Reseña: Frankenstein (Junji Ito)

  • Autor: Junji Ito
  • Fecha de publicación original: 1994
  • Editorial: ECC
  • Traducción: Noemí Cuevas Rebollo
  • Precio: 16,95 €
  • Páginas: 192
  • ISBN: 978-84-18293-91-7

No soy una experta en Junji Ito ni mucho menos, pero he leído lo suficiente del autor como para que ver una adaptación suya de Fankenstein me despertase una curiosidad inmensa. Su estilo de dibujo, manejo del tiempo narrativo y don para lo inquietante le daban para mí un punto de partida perfecto para adentrarse en el mundo de Shelley.

No me ha decepcionado.

Como adaptación es muy fiel. Es muy curioso porque, a pesar de ello, el conjunto se percibe con un significado con matices diferentes. Si la novela original centra su mensaje en los límites de la ciencia, la obsesión, la maternidad y cómo la sociedad nos moldea según lo que percibe de nosotros, en la versión de Ito la balanza se inclina ligeramente hacia una historia sobre cómo ciertos conocimientos y situaciones quedan asociados a las malas acciones.

Los personajes con menos conocimientos, como Elizabeth o su hermano William, obran siempre con virtud. Pero aquellos que se cruzan con la criatura, instantáneamente, cambian el curso de sus acciones. No voy a hacer spoilers pero todo esto se basa en el único cambio algo más sustancial que el autor japonés propone y que se enmarca ya en la tanda final del cómic.

En el apartado artístico también saca una gran nota. En una adaptación de Frankenstein la imagen del monstruo siempre va a ser fundamental e Ito se luce.

Su diseño está cargado de líneas, las cicatrices y las vendas, que consigue que parezcan dolorosas. Por muy inquietante y desagradable que sea, por muchas cosas malas que haga, gracias a ese sufrimiento evidente consigue a la vez darle la empatía necesaria que necesita para funcionar.

Si esta sensación de sufrimiento perpetuo es lo que más le humaniza por el otro lado tenemos lo que visualmente más lo convierte en un monstruo. Tiene, por ejemplo, el juego de tamaños, en el que Ito se sostiene para ridiculizar la idea de que Victor pueda ser un dios por el hecho de haber creado vida. Los ojos, siempre cubiertos por una sustancia que parece algo gelatinosa, son quizá el aspecto más original y desde luego el menos humano. Es el detalle que la convierte en una criatura que parece sacada de una pesadilla del protagonista.

En la parte negativa está la edición. No ha influido mi nota pero aún así quería hablar de este tema. Si bien la traducción me ha gustado y el tamaño y formato son muy cómodos de leer, no veo como recomendar que os gastéis 16,95 € en un manga de 192 páginas.

No tengo ni la más remota idea de cuánto cuesta imprimir, de cuánto necesitan conseguir en ventas para compensar el coste de las licencias ni conozco de primera mano el trabajo editorial. Lo que sé es que este mismo cómic (asumo que en una edición con un tamaño ligeramente inferior) costaba, hace solo cuatro años, diez euros menos. Publicado por la misma editorial.

En resumen, no sé si es un precio justo o no para ellos, ni entiendo qué ha pasado en este período de tiempo. Lo que sé es que para la mayor parte de lectores que conozco es un coste inasumible.

Si tenéis el dinero o si podéis sacarlo de la biblioteca (como en mi caso) y tenéis ganas de un buen cómic de terror o de una gran adaptación de Frankenstein os lo recomiendo mucho. Si no ya es más difícil decir que os lancéis a por él.

Puntuación: 4 de 5.

«El Hechicero» de la cueva de Trois-Frères

  • Prehistoria
  • Arte rupestre
  • Cueva de Trois-Frères
  • Período: Paleolítico superior. Magdaleniense.
  • Cronología: 16.000/10.000BP

Como os podéis imaginar la imagen superior corresponde a un calco, obra de H. Breuil. Creo que la imagen de abajo, aunque parece tener la cabeza en una posición diferente, es la original. Desde luego es la que aparece en la página web del conjunto de cuevas donde se encuentra. Lamentablemente la calidad de las imágenes es baja, pasan en un carrusel con etiquetas escuetas y la información es escasa.

