Reseña: Tangles (Seanan McGuire)

Estoy escribiendo esta reseña por completismo, porque quiero leer y escribir sobre los nominados a los Hugo de 2022. No quiero decir con esto que sea un relato horrible, en absoluto. McGuire me parece una escritora mucho más que competente incluso cuando escribe cosas de las que no soy el público objetivo.

I came looking for a tree.

Es, más bien, que no tengo nada que aportar sobre este relato.

La historia sigue a Wrenn y a Teferi, dos personajes que se conocen en un bosque mientras la primera busca un árbol para que sea su nuevo compañero.

This part was always painful.

Se siente bastante simplón, probablemente aporte mucho más si estás metido en el mundillo Magic, y se me ha hecho bastante repetitivo. Hay un párrafo, eso sí, que me ha parecido precioso:

(…) there was a great fire once. It devoured the trees of my people, until found a way to pull it into myself. It burns there still. It burns me now.

Si tenéis interés os recomiendo que lo leáis porque siempre hay cosas que aprender de grandes escritoras como esta. Y, si os gusta la ilustración fantástica, la historia va acompañada de varias imágenes de Heonwa Choe.

Podéis encontrarlo en la web de Magic y está en inglés.

Puntuación: 2 de 5.

Reseña: Where Oaken Hearts Do Gather (Sarah Pinsker)

Relato corto nominado a los Hugo y Locus y ganador del Nebula 2022.

Where Oaken Hearts Do Gather (Roud 423, Child 313) is a traditional English folk ballad.

Este relato es un ejercicio de formato maravilloso. Imitando una conversación entre varios personajes en un servidor online, Pinsker nos introduce en un debate sobre una balada de folk inglesa tradicional ficticia (al menos hasta donde yo sé): Where Oaken Hearts Do Gather.

No tengo datos personales sobre la autora pero lo que tengo clarísimo es que parte de un amor musical profundo y de una pasión por el estudio de la tradición y su influencia. El concepto y cómo se construyen las piezas es una delicia.

El problema es que, aunque aprecio muchísimo el conjunto, mientras lo estaba leyendo me estaba aburriendo. Su mayor punto fuerte, la forma, es también para mí su peor enemigo. Es como estudiar para un examen de literatura en el que no te has leído la obra y estás buscando resúmenes en internet. Puede llegar un momento en el que reúnas las piezas, te haga click y empiece a interesarte pero, sin conocer realmente ni el argumento, es al menos para mí muy pesado.

Pero lo cierto es que la historia no funcionaría de otra forma.

One autumn as the wind blew cold

and stripped red leaves from branches

Fair Ellen ran to meet her love

Where oaken hearts do gather

La historia en sí tiene dos temas críticos que están relacionados. El primero es cuál es el significado real de la letra cuya traducción es, como siempre, debatible. Puede estar hablando de amor o de una historia de terror. El otro es una desaparición.

Las ramificaciones de todo eso, los diferentes puntos de vista entre diversos humanos pese a tener la misma información, la pasión de unos, la búsqueda por simplificar de otros, nuestra relación con las plataformas y lo que sale de la colaboración de varias personas están muy logrados.

Como podéis ver es una historia breve que da para mucho. Si os animáis a leerlo fijaos en que en una sección de varios links hay uno que funciona de verdad.

Puntuación: 3 de 5.

Reseña: Spiderlight (Adrian Tchaikovsky)

¿QUÉ ES SPIDERLIGHT?

Novela autoconclusiva de fantasía. Tchaikovsky nos presenta la historia de un típico grupo de aventureros a los que les pone su toque personal de humor cínico y giros narrativos. Si no podéis o no queréis leer nada que tenga que ver con arañas esta no es vuestra próxima lectura. También hay TW para violaciones y debates sobre violaciones.

Según la editorial:

La iglesia de Armes de la Luz ha combatido a las huestes de la Oscuridad durante tanto tiempo que ya nadie lo recuerda. Una gran profecía ha presagiado que un grupo de inadaptados, liderados por una sacerdotisa suprema, vencerán al Señor Oscuro Darvezian armados con su inteligencia, la bendición de la Luz y un artefacto arrebatado a la impía Reina Araña. El viaje será largo, duro y repleto de peligros. Aliados que serán enemigos, enemigos que serán aliados. Y el Señor Oscuro espera, siempre espera.

¿CÓMO ES SPIDERLIGHT?

Abordar la reseña de Spiderlight me ha resultado un poco complicado. La sinopsis es muy básica. Muy de grupo estándar de fantasía/rol que corre aventuras luchando contra un señor Oscuro dejando de lado el elemento que hace especial a la historia. Pasa casi al principio, yo no lo considero un spoiler, pero sí es técnicamente un giro que se ha dejado de lado en ciertas partes de la campaña de marketing.

Si queréis que os pille totalmente de improviso y juzgar el giro por vosotros mismos os recomiendo que dejéis la reseña aquí. Que no leáis nada y cojáis el libro. Es que es imposible hablar de esta novela, que además es muy cortita, sin mencionarlo.

Así que allá vamos.

Fuck the righteous

Solo he leído dos obras de Tchaikovsky y ya tengo claro que lo suyo son los giros. Retorcer conceptos, retorcer arquetipos de personajes y servirlo en platos a rebosar de crítica social. Para Spiderlight escogió darse un paseo por el tópico del Bien y del Mal. La contraposición de lo que se cree inherentemente bueno contra lo que se cree inherentemente malo, las especies de criaturas, como las arañas gigantes, que se da por sentado desde que se menciona su existencia cuál debe ser su alineamiento moral.

Por la forma en la que está hecho desde el principio creo que es un guiño claro a la secuencia de Ella-Laraña (Shelob) en el Señor de los Anillos. Todo esto mezclado con la estructura básica de personajes no tanto de una partida en abstracto como de libros como Drizzt (que además tienen también muchas arañas) o las Crónicas de la Dragonlance.

Y aquí quiero hacer una pequeña reflexión. Cuando estuve leyendo reseñas para decidir si leer o no Spiderlight me encontré a menudo comentarios que destacaban el trabajo de Tchaikovsky por romper con tópicos absolutos del género. De luz y oscuridad. Cómo lo planteaban me sorprendió mucho porque, aunque entiendo de dónde viene, creo que las grandes obras de la fantasía nunca han sido tan simplistas. No quiero decir con esto que no haya absolutos de bien y mal, sobre todo en los cuentos, pero sí que tanto Tolkien, como Salvatore o Weiss y Hickman siempre tuvieron espacio para los grises y los planteamientos morales complejos.

Lo que hace Tchaikovsky, por lo tanto, no es lo nunca visto. Más si tenemos en cuenta que hace ya mucho que existen cosas como versiones desde el punto de vista de los Orcos.

No quiero con esto quitarle mérito. Lo cierto es que da igual si es la primera, la quinta o la centésima obra en hacerlo. Lo que importa es que lo que hace lo hace bien y con una voz que a mi experiencia lectora se le hace bastante inusual.

También destaca lo de las arañas, claro.

Hay algo aterrador en imaginarse arácnidos e insectos en tamaños muy superiores al humano. Destapa algunos miedos primordiales y un rechazo absoluto que es difícil enfrentar. Y ya si de ahí pasas a una araña humanizada como hace el autor británico llegas a un terreno el doble de complejo.

Hace una mezcla fantástica entre la teoría del valle inquietante (la incomodidad ante las cosas que no son humanas pero lo parecen demasiado) y la percepción racista que nos permite individualizar los rasgos del colectivo al que pertenecemos pero nos hace confundir los de los demás, haciendo que veamos lo extraño como masas uniformes. El personaje que utiliza para exponer todo esto, Nth, es una de las creaciones más sólidas y dolorosas que he leído.

Pero para mí ese terreno tiene un problema. Esta es un historia profundamente dramática, cargada de patetismo, pero el tono de la novela es de humor. No creo recordar, pese a eso, haberme reído ni una sola vez. Esto mismo me llevó a un odio absoluto a todos los personajes que, incluso mientras iban debatiendo sus propias convicciones, o me daban igual o me frustraban. En teoría creo que solo hay un personaje con el que no debería empatizar en ningún momento, el que pretende ser el más justo y elevado, pero era tan odioso que lo peor es que terminó en el grupo de mi indiferencia.

Esto no es una percepción mía, de mi sentido del humor. Es que es ácido, punzante y pretende que te sientas incómodo durante toda la novela. El punto es que a mí me hizo sentir demasiado incómoda.

