empiezo con los avisos. Es una historia muy básica, muy machista y muy de todo, en general. Contiene abusos y hacen daño a dos perros.

Este libro es lo que es. Si te apetece leer a gente muy intensa, a dos personas con una tensión sexual enorme a la que ponen solución, y a un grupo de hombres del prototipo rudo esta es tu novela. Cumple con todo lo esencial y cumple bien.

Lo que más entorpece su lectura es que, por cada capítulo que dedica a los protagonistas, le da uno al antagonista. Esa parte lo cierto es que no me enganchó en ningún momento. A partir de cierto punto empecé a leerla en vertical y no me perdí nada pues, como decía, sigue una historia muy sencilla. No es un libro muy fino, pero con esta solución me lo bebí.

En cuanto a los personajes. Ella es el clásico personaje femenino definido como diferente al resto de mujeres. Él es también un arquetipo absoluto, el de hombre poderoso con problemas emocionales que cambia cuando está con ella. Pero juntos, como romance, funcionan muy bien.

Cuando un romance va mal en una ficción, para mi gusto, suele ser por uno de los siguientes opuestos. El primero el instalove, las obsesiones instantáneas sin motivos sólidos. El segundo es lo contrario, que extiendan el juego del despiste, del odio o de lo que toque, hasta el punto de que la trama se me haga irritante. En esta escala Beth y Wrath son perfectos y eso en el cómo se construye la historia no es pequeña cosa.

El momento en el que se encuentran la lógica dice que Beth debería tener ganas de cualquier cosa menos de esto, Wrath también tiene un historial complicado y sin embargo, en cuanto se cruzan, ya no pueden aguantar con su libido. Esto lo digo literalmente. Aquí lo de las almas gemelas es una cosa de poner a usar el físico de manera absoluta. Y milagrosamente funciona. La ambientación y las feromonas de la historia se encargan de ello. Todo lo demás también es rápido y urgente, algo que destaca en contraposición a la larga vida vampírica y que hace muy sencillo seguir pasando páginas.

Los secundarios son harina de otro costal. Si bien la hermandad y sus miembros crean una curiosidad suficiente como para justificar las 18 novelas más relatos que lleva actualmente, en el resto, y en esto uno también lo que mencionaba antes del antagonista, flaquea. En algunos es porque no me producen ningún interés, como un policía, que además sale bastante, y en otros porque podrían ser apasionantes pero la narrativa en torno a ellos está mal construida. Aquí pondría a una mujer llamada Marissa.

En conclusión, el motivo principal por el que leer esta novela lo cumple de sobra pero, en el resto de cosas, no me ha llamado la atención.

¿PARA QUIÉN ES AMANTE OSCURO?

Aquellos con ganas de leer un romance con vampiros, sexo explícito, grupos de compañeros, una saga larga o un autoconclusivo y que tengan el día para aguantar todas las cosas que te pueden hacer enfadar aquí.

PUNTUACIÓN:

Puntuación: 3 de 5.

Reseña: Las Brujas (2020)

  • Título original: The Witches
  • Dirección: Robert Zemeckis
  • Guión: Robert Zemeckis, Kenya Barris, Guillermo del Toro
  • Adaptado de la novela de Roald Dahl y del guión original de Allan Scott (versión de 1990)
  • Banda sonora: Alan Silvestri
  • Año 2020
  • Duración: 99min

QUÉ ES LAS BRUJAS

Estrenada en año de pandemia, Las Brujas es una película de HBO max que en España sí ha podido ser emitida en cines. Se trata de la segunda adaptación cinematográfica de la novela de Roald Dahl, cogiendo la estela de su predecesora de 1990 aquí titulada “la maldición de las brujas”.

CÓMO ES LAS BRUJAS

Por la fecha de su estreno (22 de octubre) y la temática esperaba encontrarme una película de Halloween para niños y lo que me he encontrado es una película cristiana navideña para niños. Eso es algo para lo que honestamente no estaba preparada.

¿Navideña? os preguntaréis. Navideña sin duda. Durante la película te va dejando la sensación pero las decoraciones en las partes finales lo confirman. Lo de cristiano te va dando en la cara desde el principio.

No es que sea un problema pero es sin duda extraño.

Por lo demás es una película con buenas actuaciones. La abuela y el niño protagonistas son adorables y Hathaway es una buena Gran Bruja. Lo malo es que, aunque el maquillaje y el vestuario acompañan, los efectos no tanto. Creo que es un error ponerla, por ejemplo, a volar. O más bien levitar. La transformación es bastante sosa y además granjeó un hastagh (#notawitch) por la representación de las extremidades de las brujas. Hathaway pidió perdón en su instagram y Warner hizo lo propio.