Aún así he encontrado en una web llamada la brújula verde que, al parecer, existe un debate sobre la exactitud del calco de Breuil.

El hechicero o chamán danzante es una figura de arte rupestre que se encontró en Francia, en la región de Ariège (Occitania). La zona, conocida como las cavernas de Volp, tiene tres grutas y esta imagen apareció en la llamada Trois-Frères en honor a los tres hermanos, hijos del conde Bégouën, que la descubrieron.

Es un espacio de acceso complicado, a más de 400m de la entrada, y el hechicero aparece a 3m de altura por encima del resto de figuras. Aunque quizá no se aprecia en la foto de la cueva, la imagen, además de tener tinta negra, estaba tallada sobre la roca (de ahí que pueda hacerse un calco tan nítido).

Este híbrido es una mezcla bastante curiosa. Representa una figura antropomorfa en elementos como las manos y los pies, zona trasera de oso, cola de caballo, orejas y cuernos de ciervo, barba de bisonte y ojos de búho según nos detallan en la web de Ekain. Destaca el realismo que exhiben todos los componentes, tanto humanos como animales, que la conforman. Es una representación muy cohesionada. También es, sin duda, muy llamativa la pose y la sensación de movimiento.

Como en más o menos todo lo que atañe a la prehistoria no hay un consenso absoluto sobre su significado e intencionalidad. Se ha teorizado que fuesen personas disfrazadas, chamanes en trance, el producto de una alucinación o dioses de los animales.

Por su ubicación en la cueva, mencionada más arriba, sabemos que probablemente no se encontraba en un área donde se realizasen actividades cotidianas. Esto se interpreta por lo tanto como un lugar, quizá, sacralizado, subrayando la importancia del arte que representaban dentro.

Aunque también hay alguna muestra de estos híbridos antropomorfos en el arte rupestre en la Península Ibérica (como el espectacular hombre bisonte de la cueva de El Castillo) son típicos, sobre todo, de Francia. De hecho este ni siquiera es el único ejemplo de este tipo de representación en la misma cueva, que tiene también un hombre bisonte. No quiero decir con esto ni mucho menos que sea un tipo de figuración común. De hecho según las estimaciones del historiador Leroi-Gourhan los híbridos, seres fantásticos, aves y peces todos juntos no llegarían ni a un 1% del total de las representaciones que conservamos.

Como diseño es bastante único y peculiar pero, a la vez, es bastante obvio que hemos seguido utilizando este tipo de imágenes híbridas para crear a personajes (también deidades) con una conexión especial con el mundo natural. La barba, que el Ekain aclara es de bisonte, es uno de los símbolos de sabiduría más típicos hoy en día. Significase lo que significase entonces sabemos que, por ejemplo, son elementos de los magos de el señor de los anillos. Estos seres sabios tienen todos, de una manera o de otra, una conexión especial con la naturaleza.

Los elementos como la cornamenta son también clásicos en la representación de druidas. Por ejemplo, en este link podéis ver uno de los diseños de la tercera edición de dungeons and dragons.

En resumen, aunque al final del día no podemos tener más que conjeturas sobre su significado original, sí que podemos apreciar cómo hemos ido evolucionando sin desviarnos tanto de la representación de la magia que aúna naturaleza y humanos.

FUENTES

  • Viñas‐Vallverdú, Ramón & Martinez, Roberto. (2001). Imágenes antropo-zoomorfas del postpaleolítico castellonense. Quaderns de prehistòria i arqueologia de Castelló, ISSN 1137-0793, Nº. 22, 2001, pags. 365-392.
  • Cavernes du Volp
  • Ekain
  • Menéndez, M., Más, M. y Mingo, A. 2009: El Arte en la Prehistoria. UNED. Madrid.

Reseña: Last Quarter (Ai Yazawa)

  • Autora: Ai Yazawa
  • Título original: Kagen no Tsuki
  • Fecha de publicación original: 1998-199
  • Editorial: Planeta Cómic
  • Traducción: Daruma
  • Precio: 16’95€
  • Páginas: 536
  • ISBN: 978-84-9146-998-8

¿QUÉ ES LAST QUARTER?