What is it about this ‘humor’ business I keep getting wrong

Tampoco la estructura y la construcción del mundo me engancharon. En general, con honestidad, ha sido una lectura un tanto farragosa. Siento que el formato por etapas de viaje, la serialización, no funcionan en absoluto con el trasfondo que es lo verdaderamente importante. Por un lado tiene que ver que todo se queda un poco superficial y por otro es la sensación de estar leyendo a los chavales que te caían mal en el colegio mientras aprenden cosas.

Todos estos elementos confluyen en un final que, de nuevo, a mi gusto tampoco es satisfactorio. Creo que nace de una buena idea pero que deja a la novela un poco coja.

Aún así, con todo esto, es una obra a la que si os gusta la fantasía y os lo podéis permitir os recomiendo echarle un ojo.

Tchaikovsky es un escritor excelente. Cuando la trama se enfrenta a sí misma, cuando los personajes hacen cosas horribles como si fuera el desayuno, cuando debaten, cuando se equivocan, hay una manera en la que vierte las ideas que engancha. Incluso si el tono no me funcionó en el conjunto encuentro momentos en el desarrollo de las conversaciones y la manera en la que se plantean de pura maravilla.

El drama profundo que lo permea todo y, en especial, la intensa discusión sobre lo que significa el consentimiento, es finísimo. Excelente.

¿PARA QUIÉN ES SPIDERLIGHT?

Si ponéis menos peso que yo en coger cariño a los personajes de las novelas y lleváis bien un humor que va de manera ultra punzante hacia el drama creo que os va a encantar esta novela. Es una gran reflexión sobre la fantasía, sobre los tópicos y sobre qué hay detrás de una división binaria del mundo.

  • Autor: Adrian Tchaikovsky
  • Traducción: Alexander Páez
  • Título original: Spiderlight
  • Publicación: 2016
  • Editorial: Alethé (2019)
  • Género: Fantasía
  • Autoconclusiva
  • Páginas: 328
  • ISBN: 978-8491645566

Reseña: «El corazón de la Bruja» (Genevieve Gornichec)

¿QUÉ ES EL CORAZÓN DE LA BRUJA?

La vida de la bruja parece reiniciarse tras caer en desgracia con Odin y ser quemada. Varias veces. Tiene que empezar desde cero, redescubrirse y decidir cómo relacionarse en un mundo que parece no querer soltarla. En ese proceso destacan los casi opuestos de Loki y Skadi, dos personajes que marcarán su nueva existencia como un espejo del mundo más allá de su cueva.

Yo lo he leído en inglés pero el 3 de mayo de 2022 llega en español de la mano de la editorial Umbriel.

¿CÓMO ES EL CORAZÓN DE LA BRUJA?

Para empezar me gustaría que el marketing editorial dejase de etiquetar todo lo que sea un retelling de mitología como similar a la obra de Madeline Miller. Se parecen lo mismo que un huevo a una gallina. Pero bueno.

El caso es que el principio me estaba decepcionando. No es malo, de hecho tiene varias frases ya en esos momentos que he guardado a buen recaudo en mi cuaderno de lecturas, pero sentía que le faltaba chispa. Veréis. A mi gusto el problema principal es que los diálogos de Loki intentando dar golpes de efecto a base de carisma e inteligencia en ningún momento llegan a ser rompedores. Tampoco consigue que sea lo suficientemente gracioso o encantador. Es más que juega con la idea que tú, como lector, tienes de él que que te de esos aspectos.

Y claro, eso no es suficiente.

Poco a poco, sin embargo, cada vez estaba más metida en la narración. La primera vez que aparece una escena de gran peso dramático me sorprendió lo muchísimo que lo sentía por Angrboda, lo que me agitó. Hice una pausa y me replantee la narración.

Cómo había pasado eso. Cómo me había centrado en Loki en un libro sobre Angrboda y cómo de pronto la autora me había sacado de mi, digamos, error. Cómo me importaba tanto un libro que me estaba decepcionando.

La respuesta fue fácil. Las decisiones de Angrboda son las que esperas que tome, caes en la rutina, no lo piensas dos veces. Pero cuando el mundo no le da ni una fracción de lo que se supone que te va a devolver si te portas así lo sientes por ella. Es ver a un tópico de lo femenino buscando cómo reaccionar ante una situación que has leído ya muchas veces.

Es decir, no es novedoso. Es que lo has leído tantas veces, lo has escuchado tantas veces, que sabes de manera instintiva lo que duele. Lo que en Perdida llamaron la chica guay.

A partir de este punto sí vinieron varias sorpresas relativas. Y digo relativas porque en la sinopsis del libro, en la oficial, no lo que he resumido yo aquí, ya te lo cuentan. Además es mitología y a grandes rasgos por lo menos es normal saber lo que pasa. Gornichec decide, y para mí esto es lo mejor de el corazón de la bruja, sumergirse de cabeza en lo extraña que es la mitología, en lo que es tener hijos no humanos, en los poderes de Loki, la reacción de los dioses, los tópicos del mundo binario masculino y femenino.

Con todo esto además se adentra en la raíz de los mitos. A quiénes hemos elegido como héroes y como villanos a lo largo de la historia. Las vidas de quiénes contamos, las que ignoramos, las que dejamos en un segundo plano. Lanzarnos a una muy necesaria reivindicación del ámbito de lo doméstico y de las gestas que suceden allí.

Así la novela se vuelve poco a poco una exploración del hogar, de la significación que se ha otorgado a la maternidad y a la paternidad, al amor, tener un sitio al que volver y qué conlleva la falta de confianza en un lugar en el que no debería haberla.

Me gusta especialmente cómo esa familia incluye también a Skadi, un personaje lleno de practicidad y que es un equilibrio a la explosión que supone Loki en la vida de Angrboda. Me hubiera gustado que tuviese más tiempo, más escenas, pero no me quejo mucho incluso en un momento en el que no estoy de acuerdo en lo que expone como si fuese una verdad universal.

Sí que es cierto que cerca del final hay una parte que volvió a no gustarme y además es larguilla. Aunque esto tiene que ver, lo reconozco, con que nunca me ha gustado el tópico de los personajes que vagan solos.

El final propiamente dicho volvió a convencerme más. No del todo, aunque en esto no voy a entrar por spoilers, pero sí lo suficiente como para que volvieran los fuertes sentimientos de mitad de novela.

¿CÓMO ES EL CORAZÓN DE LA BRUJA?

Si os gustan las recreaciones de mitos con énfasis en lo extraño, las historias con sabor a fanfic cotidiano/dramático y la exploración del ámbito doméstico, de lo tradicionalmente considerado como femenino, es muy probable que encontréis algo que os guste en esta novela.

Puntuación: 4 de 5.
  • Autora: Genevieve Gornichec
  • Título original: The Witch’s Heart
  • Publicación original: 9/2/21
  • ISBN: 9788416517749
  • Páginas: 384
  • Editorial: Umbriel
  • Precio: 17’50€
  • Género: Fantasía. Mitología nórdica

Reseña: «El clan de los Poe» vol.2 (Moto Hagio)

En la entrada sobre el primer tomo de el clan de los Poe os hablaba de cómo la trama está fragmentada y contada a trozos. Hagio crea un puzzle histórico entre personajes y momentos temporales que se ve aderezado, además, porque el orden de publicación original de los relatos no es el orden que sigue la edición. Es decir, las historias que aparecen en este volumen no son necesariamente posteriores en aparición a las del anterior. Y lo que cuenta no sigue un orden cronológico interno.

Para mí es una decisión muy bien tomada.

Aunque sigue la vida del conjunto del clan está claro que, por encima de todo, Hagio nos cuenta la historia de cómo Edgar se relaciona con su condición, conocidos y familia. Así, aunque no es tan sencillo como esto y ambos personajes salen en los dos tomos, podríamos decir que la compilación podría llamar al primero la trama de Merrybelle y al segundo la trama de Allan.

Por si después de todo queda alguna duda o despiste el tomo incluye al final una cronología de los hechos.

Dicho esto hablemos, pues, de esta sección que como os digo yo he nombrado la de Allan.

Sigue el té de rosas, la atmósfera de relato gótico y entramos durante un espacio grande del manga en uno de los puntos definitorios del Shōnen-ai: los internados de niños ricos. Sí, Hagio metió a los vampiros en el instituto en el 75. Es una de mis partes favoritas.