En cuanto a la historia en sí empieza bastante bien. Me gusta cómo trata el duelo y el proceso por el que va pasando el protagonista. En general uno de sus puntos fuertes y más tiernos es el paso del tiempo. Creo que es algo que entendieron mejor que la adaptación de los 90.

Esta versión nos lleva otra vez a Estados Unidos, en este caso Alabama, y va soltando pedacitos de cuento navideño como que las brujas solo atacan a los pobres mientras representan, de nuevo, el paso del tiempo en un ambiente rural. Todo es muy familiar, cercano y lleno de comida.

Durante la película los personajes siguen manteniendo la buena química pero de pronto meten un personaje nuevo, una niña, que no entiendo muy bien qué hace ahí. De primeras es un relleno muy raro y de segundas, para enseñarte que es una niña, no para de ponerse ¿coqueta podríamos decir? Veo una no sé si buena intención o intento de ser correctos metiendo otro personaje femenino infantil, pero desde luego uno que en mi opinión no salió muy bien.

Por último el tramo final es lo que más largo se me ha hecho. Ya en la versión de los 90 quedó mal, para mi gusto, el intento de meter mas acción en la historia. Y aquí, aunque en una sección diferente del metraje, sigue sin cuajar muy bien.

Dicho esto hablemos un poco de Las Brujas en comparación a sus dos hermanas mayores con spoilers.

Esto es una mezcla rarísima entre querer ser más fieles a la esencia del libro y respetar por un lado las convenciones actuales, ser más respetuosos y a la vez, como he comentado arriba con las extremidades, meter la pata hasta el fondo.

Aquí, por fin, aunque la definición de las brujas sigue siendo la misma, no dicen que las mujeres sin pelo sean horribles o asquerosas. Ya solo por esto merecen un hueco en mi corazón.

Una de las cosas brillantes de la película es que han sabido mantener el carisma de la abuela quitándole sus elementos más distintivos: el puro (no olvidemos que en cine ya no se puede presentar a héroes fumando), el motivo de su enfermedad y sus detalles como exigir a su nieto que no se bañe para que las brujas no le encuentren. Pero como en esta película no saben quedarse en un valioso punto intermedio se han pasado un poco poniéndola de sacerdotisa vudú. Y el caso es que el poner brujas buenas en contraposición a las malas, ya en la adaptación de los 90, es una buena decisión en la representación femenina.

Aún así sin duda es una decisión muchísimo mejor que Daisy/Mary, un personaje que me ha parecido completamente insustancial con líneas de diálogo y movimiento que me tenían patidifusa. No es que sea malo pero es definitivamente raro que para representar que es una chica la pongan a contonearse (no en un sentido sexual si no coqueto) y a preguntar qué tal tiene el pelo.

En la simbología han decidido mantener las serpientes como un símbolo de las brujas, aunque hayan cambiado el primer encuentro con una del protagonista. Ahora aparece además en la ropa de Hathaway, que como decía tiene un vestuario precioso. Sin embargo en este caso, al no hacer hincapié en que las brujas son mujeres, queda simplemente asociado a la naturaleza sibilina.

El final, que después de todo está aquí el meollo de la cuestión, pretende ser más fiel al libro. Aquí no hay milagro que valga y los tres niños van a seguir siendo ratones para siempre. Lo que pasa es que, en realidad, es mucho más diferente a la historia de Dahl que la versión de los 90 por un pequeño detalle que en realidad es inmenso. Esta ya no es la historia de un niño que no sabía mezclarse con la sociedad y que no resentía su muerte porque, tras perder a sus padres, su vida era su abuela. Aquí todos los niños se quedan siempre juntos (de nuevo, un giro muy navideño) y vemos cómo están enseñando a una nueva generación.

Si en la película de los 90 cosas como el nombre del protagonista y de la Gran Bruja le quitan el sentimiento de universalidad, aquí, que los nombres se dicen mucho menos, es la ruptura de la soledad y su melancolía lo que lo hace.

PARA QUIÉN ES LAS BRUJAS

Si visteis la de los 90 y habéis leído el libro probablemente os guste echarle un tiento. En lo personal, aunque me ha dejado muy confusa por este lo intento pero no me sale bien constante, me lo he pasado bien. Si lo anterior no es vuestro caso la verdad es que es difícil recomendarla, aunque lo cierto es que el trailer puede llamar vuestra atención.