Ai Yazawa es una de las pocas razones por las que encuentro limitante haber elegido para el blog las temáticas de fantasía, ciencia ficción y terror. Aquí solo puedo hablaros de Last Quarter, también conocida como Kagen no Tsuki (下弦の月), un manga de tres tomos que Planeta compiló hace unos años en la edición que podéis ver en la imagen. Tuvo también una adaptación cinematográfica (popular en parte porque Hyde, un cantante muy famoso, hacía uno de los papeles principales y una canción) y una novela a cargo de Kanae Shimokawa.

Además Isophilia (os dejo aquí su blog también) me descubrió que Tetsu, compañero de Hyde en L’Arc~en~Ciel, es un gran fan y se inspiró en la historia para su canción tightrope

La historia sigue a la pequeña Hotaru y a sus amigos mientras emprenden la búsqueda de una enigmática figura, una adolescente que la niña vio en un sueño después de ser atropellada mientras buscaba a su gato.

¿CÓMO ES LAST QUARTER?

Esta autora se caracteriza por sus historias de romances complicados, figurines, ambiente urbano, inclinaciones artísticas, un tono tragicómico, tramas agridulces y el gusto por la moda alternativa japonesa. Last Quarter, aunque entrando en el terreno de la fantasía sobrenatural, cumple con todas las particularidades de su obra. En mi opinión lo que más destaca a este trabajo frente a otros de sus cómics es el ambiente onírico y el que, debido a ello y pese a usar protagonistas más pequeños de lo que suele, le imprime un cierto sentido poético.

Si no habéis leído nada de Yazawa os diré que en el conjunto de su obra, por el tipo de historias que le gustan, es más llamativo de lo que pueda parecer. En mi opinión acertó de plano haciendo la división entre el mundo de los niños y el de los adolescentes, dejando claros los paralelismos y, a la vez, utilizándolos para dar un toque de esperanza y de cambio que es muy necesario en esta narrativa.

Last Quarter habla, por encima de todo, de las cosas que no somos capaces de dejar marchar. De la manera en la que nos aferramos a momentos de nuestra vida y de cómo nos definen y pueden llegar a controlarnos. También, y de manera inseparable, de la pérdida y de la soledad, de la amistad y la traición y de cómo cosas similares podemos abordarlas de maneras muy diferentes según nuestra posición.

Cada vez que la he leído, desde que era adolescente hasta ahora, le he visto matices nuevos y la he percibido de una manera diferente. Todas me ha tocado la fibra sensible y me ha dejado pensativa después de la lectura.

Quiero destacar también la utilización de la música como conductora del misterio. La sinestesia es el nombre que se le da al proceso por el que algunas personas pueden asociar, por ejemplo, colores a algunos sonidos o, en este caso, sonidos a imágenes. Si nunca habéis tenido estas sensaciones os aseguro que con este cómic pasa. No es algo claro y definido si no una sensación de saber lo que está sonando que guía además este particular mundo onírico que comentaba más arriba.

El gusto por la moda alternativa japonesa de Yazawa hace mucho por estas percepciones y cierra un círculo perfecto de guiños al ambiente general del momento en que se publicó.

Con el símbolo de la luna llena y un anillo, que se repiten de manera constante, la autora presenta la metáfora de los círculos que se cierran y de las cosas cíclicas. Ambos son recursos sencillos y bien utilizados. Una de las facetas de este uroboros es cómo el maltrato llama a más maltrato y lo difícil que es romper con una pauta en tus relaciones. Cómo, de generación en generación, creemos aprender lo que merecemos y lo complicado que es romper con ese ciclo.

Para terminar os hablaré un poco sobre la edición. Esta nueva compilación, aunque el lomo sufre un poco, merece muchísimo la pena. Si veis los anteriores son muy baratos pero el papel es un horror y además en la compilación os ahorráis unos eurillos. La traducción creo que no ha cambiado pero en cualquier caso es cómoda, no recuerdo frases extrañas y se entiende todo muy bien.

¿PARA QUIÉN ES LAST QUARTER?

Fans de los misterios sobrenaturales o de los romances complicados y dañinos. La historia toca sentimientos muy turbulentos y, aunque me imagino que puede ser un detonante para los problemas de algunas personas, también creo que es una de estas obras que te ayuda a ver con perspectiva tus sentimientos.