Las personalidades tan dramáticas y el egoísmo de Edgar dan pie a un relato sobre depredación y adolescentes, sobre la evolución o no de la personalidad en la vida eterna y sobre cómo valorar a la gente que no conoces. El resultado es soberbio.

Una vez que salimos de ahí, el relato sigue atándose de manera constante con los sucesos del primer volumen y seguimos siendo testigos de los caprichos y decisiones de los personajes. De la manera en la que se arrastran mutuamente en un ambiente un tanto onírico que termina como si te despertases de golpe tan solo para aparecer en otro sueño.

El apartado gráfico sigue siendo exquisito, con un gusto por el viento, el pelo largo y las miradas profundas. De hecho una de las cosas que más me gustan en la sección del internado es cómo Hagio diferencia las trastadas infantiles y las personalidades aún en construcción de la mayoría de los niños con los ojos intensos y de dibujo detallado de Allan y Edgar. No son los únicos críos que dibuja así, pero sí que queda con ello muy claro desde el principio ese punto que comentaba de mezclar adolescentes con depredadores.

A la vez Edgar sigue siendo Edgar y no se vuelve de pronto un adulto. Hay un tipo de picaresca y crueldad en él junto a una retorcida visión de la lealtad que hacen de verdad perfecta la ambientación de este tomo.

Fuera de la escuela destaca cómo el tiempo y la vida empiezan a alcanzar a los protagonistas, cómo lo difuso y extraño de su vida siempre es percibido por alguien, la prueba de que no son fantasmas. Esto queda especialmente claro en el relato Lambton cuenta, que tiene para ello como herramienta un gran uso del color.

No quiero decir mucho más para evitar spoilers pero si os gustó el primer tomo creo que es seguro que os enamoraréis del segundo.

Puntuación: 5 de 5.
  • Autora: Moto Hagio
  • Título original: Poe no ichizoku Premium Edition Vol 2/2.
  • Editorial: Tomodomo
  • Traducción: Ana María Caro
  • Precio: 20€
  • Páginas: 432
  • ISBN: 978-84-16188-98-7

Reseña: «Las luminosas» (Lauren Beukes)

Estoy haciendo esta entrada bastantes años después de leer el libro en base a las notas que dejé para una reseña que nunca publiqué. Es posible que mi opinión de algunas temas, si lo releyese, fuera diferente. Aún así me apetecía bastante hablar de las Luminosas y unir lo que escribí a lo que recuerdo y al poso que me ha dejado con el paso del tiempo.

¿QUÉ ES LAS LUMINOSAS?

Aunque en mi círculo lo que más se lee es fantasía, terror y ci-fi, 2012 fue un año en el que el thriller pegó fuerte con los lanzamientos de Perdida y la verdad sobre el caso Harry Quebert. Así el ambiente por aquí estaba abonado cuando, al año siguiente, aparecía las Luminosas. Es una mezcla entre suspense, asesinatos y viajes en el tiempo que ocupó de manera bastante notoria a booktube y bloggosfera en su momento.

A mí las luminosas me dejó bastante poso y de hecho lo había añadido en mi lista de libros favoritos de terror. No porque me parezca brillante, aunque hablaré de esto con más detalle en la siguiente sección, si no porque me resultó impactante. Tiene escenas en las que pienso a menudo.

Os dejo con la sinopsis:

Chicago, 1992.Dicen que lo que no te mata te hace más fuerte. Que se lo digan a Kirby Mazrachi, cuya vida se ha trastocado tras un brutal intento de asesinarla. Mientras lucha por encontrar a su atacante, su único aliado es Dan, un antiguo periodista de homicidios que se ocupó del caso y que trata de protegerla de su obsesión. A medida que Kirby avanza en la investigación descubre a otras chicas, las que no lo lograron. Las pruebas de los crímenes son imposibles. Pero para una chica que debería estar muerta, imposible no quiere decir que no haya pasado.

¿CÓMO ES LAS LUMINOSAS?

Grandilocuente y oscuro. Tiene un estilo de prosa denso que se siente un poco pesado y que recuerda, en general, a las novelas de crimen estadounidenses.

Las Luminosas sigue a tres protagonistas: el asesino, una víctima y un periodista. A esto se le añaden además pequeñas mini historias de otras víctimas. Es caótico y este exceso hace que se pierda de vista que sus personajes son, en el fondo, lo más interesante.

En torno a este libro surgió un debate complejo que salpica a muchísima ficción y es que, como en muchas otras novelas negras, el argumento se centra en los asesinatos de mujeres por parte de un hombre narrados al detalle. Además aquí las víctimas elegidas son mujeres con un tipo de luz especial. De ahí el nombre. En la práctica esto lo que significa es que son mujeres con un potencial destacado.

¿Qué significa exactamente matar a mujeres con un potencial destacado? ¿Creemos que hay mujeres que valen más que otras?

Y, de nuevo, el debate no queda solo ahí. Aunque el periodista es latino, en estos ir y venir de historias cortas de otras víctimas, el resultado final es que las únicas mujeres relevantes para la trama que no son blancas son asesinadas. Como digo, además, de manera cruenta y descrita sin omisión.

A la vez está claro desde el momento en el que empiezas a leer la novela que el objetivo de Beukes es, de hecho, una reivindicación social. Una exposición de la violencia de género entre épocas y cómo siempre ha seguido un hilo común. Una metáfora, vaya. Y no una sutil.

Al final yo creo que resumiría todo esto en una discusión sobre cuál es el objetivo del libro, su tono y qué es lo que en realidad está contando. En todos esos aspectos es probable que os decepcione en alguno pero también que encontréis cosas de gran calidad.

En mi opinión hay espacio para todo. La autora comete errores y aciertos y, como decía al principio, yo tengo esta novela en mi lista de favoritas en terror. Y es que para mí, con mi historial como lectora, fue muy impactante. Algunas escenas las tengo clavadas en el cerebro y aprendí mucho sobre efectismo. No sabéis lo nerviosa, inquieta e incómoda que llegué a sentirme.

Asumo que si me prodigase más en este género no habría tenido el mismo efecto, eso también os lo advierto.

Por otro lado no podemos cerrar esta entrada sin hablar del elemento fantástico, la ruptura de la línea temporal. El concepto para la historia me encanta. Tiene un elemento, la casa, en el que no voy a entrar en detalles para evitar spoilers. Ata muy bien esta novela, aunque desde una óptica totalmente diferente, con la tradición de las escritoras y las casas encantadas. Se le asocian también otras simbologías en el mundo de lo masculino, muy interesantes, y que de nuevo es mejor no detallar para no destripar la novela.

Lo que pasa es que, como todo en las luminosas, te da una de cal y otra de arena. Al final no consigue integrar la fantasía bien en su historia y termina siendo atropellado y poco satisfactorio.

Puntuación: 4 de 5.

¿PARA QUIÉN ES LAS LUMINOSAS?

Si os gusta la fantasía que sabe un poco a ciencia ficción, la novela negra y no lo vais a pasar mal por el argumento creo que os puede gustar. Aunque sea un constructo un poco frankenstien entre sus diferentes elementos creo que merece mucho la pena.

También podéis querer leerlo antes de que salga la serie el 29 de abril. Va a estar en la plataforma de Apple y el tráiler tiene buena pinta.

  • Autora: Lauren Beukes
  • Título original: the Shining Girls
  • Publicación: 2013
  • ISBN: 978-8490066621
  • Páginas: 416
  • Descatalogado en físico
  • Precio digital: 7’99€
  • Género: Fantasía. Suspense. Terror.

Toy Story: hasta el infinito y más allá

DISNEY, PIXAR, DISNEY

La llegada de los 80 supuso para Disney el pistoletazo de salida a 30 años de subidas, bajadas y cambios inmensos que repercutirían en toda la industria. Esta historia, que es la de Toy Story, empieza con la progresiva jubilación de los conocidos como los nueve ancianos de Disney, animadores de gran fama que acompañaron a Walt desde muy pronto en sus negocios.

Y es que cuando un hueco aparece tiene, por supuesto, que ser ocupado por un nuevo trabajador y la compañía del ratón se enfrentaba a un momento delicadísimo con el necesario cambio generacional. A este grupo pertenecía John Lasseter, un graduado de CalArts que entró a trabajar a Disney en el mismo año que acabó sus estudios, 1979.