Lo que es (casi) seguro es que, si os gusta Yazawa, la vais a disfrutar.

Puntuación: 5 de 5.

El hombre león de Hohlenstein-Stadel

  • Prehistoria
  • Arte mueble
  • Período: Paleolítico superior. Auriñaciense
  • Cronología: 40.000/35.000BP
  • Soporte: marfil
  • Técnica: tallado

Que yo sepa el hombre león de Hohlenstein-Stadel es la representación de un ser imaginario más antigua que conservamos. Aunque solo tenemos teorías sobre las simbologías prehistóricas es obvio que se trata de una escultura con cuerpo humanoide y una cabeza de león, algo que no existe ni ha existido.

Con una altura de 31’1cm, esta figurita fue tallada de un colmillo de mamut con un extremo hueco, el lado en el que se hicieron las piernas y uno de los motivos por los que debieron hacerse separadas. El resto, con los brazos pegados al cuerpo y la posición estática, corresponderían al resto de la forma del colmillo.

Según la web del museo que lo alberga (el Ulmer, en una ciudad alemana llamada Ulm) el lado izquierdo parece haber sido tallado con un mayor cuidado y se pueden distinguir en él algunas incisiones decorativas como, por ejemplo, sobre la oreja.

En caso de que os estéis preguntando si es un león o una leona ante la falta de melena os diré dos cosas. La primera es que representa a un león de las cavernas, que no tenían esas cabelleras, y, la segunda que es un tema del que se ha debatido bastante y cuyas principales teorías han ido cambiando a lo largo del tiempo. Ahora mismo la más aceptada es que, basándose en la placa triangular entre las piernas, falte una pieza de representación fálica. Por otro lado, como decía al principio, quién sabe qué pensaban en la prehistoria sobre todo esto.

Si os habéis fijado en la pequeña ficha que encabeza la entrada habréis visto que la datación ocupa un período muy amplio, del 40.000 al 35.000 BP. BP o AP son siglas para before present/antes del presente, la medida de tiempo que se usó para homogeneizar entre los calendarios las dataciones por radiocarbono. Para el calendario gregoriano marca el año 1950 d.C. Así quedaría, por ejemplo, que esta podría ser una pieza realizada 40.000 años antes de 1950. Hay bastante más a este tema, pero no es el tópico de la entrada y no voy a entretenerme más en esto.

Lo importante es que es difícil llegar con exactitud a saber la fecha de fabricación y hay un abanico amplísimo. Para el león obtenemos este estimado, de nuevo según el Ulmer, de que esa es la longevidad de la capa en la que se hallaron los restos en conjunto.

Observando la foto queda bastante claro el estado fragmentado de la figura. Cuando Otto Völzing y Robert Wetzel la encontraron el 25 de agosto de 1939 era simplemente un grupo de pedazos del que no podía sospecharse la figura que escondían. El inicio de la segunda guerra mundial apenas unos días después paralizaría la investigación, quedando los restos del león en una colección de cajas de cartón en espera de tiempos más calmados.

Su momento llega en 1969 cuando Joachim Hahn, encargado de hacer inventario de la colección, se ve alertado por las marcas de tallado en las piezas de marfil y comienza el rompecabezas con unos amigos.

Desde ese momento en adelante la búsqueda, recuperación y reordenación han seguido avanzando hasta que de la mano de Nicole Ebinger-Rist, en 2013, llegó la versión que podemos observar en la actualidad, compuesta de casi 300 fragmentos.

En el apartado simbólico, aunque no podemos saber nada seguro, sí que podemos aventurar algunas cosas. Para empezar el hombre león estaba situado en un área de la cueva de Stadel similar a una cámara y acompañado de otros objetos notables. En el conjunto se observan, además, otras piezas que podrían corresponder a híbridos pero el estado de conservación pone difícil saberlo. Por ubicación, la cueva en la que fue encontrada no era un buen sitio para vivir y podría representar más un lugar de reunión ocasional, indicado por lo tanto, quizá, como sitio de culto.

Desde luego según las categorías de clasificación del arte mueble de Leroi-Gourhan, un famoso especialista en prehistoria y antropología, esta sería parte de los objetos religiosos.