Este trabajo, sin embargo, no le duraría mucho.

Obsesionado con el 3D, que la empresa ya estaba usando en producciones como Tron, Lasseter veía en el CGI una herramienta extraordinaria para la realización de fondos en la animación tradicional. Disney no se opuso en principio y el artista estadounidense empezó a trabajar en una versión de donde viven los monstruos que convenciese a los ejecutivos de su plan: hacer una película con esta técnica de la tostadora valiente.

Todo esto terminó en nada. Lasseter terminó siendo despedido en torno a 1983.

Una serie de carambolas y los contactos adecuados le metieron en LucasFilms, que estaba haciendo progresos informáticos y que, de mano de Ed Catmull, propusieron a Lasseter un nuevo cambio de paradigma. No hacer solo los fondos, atreverse con los personajes. En 1984 aparecen las aventuras de André y Wally B.

Disney-Pixar© 1984

Este es el inicio de Pixar pero también del divorcio de George Lucas, que le llevaría a venderles. Aquí es donde entra Steve Jobs.

Con esta nueva financiación llegan dos de los elementos principales para la aparición de Toy Story.

El primero es Luxo Jr, un corto de tan solo dos minutos que apareció en 1986 y que servía como muestra de su tecnología. Se convirtió, como lo conocemos hoy día, en la imagen de Pixar y sirvió para conseguir la primera nominación de la animación CGI en los Oscar.

Ese mismo año Disney presentaba al mundo Basil, el ratón superdetective, la primera película en la que usaron estas nuevas tecnologías para los fondos.

El segundo elemento es Tin Toy.

Disney-Pixar© 1986

Tin Toy son cinco minutos de un juguete entre aterrorizado y curioso frente a un bebé que, por supuesto, hace cosas de bebé. Es, podríamos decir, una precuela directa de Toy Story. Hoy en día puede resultar un poco perturbador e incluso marear un poco en especial al principio, pero lo cierto es que es tierno, gracioso y tiene todo el potencial que explotaría en el largometraje que nos ocupa. En la imagen que he puesto se ve demasiado bien porque la apañaron un poco para hacer el nuevo poster, que es de donde sale esa foto.

Si como hemos visto con Basil Disney ya estaba interesada en esta nueva animación sin duda fue un empujón grande que Tin Toy se hiciese con el Oscar en el 86. Oscar que ganó compitiendo contra Technological Threat, un corto de Kroyer (los de Ferngully) que presentaba fondos CGI y animación 2D para sus personajes.

Y el caso es que Steve Jobs tampoco estaba bien de dinero. Mientras, gracias a la tecnología CAPS que ambas empresas desarrollaron juntas, Disney seguía metiendo elementos no tradicionales tanto en la Sirenita como, por supuesto, en los Rescatadores en Cangurolandia y la Bella y la Bestia. A esto se suma la situación tan especial que se estaba desarrollando con pesadilla antes de navidad (esto lo dejamos para otro día) y tenemos a una Disney que le plantea a Pixar un trato de distribución aún lejos de las siguientes colaboraciones y posterior compra, de tres películas.

Lasseter pasó de soñar con fondos digitales a plantearse un proyecto de 80 minutos en el que todo fuese CGI. El contrato se firmó en 1991 y concluyó su aventura con la proyección en cines en las navidades de 1995.

A la película le sería otorgado un Oscar especial por sus logros.

UN VIERNES NEGRO PARA LLEGAR AL PRIMER LARGOMETRAJE

Si Pixar estaba esperando que su mayor reto fuese usar una tecnología con la que, de momento, solo habían hecho cortos en un largometraje, estaban a punto de llevarse una sorpresa.

Disney tenía toda la experiencia en cine que a Pixar, de momento, le faltaba. Para suplir esto y servir de apoyo habían puesto en el proyecto, entre otros, al famoso Jeffrey Katzenberg que por entonces era uno de los mandamás y cuyas ideas, sin embargo, no estaban cuajando en absoluto con Lasseter y compañía.

Las primeras versiones de Toy Story fueron un despropósito de personajes odiosos que pretendían ir dirigidos a un público adulto y que llevó, el viernes que el story final fue presentado frente a la compañía, a la casi cancelación y con ello despido de una gran parte de la plantilla. Pixar pidió dos semanas para solucionarlo, esta vez a su manera, y el proyecto empezó a despegar por fin.

Sin embargo no penséis que esta es simplemente una historia sobre ser fiel a tus ideas y no hacer caso al productor experimentado. Lo que no consiguieron de Katzenberg se fue solucionando con la adición de los nuevos guionistas, Sokolow, Cohen y Whedon, que estuvieron dando vueltas al trabajo y terminaron, junto a los creadores de la historia, desarrollando un trabajo tragicómico que se convertiría en marca de la casa.

Disney-Pixar© 1995

ANIMACIÓN Y MÚSICA: UNA LARGA RELACIÓN

Las bandas sonoras han sido una parte fundamental (tanto en presencia como en ausencia) de la experiencia cinematográfica. En el caso de la animación Disney, aunque hay algunas excepciones, es obvio que la ha utilizado como uno de sus principales activos y, hasta cierto punto, pensar en Disney es pensar en las canciones de nuestra infancia.

Y aquí estaba uno de los retos principales para el equipo de Pixar. No querían un musical pero, viniendo Lasseter de esa formación y trabajando con la compañía del ratón, no podían no ser conscientes de la importancia vital de este apartado para su película. La papeleta se solucionó con Randy Newman y su banda sonora, que incluía la maravillosa hay un amigo en mí, interpretada en inglés por él mismo. En España fue Tony Cruz, que hizo un trabajo excepcional.

Tanto la banda sonora como la canción fueron nominadas a los Oscar que, sin embargo, se llevó en ambas categorías Pocahontas.

LOS ACTORES DE DOBLAJE

Tom Hanks y Tim Allen fueron los elegidos para dar voz en versión original al dúo protagonista. Por supuesto ambos aportaron bastante a sus personajes y, para entender qué hizo a esta película como es, creo que siempre conviene verla alguna vez en versión original. De hecho fue la voz de Tim Allen lo que llevó a Buzz de un juguete pagado de sí mismo al maravilloso juguete que no sabía que era un juguete que todos conocemos.

Aún así, por lo menos en España, tenemos también un trabajo increíble en este apartado. Os dejo un enlace a la wiki de actores de doblaje aquí para que podáis ver la lista si queréis.

Disney-Pixar© 1995

LOS NIÑOS Y SUS JUGUETES: LA IDEA DEL MILLÓN

Toy Story no es la primera ni la segunda historia que otorga sentimientos a los juguetes. Al final esta no deja de ser una idea enraizada en el propio concepto de juego. Los niños usan su imaginación para dar vida a las cosas y dentro de ese microcosmos hay una magia inherente e innegable que se otorga a los propios objetos. Al menos, claro, mientras permanecen como el centro de atención.

Lo que hace especial a la película de Lasseter es cómo divide la acción entre la narrativa infantil y la de adultos. Siendo este, además, el ADN en las tres primeras películas de la saga.

Cuando era pequeña lo que más me gustaba de Toy Story era la relación de Woody y Buzz y, sobre todo, el arco de crecimiento de Woody. Yo también era una niña pedante, aunque no fuese nunca la popular, y empatizaba muy bien con el carácter desagradable y engreído del vaquero. A la vez, claro, soñaba con tener mi propio Buzz. Me gustaba ver a los niños jugar, me aterrorizaba Sid pero veía sus partes en bucle, engullía el sentimiento de equipo y me reía con las bromas y momentos absurdos.

Pero es que además cambió mi manera de jugar y de relacionarme con mis muñecos. Creo que pocos piropos más grandes le puedo dar a una película infantil. A veces me escondía para intentar descubrirles moviéndose y una gran parte de mi concepto de estructura en una historia sale de aquí. Y es que Toy Story era mí película. La que veía una y otra vez.

Como decía, sin embargo, no es en este apartado en el único en el que brilla y ahora como adulta la entiendo mejor y me hace aún más gracia. Tampoco esto es algo único de Toy Story, hay una cantidad inmensa de películas infantiles llenas de guiños, pero aún así la manera en la que esta lo hace me parece mágica.

EL VAQUERO Y EL ASTRONAUTA

La dualidad de tramas en Toy Story no es algo sutil y parte desde el propio diseño de sus personajes. Uno alto y fino otro más bajito y achaparrado. Uno cínico y mentiroso el otro directo, inocente y obtuso.