Fuese cual fuese su uso asumimos que debió tener cierto valor social aunque solo sea porque intentar replicarla, en un experimento llamado hombre león 2.0, resultó ser un trabajo que llevó 360 horas. El vídeo está en alemán con subtítulos en inglés:

Este tipo de representaciones, seres híbridos mitad animal, mitad humano, reciben el nombre de teriántropos. La variante león/felino humanoide es, con diferencia, una de las más comunes y ha plagado la historia de la humanidad desde las religiones a los mundos de fantasía con gran popularidad.

A diferencia de otras entradas de la sección hacia la ficción contemporánea donde primero hago una explicación y luego lo comparo a lo que tenemos hoy en día, esta vez os voy a dejar con la lista de TV Tropes, muy completa aunque en inglés, de este tipo de seres en diversos medios. El motivo principal es que, aunque sea un tema al que hemos vuelto millones de veces, me resulta imposible trazar cuál sería la influencia concreta de esta figura. Que la idea de los teriántropos nos ha acompañado desde entonces y con ella también la imaginación de lo fantástico es a lo único a lo que puedo aspirar con esta entrada.

Aunque la mayor parte de la información está en alemán os recomiendo encarecidamente que echéis un ojo a la web del museo Ulm, que tiene bastantes fotografías y es fascinante.

FUENTES

Reseña: entrevista con el vampiro (Anne Rice)

  • Autor: Anne Rice
  • Editorial: B de Bolsillo (ediciones B)
  • Fecha de publicación original: 1976
  • Precio: 9’95€
  • Páginas: 384
  • ISBN:  978-8490707838
  • Traducción: Marcelo Covian Fasce
  • Colección: Crónicas vampíricas (1/12)

No te enamores tanto de la noche como para perder tu camino.

El cinco de mayo de 1976 se publicaba el libro que cambiaría el panorama de la ficción vampírica para siempre: entrevista con el vampiro.

No es que ofreciese algo completamente novedoso, por ejemplo un par de años antes ya se había empezado a publicar en el otro extremo del mundo el clan de los Poe, de Moto Hagio, pero Rice fue quien se hizo con el trono de la fama internacional y pavimentó el camino de la nueva ficción gótica escrita por mujeres.

Si buscáis una lista de novelas de vampiros podréis observar que su publicación se divide en dos corrientes. Una es cuando se pone de moda utilizarlos como criaturas salvajes y la otra el prototipo de noble adinerado sin escrúpulos que popularizó Polidori. Anne Rice optó por esta última y perfeccionó los matices y giros que hoy encontramos más a menudo en el género.

La piedra angular pretendía ser Louis de Pointe du Lac, un vampiro obsesionado con la búsqueda de dios y el seguimiento de una vida moral. Aquí uno de los trazos de maestría de Rice fue no delimitar al personaje por lo que un humano consideraría bueno, si no medirle con unos estándares aplicables a lo sobrenatural. Louis no es una persona más intentando ser bondadosa, es una criatura de muchos años con una concepción del mundo formada a través de unas experiencias diferentes.

La gente que deja de creer en Dios o en la bondad sigue creyendo en el mal.

Sin embargo, aunque Louis es muy llamativo por sí solo, las dos estrellas de la historia resultaron ser los secundarios.

Por un lado está el famosísimo Lestat de Lincourt. No solo es el favorito de los fans, también de la autora, que de hecho después de esta novela centraría todos los libros de las crónicas en él. Es uno de esos personajes que, aunque puedes definir, siempre vas a quedarte corta. Es histriónico, dramático, aterrador, en ocasiones tira hacia el patetismo y siempre está rodeado de un aura carismática y misteriosa. Su brújula moral parece haber sido alterada por elementos aún ajenos a la historia en esta primera novela y la manera en la que navega el vampirismo resulta magnética para el lector.

Su relación con Louis ha hecho correr ríos de tinta en los que no voy a ahondar de momento por no hacer spoilers. Baste decir por ahora que nunca funcionan tan bien como cuando aparecen juntos y que el lector llega a percibir muchas cosas que el narrador no parece capaz de ver. Esto otorga a la novela, que es autoconclusiva aunque las crónicas sean larguísimas, la sensación constante de que te falta algo. Y lo digo en un buen sentido.

Ser un vampiro para él significaba venganza. Venganza contra la propia vida.

Por otro está Claudia. En 1972, cuatro años antes de que apareciese la novela, la hija de la autora fallecía de leucemia con solo cinco años. Todo en entrevista con el vampiro gira en torno a esta desoladora experiencia y a la educación cristiana que había recibido Rice, pero nada lo hace tanto como el personaje de la niña inmortal. No es la primera pequeña vampírica de la historia, de hecho la propia Moto Hagio antes mencionada creó un personaje muy similar, pero sí es, en mi opinión, la más interesante.

Cuando hablamos de personajes infantiles en literatura casi todo está guiado por la idea de Alicia y de Peter Pan. Claudia les hace de contrapunto oscuro. Si las historias antes mencionadas tratan el paso a la edad adulta, Anne Rice se recrea en ese momento específico de lo que, para una niña técnicamente muerta, nunca puede ser. Es descorazonador y está escrito de una manera soberbia.

También hay otros personajes interesantes en la novela, de los cuales Armand y su teatro de los vampiros son los más destacables. De nuevo, igual que con la presentación de Louis, aquí la autora hace un trabajo maravilloso en describir a estas figuras que, aunque en cuerpos humanos no son como nosotros.

La representación del amor y de un tipo de sensualidad que no abarca lo que solemos considerar como sexual ayuda mucho a estos aspectos de la historia.

La ambientación de entrevista es también espléndida. Por momentos puedes sentir el calor y la vida de Nueva Orleans, la exquisitez de París o el frío y la humedad de Europa del Este. Anne Rice ha asegurado en varias entrevistas no haber hecho una gran investigación de los mitos vampíricos antes de su novela, pero es capaz de conjugar todos sus elementos principales en una historia redonda.

Dios mata y nosotros también.

Tiene una manera de escribir densa y onírica, existencialista. Soy una lectora impaciente y este no suele ser mi tipo favorito de narrativa pero me es imposible no caer en su mundo oscuro, lleno de luto y de estancamiento. Toda la novela habla de aquello que no dejamos ir, de cómo el tiempo pasa y puede parecer eterno, todo cambia a nuestro alrededor y a veces nosotros no somos capaces de evolucionar con ello.

Entrevista con el vampiro es un libro muy triste. Ha supuesto para mí embarcarme en muchos sentimientos difíciles y desagradables y, a la vez, no poder despegar la nariz del libro. La primera vez que lo leí, en la adolescencia, quedé prendada del ambiente, de la música clásica, del teatro y de la elegancia. La segunda vez me he enamorado de la desesperanza que desprende, de la escritura de Rice y del soberbio retrato que hace del luto.

Y ahora ¿todavía quieres la entrevista?

Puntuación: 5 de 5.

Reseña: muerto hasta el anochecer (Charlaine Harris)

  • Autora: Charlaine Harris
  • Editorial: DeBolsillo/Pandora
  • Fecha de publicación original: 2001
  • Precio: descatalogado
  • Páginas: 384 (DeBolsillo)
  • ISBN: 9788466322829
  • Traducción: Aitor Solar Azcona
  • Colección: los misterios de los vampiros del sur (1/13 + acompañantes)

Cuando el vampiro entró en el bar, yo llevaba años esperándolo.

¿QUÉ ES MUERTO HASTA EL ANOCHECER?

Si los misterios de los vampiros del sur ya eran muy famosos por sí solos creo que, tras el estreno de la serie de televisión True Blood, el alcance es espectacular. Aún así os cuento un poco el argumento para ir entrando en materia:

Sookie Stackhouse vive en un pueblo del sur de Estados Unidos. Es guapa, cabezota, atrevida, puede leer mentes y trabaja de camarera. Su vida, y la de todo el mundo, cambia con la aparición de la sangre sintética embotellada, un invento que permite a los vampiros ocupar espacio en la vida pública y que llevará a su vida al vampiro Bill y un montón de problemas.

¿CÓMO ES MUERTO HASTA EL ANOCHECER?