Uno vaquero y el otro astronauta.

Toy Story se dirige a los niños del 95 partiendo de un concepto vivido en todas las generaciones, el paso a la modernidad. Tanto Woody como Buzz son el mismo arquetipo de héroe estadounidense pero en diferentes momentos históricos. Al de la conquista del espacio, además, se le añade el estreno de la archiconocida Guerra de las Galaxias.

Hasta la trama de Buzz, el único que conoce las debilidades en el arma de su gran enemigo Zurg, viene de una herencia directa Lucasiana. Que, recordemos, había sido la primera fuente de ingresos de Pixar.

A estas oposiciones se le junta que Woody se cree muy listo pero en realidad prácticamente todo lo que dice resulta ser lo opuesto y casi todos sus planes son un fracaso absoluto. Mientras, por el contrario, Buzz tiene una suerte alucinante que le hace caer con estilo y romper las normas sin consecuencias. Dentro de esto destaco la escena cuando, intentando llegar a Pizza Planet, Woody termina en la zona de carga y Buzz hace su viaje tranquilo junto al asiento del conductor.

Disney-Pixar© 1995

El juguete espacial está rompiendo las normas al exponerse a ser descubierto aunque, de manera curiosa, eso le hace seguir las de conducción vial. Woody por su parte no se arriesga y, sin cinturón, termina aplastado y desconcertado. Esto le hace caer debajo de un vaso de cartón que otorga a Buzz la idea de cómo colarse en el lugar que él piensa fuertemente guardado. Exclama, entonces, Woody ¡eres un genio!

A esto le pone el broche de oro de película infantil con el final conciliador, la cama con los cojines de vaqueros y la colcha de Buzz y la sensación de que jugar en realidad nunca ha cambiado tanto.

LA TRAGICOMEDIA CON FINAL FELIZ

Dentro de ese atractivo adulto Toy Story deslumbra con un guion muy gracioso. O por lo menos, claro, que apela muchísimo a mi sentido del humor. Tanto al de cuando era un mico como al de ahora.

Desde los momentos más absurdos, como Buzz lanzándole el brazo a Woody cuando este le pide que le eche una mano, hasta la compleja frustración que los dos personajes se producen mutuamente. Me encanta. Siento que mucho de mi humor como millennial salió de aquí. En especial la sensación de cinismo y hartazgo existencial que lo permea todo pero que se ve salpicada de buenas intenciones, colores brillantes y, claro, juguetes.

Disney-Pixar© 1995

Hay una frase que dice Rex, justo cuando descubren que Buzz de verdad estaba con Woody, que siempre me llega al corazón: genial, ahora me siento culpable. Esa mezcla de egoísmo, patetismo y drama en una escena de acción y risas me parecen impagables.

A esto se le suman temas muy dolorosos como el de aceptar quién eres, tus limitaciones, las normas que tienes que seguir y que quizá no eres tan especial como creías. Pero que se acompañan con un optimismo cansado que te dice que, aún así, puedes ser especial para alguien.

UN JUEGO DE ANTICIPACIONES

Al final, pese a las dificultades para logarlo, funcionó como un reloj. Esto convirtió a a Toy Story no solo en una película muy divertida para ver una vez si no en un gran entretenimiento para el revisionado. Sobre todo porque la cinta utiliza genial las anticipaciones y los pequeños engaños.

Desde la primera secuencia, cuando se va abriendo el plano para ver que el escenario es solo un cuadro en casa de Andy, ya apunta maneras. Aquí podemos ver cómo todo estaba construido como un lugar seguro para Woody en su posición de juguete favorito. Desde este punto van rompiendo con eso de una manera que me parece muy divertida.

Pongamos algunos ejemplos.

Cuando los juguetes mandan a los soldados para descubrir los regalos de cumpleaños de Andy estos informan de una colcha. Todos respiran tranquilos. ¿Quién ha invitado a ese niño? exclama el señor Patata. Unas escenas después, sin diálogo, descubrimos que la nueva colcha es una colcha de Buzz Lightyear.

La pareja de mudanza es otro de estos numerosos momentos. La primera vez que vemos a Woody ejerciendo su posición privilegiada recuerda a los juguetes que, para no perderse en el proceso, no se olviden de elegir un compañero y de no separarse de él. El vaquero, por supuesto, parece dar por sentado que esta no será una necesidad para él. Su compañero es Andy como bien dice su bota. Al final de la película esta claro que sí que necesitaba uno y que, por supuesto, era Buzz.

También, aunque probablemente no estaban planeadas, una gran parte de estas anticipaciones se completaron en la segunda y tercera entrega y es bastante divertido verlas ahora. A la vez hay referencias a cosas pasadas como un plano al inicio de la película en el que podemos ver un libro llamado Tin Toy con Lasseter como nombre de autor.

Disney-Pixar© 1995

Toy Story fue nominada al Oscar por mejor guion original, dando esta visibilidad por primera vez a una película de animación. A estas alturas de entrada creo que he nombrado muchas veces estos premios y quiero dejar claro que no opino que sean una guía fidedigna. Lo relevante es ver con todo esto la impresionante escalada de Pixar y la relevancia de este primer largometraje CGI en la industria.

AUNQUE NO TODO ESTÁ BIEN: LOS PERSONAJES FEMENINOS

Llevo mucho rato cantando las bondades de Toy Story pero, por supuesto, también hay cosas que no me gustan. A la cabeza está el trato de sus personajes femeninos.

Bo Peep es el único de los juguetes femeninos con diálogo y ya desde el diseño tiene mucho que decirnos. Es más un adorno que un muñeco de verdad, de porcelana, frágil y su posición es la de interés romántico de Woody que tiende a disculparle todo.

Disney-Pixar© 1995

Es un muñeco de Andy, quizá a Andy no le gustaba ningún otro tipo de muñecas aunque juegue de manera muy específica a las damiselas en apuros, pero la ausencia de otros personajes con peso hace que no sirva como excusa. En especial si pensamos que al final de la película anuncian la aparición de la señora Potato y se asume, como un gag, que será instantáneamente el interés romántico del señor Potato.

Tampoco ayuda la degradación del ámbito del hogar en la cómica escena de Buzz con el delantal tomando el té. Ha caído lo más bajo posible, quiere representar. Y lo único que está haciendo es tener una agradable sesión de juego con Hannah, la hermana de Sid. Reconozco que esta es una parte de la película que a mí me hace gracia (sobre todo el pequeño chiste de humor negro de María Antonieta y su hermanita) pero la problemática es inherente.

El trato a las personas humanas es quizá más complejo y con decisiones tomadas intentando ahorrar en personajes y actores de doblaje. Aún así es destacable que, quitando que sé que tuvieron problemas con las licencias de juguetes que podían usar, Molly no tiene los suyos propios y eso es parte de lo que nos deja en la posición de partida que comentaba.

De hecho, si os metéis en la sección de Toy Story en la web de Pixar, podréis ver que en el diseño de personajes ni siquiera aparece la propia Bo.

CONCLUSIÓN

27 años después Toy Story sigue siendo una película magnífica, con muchas cosas que han sobrevivido al paso del tiempo y unas pocas que no lo han hecho tanto. Fue rompedora en lo técnico, cambiando el rumbo de la historia de la animación y lo acompañó todo con una historia sólida y un guion gracioso y bien montado que me parece excepcional.

Disney-Pixar© 1995

FUENTES

Pixar: Toy Story (consultada por última vez 26/02/2022)

Furniss, Maureen (2016). A New History of Animation. Thames&Hudson

Paik, Karen (2007) To Infinity and Beyond: The Story of Pixar Animation Studios. The Art Of Series. Chronicle Books

  • Dirección: John Lasseter
  • Historia: Lasseter, Docter, Stanton y Ranft
  • Guionistas: Whedon, Stanton, Cohen, Sokolow
  • Música: Randy Newman
  • Dirección artística: Ralph Eggleston
  • Edición: Gordon, Unkrich
  • Año: 1995
  • Género: Fantástico. Comedia. Aventuras
  • Duración: 80 min

Reseña: «Rayo Negro» (Ahmed y Ward)

¿QUÉ ES RAYO NEGRO?

En 2016 Marvel tenía a sus inhumanos y a sus mutantes entre las cabeceras Muerte de X e Inhumanos VS X-Men. Esta confrontación dio lugar en 2017 a un relanzamiento de las franquicias con varias cabeceras bajo el nombre ResurrXion y, como os podéis imaginar, entre ellas encontramos Rayo Negro. Pero que esto no os importe demasiado. No es necesario haber seguido la trama para entender este cómic aunque me imagino que, por supuesto, se podrá hilar mejor todo lo que ha pasado con un mayor conocimiento.

Son solo doce grapas compiladas en un tomo autoconclusivo.

Lo que nos va a contar es la historia de Blackagar Boltagon, el silencioso rey de los inhumanos, a partir de su despertar en prisión sin, de momento, más explicaciones para el lector.

¿CÓMO ES RAYO NEGRO?

Tiene un principio impresionante. Me gusta muchísimo. Con una narración de voz en off en tercera persona nos sumergimos de cabeza no tenemos ni idea de dónde. O por lo menos yo no tenía ni idea, claro. Solo sabía que era una cárcel, que algo malo había pasado y que un personaje normalmente investido de un gran poder se veía relativamente indefenso en una nueva y desconcertante situación.

Consiguió toda mi curiosidad y empezó a entregarme momentos muy emotivos, una gran exploración de los sentimientos de culpabilidad y una colección de metáforas y mensajes como poco curiosos. Así que ahí estaba yo, en la cresta de la ola, pensando que solo iba a ir a mejor cuando, de pronto, llegó la segunda parte y se desinfló.

Pero rebobinemos un poco, hacia el momento de esplendor de este cómic en el que todo eran posibilidades y me quedé embelesada.

Rayo Negro te presenta durante su primer arco una sólida metáfora sobre el crimen y el castigo. Busca explorar el significado de la palabra proporcional y los grises en cada persona. Cómo dependiendo de la situación vas a obtener un lado u otro de lo poliédricos que somos. Consigue dar personajes muy carismáticos si bien algunos de ellos demasiado estereotípicos, sin espacio para plantear más sobre ellos en un relato que dominan Boltagon y el Hombre Absorbente.

No se escapa a esta parte de la trama que el lugar habitual de nuestro protagonista es como rey imponiendo los castigos en vez de recibiéndolos. Su parte de culpa en un sistema mucho más que falible. No llega en este apartado a romper el molde y siempre encuentro ligeramente ridícula la excusa del rey es bueno pero hay cosas que no sabía aunque, para el número de páginas y el objetivo, queda bien.

También consigue el desarrollo de Boltagon más allá de su título. El gobernante de Attilan es famoso por las capacidades destructoras de su voz, tan extremas que le han llevado a sumirse en un silencio absoluto excepto en casos de necesidad.

Fuera del ambiente real, privado de su marca de identidad, puede de pronto recuperar su voz. Aprender a hablar y a expresar sus pensamientos y deseos. Aún así, claro, reconozco que es un poco simplista reducir determinadas capacidades comunicativas a la voz, a lo verbal.

Sea como sea, en lo que al cómic se refiere, igual que con su posición como rey este es otro tópico que aunque menos profundo si lo abres a debate en el ámbito del cómic funciona.

Otra cosa que destaca de este primer período es un gran trabajo en lo épico. Frases que se pegan (ese name your crimes! repent your crimes! es soberbio) y un uso interesantísimo de la tercera persona acompañan a un apartado gráfico excelente tanto en el dibujo, en la rotulación como, sobre todo, en el color.

Christian Ward se luce. Y los números, también bajo la batuta de los otros dos artistas implicados, Frazer Irving y Stephanie Hans, tienen una calidad inmensa. Es una explosión de pintura, de lo extravagante, de colores llamativos que vuelven escenas oscuras.

Estoy enamorada desde la portada, la forma en la que la sombra de las rejas en la cara simulan un bozal.

Y esa es otra. Mandíbulas. Hay algo en retratar la vida de una persona y su perro que puede hacer que un personaje automáticamente gane muchísimos puntos. Aquí se tomaron muy buenas decisiones.

Sin embargo, por supuesto, el drama carcelario termina y empieza otra cosa.

No puedo extenderme demasiado para no hacer spoilers y no sé muy bien qué decir. No es que se vuelva un cómic horrible ni mucho menos. Es, simplemente, que se vuelve un poco anodino. Entretenido pero inconsecuente, centrado en atar cabos de una manera un poco pesada y larga. Doce grapas se queda corto para un sector y sin embargo se vuelve demasiado para el otro.

Aún así el final me gustó mucho. Para ese punto estaba ya tan dentro de este mundillo que había cosas que quería ver y me daba igual todo lo demás. Ese deseo me lo cumplió y, pese a todo, terminé con muy buen sabor de boca.

¿PARA QUIÉN ES RAYO NEGRO?

Si estáis buscando una época cerrada con la que meteros a algún personaje, que no sea un compromiso demasiado grande, creo que este es un lugar excepcional. También para explorar un poco a los inhumanos es un buen punto.

Por lo demás es un gran cómic de metáforas, excelentes gráficos y explosiones de color con una trama que, aunque sea desigual, da para mucho.

Puntuación: 3.5 de 5.
  • Guionista: Saladin Ahmed
  • Artistas: Christian Ward
  • Frazer Irving
  • Stephanie Hans
  • Título original: Black Bolt
  • Publicación: 2017-2018
  • ISBN: 978-8491675327
  • Páginas: 288
  • Precio: 25,00€
  • Franquicia: MARVEL

Reseña: «Moriré besando a Simon Snow» (Rainbow Rowell)

¿QUÉ ES MORIRÉ BESANDO A SIMON SNOW?

En 2013 se publicaba Fangirl, una novela de Rainbow Rowell que seguía la historia de Cath y su amor por las novelas de Simon Snow mientras esperaba el lanzamiento del final de la saga. Dos años después, en 2015, veía la luz fuera del mundo ficticio bajo el nombre moriré besando a Simon Snow (o, en inglés, Carry On).

Aunque Fangirl fuese el germen de esta no es necesario leer una para entender la otra. Son historias diferentes, de géneros diferentes, y Simon Snow no rompe la cuarta pared. No es un libro dentro de un libro. Cuenta solo ese supuesto final de saga y dentro del mismo libro se nos da contexto para todo lo anterior. Yo de hecho no he leído Fangirl y no me llama nada.

¿Y de qué trata en concreto moriré besando a Simon Snow entonces?

Simon Snow es el mago más poderoso del mundo, tiene diecisiete años y es el Elegido, el único que puede salvar su mundo.

La verdad: Simon es el peor Elegido que nadie podría haber elegido.

Al menos eso es lo que dice Baz, su némesis. Y Baz será malvado y un vampiro y gilipollas, pero aquí tiene razón. La mayor parte del tiempo, Simon ni siquiera puede controlar su magia, ¿y tiene que salvar el mundo?

¿CÓMO ES MORIRÉ BESANDO A SIMON SNOW?

Esto va a en terminar en llamas.

Lo más importante que hay que saber antes de empezar a leer moriré besando a Simon Snow es que parodia Harry Potter. No es la única obra que bebe, es un juego de referencias constante que pasa desde el señor de los anillos a Crepúsculo con música de Queen, pero sí es la que más importa a la hora de definirlo.

De manera más específica el sentimiento que genera esta novela por estructura, personajes y ambientación es la de ser un fanfic de Harry Potter.

Ya mencioné esto antes hablando de Crepúsculo pero fanfics hay de todos los tipos y para todos. No hay un estilo definido. Lo que sí hay es un gusto bastante extendido por poner a personajes en escenas mucho más cotidianas, con menos acción y hacerles hablar, tener momentos familiares, miradas, dos personas y una sola cama…

Ese es el tipo de novela de la que estamos hablando.

Desde la primera persona, que no se ciñe a un solo personaje, Rowell nos lleva a una historia tragicómica. Navega genial el tropo del niño mago y se baña en sus desgracias desde un tono de humor con el que pone en perspectiva los elementos más contradictorios y problemáticos de la obra de Rowling.

Quiero destacar que la autora no pretende solucionar Harry Potter. Es más bien poner otra lente sobre cosas que ya sabemos. Además en el proceso se mete a sí misma en varios berenjenales también y, para mi gusto, termina con un relativismo moral que deja con mal sabor de boca. De nuevo, esto es una visión por completo personal, Rowell nunca dice esto es lo que está bien o lo que está mal, pero mi análisis es que intentando transgredir y cruzar algunas líneas patina.

Pero, como decía, en su esencia tiene una intención mucho menos épica y más casera. De lo que trata moriré besando a Simon Snow, como os podéis imaginar por el título, es de una historia de amor que sigue el planteamiento de enemigos a amantes y nos da dos protagonistas que quizá por separado no brillan tanto pero que juntos son una explosión.

Simon y Baz son dos estudiantes de una escuela de hechicería-que-no-es-Hogwarts y que serían un reflejo de Harry y Draco. Simon es de familia pobre, vive en hogares de acogida de gente no mágica, es un elegido con un control regular de sus poderes, está semi adoptado por un-señor-que-no-es-Dumbledore y comparte habitación durante el período escolar con Baz. Este por su parte es un vampiro, o no, su familia es rica y poderosa, él es mezquino y además un abusón.

Os cuento, es raro que yo entre a un juego de enemigos a amantes cuando uno de ellos es un bully. Sin embargo Simon y Baz me funcionan a la perfección. No sabría decir por qué. Quizá porque sabemos que ha realizado acciones horribles pero son del pasado y no le vemos hacerlas en su mayoría, quizá porque sus capítulos me parecen soberbios o por la manera en la que se enfrenta a sí mismo. Pero compro lo que me da Rowell.

Si sois lectores de fics estaréis habituados al sistema de etiquetas y los tropos más famosos de los cuales ya he mencionado varios. Hay muchos y más o menos todos funcionan bien aunque hay uno con el que tengo una pequeña queja.

Y es que la siguiente que hay que destacar es que esto es un slow burn o, en otras palabras, proceso leeeeento hasta que terminan juntos. Quizá no es culpa de la autora y es que esto me suele funcionar mucho mejor en fics que en novelas pero el principio de moriré besando a Simon Snow me parece demasiado lento.

Lo único a parte de esto que he leído de Rowell son un par de capítulos de su etapa en el cómic The Runnaways pero su estilo parece el de poner todo el peso en crear grandes anticipaciones. La novela no te sorprende y lo que estás viviendo es un aumento de la carga que genera expectativas de cara a su explosión. Baz tarda mucho, demasiado, en salir. Y a partir de cierto punto la carga acumulada en Simon se me hace repetitiva.

La presentación de Baz, sin embargo, hace que merezca la pena haber aguantado.

Por otro lado esta es, como os podéis imaginar, una novela con más personajes. La verdad es que para mí ningún otro destaca. Con algunos, si hablásemos de spoilers, podríamos entrar en una larga conversación sobre el planteamiento moral y social de moriré besando a Simon Snow pero por sí mismos no son gran cosa. Demasiado estereotipados para eso. Pero claro, esa es la gracia.

Sin embargo hay otro personaje que sí me llamó la atención en un sentido negativo. Cuando empieza la novela Simon tiene una novia, Agatha, que parece romper la burla simpática del tópico para pasar a ser ridiculizada. No me gusta, no me divierte y creo que es el momento en el que mi sentido del humor choca con el de Rowell.

También quiero hablar un poco de la construcción del mundo. Al margen de los paralelos no tiene mucho destacable, sucede también en Inglaterra, no sabemos una barbaridad de la nueva versión de Hogwarts y está bien, es lo que busca. Lo que sí es diferente y me encanta es el sistema mágico. Los hechizos surgen del poder que le damos al lenguaje y los protagonistas tienen que buscar canciones, poemas o frases hechas para aplicar a las situaciones en las que se encuentran.

No es novedoso pero se siente como la broma máxima del mundo de referencias que plantea. Además destacar, con la historia que cuenta, que el nombre que le damos a las cosas importa es una buena guinda al pastel.

La broma cruel es que Simon huele como el humo

Para terminar quiero hablar un poco de la edición. Yo lo he leído en inglés así que no puedo comentar la traducción pero sí quiero entrar en las portadas. La versión española utiliza la portada de 2015 y a mí no me gusta nada. No la ilustración, que me parece bastante interesante, si no la elección a la hora de poner el título y el nombre de la autora. En general no me gusta cuando ponen el nombre del libro más pequeño que el del escritor pero en esta entre el color, la posición y la recomendación de Green me molesta.

En inglés se publicó en 2017 otra portada que, aunque también destaca el nombre de la autora tiene un tamaño y composición que me resultan mucho más armoniosos. La ilustración de Kevin Wada, que es con la que empieza esta reseña, es una delicia.

Parece que la continuación, Rebelde, ha sido publicada siguiendo esta otra línea.

¿PARA QUIÉN ES MORIRÉ BESANDO A SIMON SNOW?

Creo que este libro solo os va a gustar si disfrutáis analizando qué funciona mal en otras obras y por qué eso puede ser gracioso y el fanfiction. Sea como sea es un buen romance adolescente y ya solo con eso puede atraeros.

Puntuación: 4 de 5.
  • Autora: Rainbow Rowell
  • Título original: Carry On
  • Año de publicación original: 2015
  • Editorial: Alfaguara
  • Páginas: 544
  • Saga: Simon Snow 1/3
  • Género: fantasía/paranormal/romance
  • ISBN: 978-8420483948
  • Precio: 17’95€

Reseña: «La búsqueda del asesino» (Robin Hobb)

  • Autora: Robin Hobb
  • Título: Assassin’s Quest
  • Editorial: DeBolsillo
  • Fecha de publicación original: 1997
  • Precio: 12’95€
  • Páginas: 832
  • ISBN: 978-8490623022
  • Traducción: Manuel de los Reyes
  • Colección: trilogía del Vatídico (3/3)
  • Género: fantasía épica

Como siempre con las sagas recordad que es imposible que no haya spoilers de las entregas anteriores.

¿QUÉ ES LA BÚSQUEDA DEL ASESINO?

La tercera y última entrega de la saga del Vatídico, trilogía con la que comienza el universo The Realm of the Elderlings y por tanto continuación de la historia de Traspié Hidalgo.

El rey Artimañas ha muerto a manos de su hijo Regio, al igual que Traspié… O al menos eso creen amigos y enemigos por igual. Pero con la ayuda de sus aliados y de la magia de las bestias emerge de la tumba, profundamente herido en cuerpo y alma. También el reino se tambalea al borde del desastre: Regio ha saqueado y abandonado la capital, en tanto el legítimo heredero, el príncipe Veraz, continúa perdido en una disparatada búsqueda que podría depararle la muerte. Sólo su regreso, o el heredero que lleva la princesa en su vientre, pueden salvar los Seis Ducados.

¿CÓMO ES LA BÚSQUEDA DEL ASESINO?

Aviso: Como mi edición es inglés las frases que he destacado las he traducido yo. Estoy segura de que Manuel de los Reyes lo hizo mucho mejor.

Para llegar aquí hemos leído dos libros que ponían la vida de Fitz siempre en un patrón constante. Todo empieza con algo dramático que da paso a un sentimiento de normalidad dentro de la tragedia y que siempre termina rompiéndose. Así crea un efecto de bola de nieve que desemboca en unas últimas cien páginas de vértigo en las que la autora te quita la venda de los ojos y te dice nada puede ser normal después de eso y nada era normal antes. Simplemente seguimos viviendo.

El paso entre asesino real y la búsqueda del asesino supone la ruptura más absoluta que se puede hacer con el status quo y, habiendo visto el patrón antes y cómo pudo saltarlo del primer al segundo libro, tenía mucha curiosidad por saber si aquí haría algo parecido.

La respuesta es no. La estructura de este volumen de tamaño considerable (832 páginas) es diferente a todo lo anterior y lleva a Traspié al siguiente paso en su relación con su familia, amigos y poderes.

O quizá no es tan diferente.

Si Veraz Vatídico vive, es el verdadero rey de los Seis Ducados.

Veréis, habar de la búsqueda del asesino es hacer una lista de opuestos o de casi opuestos. Es un libro lento en el que siempre están pasando muchas cosas. A veces parece que no tiene mucha acción y es lo que le da el tono pausado pero tiene acción a raudales. La historia se centra más que nunca en Traspié pero este es el colofón a una saga que demuestra que Traspié no puede ser el protagonista de la acción que genera. No salen mucho otros personajes pero hay muchos personajes nuevos y sabemos qué pasa con todos los anteriores.

Y, para mí, el opuesto definitivo: su definición es todo lo que no me gusta en un libro pero he amado cada página.

Pescar y arrascar orejas. Los dos motivos por los que a los humanos se les dieron manos.

Es cierto que me ha gustado menos que asesino real y que tengo algunas quejas pero es un cierre magnífico para una trilogía maravillosa. Robin Hobb ha conseguido algo que no me suele pasar y es dejarme satisfecha con las últimas páginas. Creo que en eso es en lo que resulta más difícil comprarme como lectora.

Hay tantas cosas que decir de esta novela que los pensamientos se me acumulan en la cabeza, es difícil dejarlos salir y darle orden a esta reseña. Qué obra tan compleja detrás de una apariencia sencilla y clásica. Qué de sorpresas y de momentos icónicos.

Hablando de asesino real comentaba que sé que mucha gente nunca llega a querer a Traspié como personaje pero disfrutaban todo lo demás. Creo que para los lectores que avanzasen con ese sentimiento esta puede ser una novela muy frustrante. Vaya, yo adoro al chico y aún así he sentido fuertes deseos de zarandearle cada segundo de lectura en un camino que solo ha sido cada vez peor. Pero en esto veo una parte fundamental del genio de Hobb.

Una vez que has envenenado a un hombre de paso puedes robarle, reflexioné.

Traspié evoluciona y mucho pero sigue siendo siempre Traspié. A mí me irrita bastante cuando en un libro un personaje que creías que había cambiado de pronto vuelve a hacer alguna de sus acciones típicas del principio como si eso fuese un giro. Traspié es así todo el rato pero con una lógica interna brillante. Al final todo se reduce a que esta autora hace que muchas cosas no me molesten y es maravillosa, lo sé. Pero es así.

Si fuera posible perder la conciencia cuando se está dormido, creo que me habría pasado.

Creo que tiene mucho que ver con los personajes secundarios y la forma en la que todos perciben al protagonista en contra de sus propios pensamientos y narración en primera persona. Además parte de la fidelidad y carisma de Ojos de Noche se pegan y cada vez que la frase somos manada aparece no podía evitar sentirme de verdad parte de ese equipo.

Ay, Ojos de Noche. Qué personajazo. Esta última entrega ha sido menos graciosa que la anterior, el tono no era el mismo, pero sus escenas y las del Bufón tienen momentos de pura carcajada. Entre tantísima tensión se agradece mucho.

La búsqueda del asesino es un título perfecto para esta novela. Primero porque es una narrativa de viaje (el grueso del libro trata de Traspié intentando llegar a destino, aunque ese destino cambia) y segundo porque la sensación de búsqueda metafórica es siempre inmensa.

Esta es una saga sobre familia. Familia de sangre y encontrada, ambos términos en poca paz y con mucho dolor. La de sangre es la fuente de casi todos los problemas de Traspié y la encontrada es a la que descuida y malinterpreta para poder mantener su relación con la primera y de paso su cordura. En esta dicotomía destacan muchísimo los personajes anteriores y tiene algunos momentos tan emotivos que me hacen un nudo en la garganta en cuanto los recuerdo.

Querrías que me entregase a mi rey y que sacrificase todo lo demás por él, como hiciste tú.

Pero la familia de sangre no se queda corta. Veraz y Chade son de lo mejor desde la primera y las tensiones que destapa esta novela me han destrozado el corazón. Este libro es una de esas pruebas sobre que un personaje no necesita salir mucho para ser un favorito de los fans. Además la trama cierra un círculo, no puedo decir cual, que es la vuelta de tuerca última y un elemento soberbio.

Nuestro protagonista intenta siempre encontrar su lugar entre ambas y en esta novela, como es habitual, vamos a verle fallar constantemente, a sentirse incómodo y a seguir sin entenderse a sí mismo. De una adolescencia en la que cada vez confiaba más en sus habilidades pasamos a un Traspié sin los mismos recursos, que lleva las cicatrices y heridas como un mapa en la piel y que está más perdido que nunca.

Estaba bastante cansado de que me golpeasen, pero parecía la única cosa que se me daba bien últimamente.

Para complicarlo aún más esta entrega tiene personajes nuevos que van a chocar de manera frontal con las concepciones de Traspié. La que más destaca es Starling y tengo muchas ganas de que conozcáis a ese personaje. No porque me guste, de hecho creo que Robin Hobb tiene un serio problema con las mujeres que se lanzan al cuello de Traspié, si no porque las decisiones que toma y sus repercusiones crean algunos de los mejores momentos de la saga.

Y entrando en este tema, por supuesto, hay que hablar de las mujeres. Paciencia no sale apenas pero lo que sabemos que está pasando en su vida es la guinda del pastel de un personaje perfecto. Dentro de unos años, cuando haya ido olvidando mucho de la búsqueda del asesino, sé que a ella la voy a recordar al dedillo. La manera en la que trata esta autora la posición entre bambalinas de sus personajes femeninos en el falso medievo es una de sus características más llamativas.

Por contra está Molly. Que si bien entiendo la importancia y el papel sigue sin parecerme a la altura de la construcción del resto de personajes. Además toma una decisión con ella que, aunque de nuevo me parece comprensible en las circunstancias, me hizo sentir incómoda.

En el terreno de los enemigos tenemos un Regio que es uno de los seres más odiosos de la épica. Normalmente aprecio a los malos inteligentes de planes elaborados y muchos claroscuros pero también tengo un espacio para este tipo de personajes retorcidos e ineptos. Este tipo de personas existen, es cierto que llegan al poder (bastante a menudo, de hecho) y aprecio la manera en la que Hobb distingue la moralidad entre diferentes acciones objetivamente malas.

Aún así reconozco que en el paso de la anterior novela a esta un poco del misticismo de la Habilidad se ha perdido y vais a encontrar que las reglas mágicas que enfrentan a Traspié con el resto de sus enemigos se vuelven un poco aleatorias y convenientes.

En cualquier caso, por encima de todo, cuando hablamos de personajes en la búsqueda del asesino hablamos de una serie de personas con el potencial de adorarse pero que se sienten heridas y solas y no saben cómo tratarse entre ellas. Y esto sirve también para las rivalidades y los odios y sirve bien.

Siento lástima por vosotros una vez que la vieja alcance la manada. Tiene un palo.

Con esto quería cerrar el hablar de personajes aunque queden varios en el candelero como Burrich, que tiene algún momento emotivo precioso pero en los que no quiero entrar para evitar spoilers. Pero no puedo resistirme a volver a Ojos de Noche y el Bufón.

Ojos de Noche me ha hecho llorar de emoción. Un sentimiento parecido al de cuando Heidi se reencuentra con el abuelito. Puro amor, pura belleza. Mi tropo favorito es el de familia encontrada y con este personaje me encontré buscando en Google la esperanza de vida de los lobos.

Y el Bufón, esa exploración del género y la lealtad. Madre mía. Algunas cosas podrían haber sido mejores quizá, esto se publicó en el 97, pero esta mujer es una pionera, una creadora de caminos y una creadora de personajes memorables. Este personaje nada entre lo más épico y una fragilidad y ternura que nunca me parecen despectivas. Una creación de base muy Shakespeariana que nunca abandona su extrañeza incluso cuando se nos explica más sobre él. No tiene ninguna aparición por debajo de sobresaliente.

—(…)Veo que no me queda otra opción.

—¿Les verás entonces? (…)

—Por supuesto que no. Me refiero a que voy a mentirles.

Ahora sí, paso al final.

Os vais a encontrar un final anticlimático. Esto es así. Todo parece pasar muy rápido aunque a la vez sea muy lento, los sacrificios son extraños, las explicaciones confusas y para mí no muy satisfactorias. Si en la anterior ya me había enganchado al misterio en este el misterio me dejó durante los primeros segundos decepcionada.

Cuando me repuse y tomé algo de distancia de la obra lo entendí mejor. No el concepto, no es algo profundo o elaborado que requiera darle vueltas, si no el juego. Al final me he sentido satisfecha sobre todo por la manera en la que lo ata con las últimas páginas, la rueda en la que se convierte. Como os decía arriba los finales de saga es el momento en el que suelo defraudarme pero en este Hobb consiguió ganarme.

Y repito, las escenas finales son una obra maestra.

Puntuación: 5 de 5.

Entradas anteriores de la trilogía Vatídico:

Aprendiz de asesino (Robin Hobb) Trilogía del Vatídico 1/3

Asesino real (Robin Hobb) Trilogía del Vatídico 2/3