Antes de nada voy a daros un consejo ahora que han pasado bastantes años. Sé que es difícil, pero intentad leerlo sin pensar en la serie de televisión. Con ella en la cabeza es probable que os decepcione en un sentido u otro.

Si True Blood destaca desde el principio por una galería de secundarios y subtramas grande, muerto hasta el anochecer lo hace por centrarse casi exclusivamente en Sookie y Bill con pequeños destellos de Sam, Eric, Jason y la abuela Stackhouse. Es muy cortito, podríamos decir que una introducción que se lee muy rápido y de verdad os recomiendo verlo así.

Dicho esto, es un libro divertidísimo. Las páginas se pasan casi sin darte cuenta y congenio mucho con el humor de Charlaine Harris.

La idea de poner a tu vampiro protagonista el seductor, principal interés romántico, como un señor con el nombre Bill, soso y vestido como el típico señor en fachaleco tiene mucho más mérito del que quizá estéis pensando. En lo personal, no me gusta Bill ni aquí ni en la serie de televisión, pero el personaje en el libro está construido de una manera maravillosa. Es tan ridículo y se toma tan en serio a sí mismo que me resulta hilarante.

He empezado por él porque adoro cómo se mezcla eso con lo asertiva que es Sookie y la enorme confianza que tiene en sí misma.

Puede que no tenga educación y que sea ingenua, pero no soy estúpida ni inculta.

Su relación desde el principio está basada en que para ambos es cómodo estar juntos, tienen las hormonas revolucionadas y son muy guapos. Y la verdad es que lo adoro porque más que un sentimiento de instalove genera naturalidad y bastante diversión.

Y es una cosa que me encanta de Sookie, cómo su sentido de la practicidad invade la novela. Cómo se expresa, las decisiones que toma, sus interacciones con el resto de personajes. Ni la hacen ni buena, ni que empatices, si no que la convierten en el condimento necesario para esta historia de cinismo sureño.

Esto es importante porque la ubicación, el norte rural de Luisiana, es uno de sus elementos más destacados. Harris utiliza los estereotipos que van asociados a esa zona de Estados Unidos, desde el racismo a la hospitalidad, los estira hasta el extremo y les añade tener que lidiar con vampiros. Y lo hace muy bien.

Los secundarios son, quizá, el punto más débil de la novela. Es muy extraño decir esto en un libro en que sale Eric y Eric, es, simplemente, genial. Pero todos los demás son bastante olvidables, o, como en el caso de Sam, irritante.

El vampiro que me señalaba Bill era desde luego atractivo. De hecho era radiante: rubio, ojos azules, alto y de anchos hombros. Llevaba puestos unos vaqueros, un chaleco y botas, y nada más. Se parecía a los hombres de las portadas de las novelas rosas. Me dio miedo hasta el tuétano.

Y eso que en las descripciones que hace Sookie de su hermano están algunos de los momentos más divertidos del libro.

No es un libro feminista o que presente una diversidad positiva, pero si es un libro que utiliza todos los elementos a su alcance para hacer una parodia muy bien llevada de lo contrario. Tanto es así que la autora no necesita esforzarse en crear un malo bien definido, la ambientación se encarga de que no haga falta.

Por otro lado sé que todos, incluida yo, nos acercamos a los misterios de los vampiros del sur por las tramas románticas. Es desde luego la base del argumento. Pero que eso no nos haga olvidar que muerto hasta el anochecer es también una fantasía urbana con elementos muy reseñables.

Para empezar la idea de la sangre sintética es estupenda. De ahí vamos a la historia de qué son los vampiros, siendo la versión pública una supuesta enfermedad y no que se trate de muertos vivientes. Y con eso Harris navega muy hábilmente el terreno de los medios de comunicación y la manipulación de la gente con dinero. Con todos estos elementos corona una novela sobre prejuicios y vivir en sociedad.

En este punto voy a volver a recalcar que este no es un libro feminista o que haga buenas representaciones. Pero, aún así, lo que mueve la historia son asesinatos de mujeres, cómo se las juzga y la manera en la que el pueblo de Sookie reacciona. Es muy muy interesante, está muy bien hecho y subrayo que esta es una fantasía urbana que, en lo conceptual, no tiene nada que envidiar a otras que no son famosas por sus romances.

Para terminar, hablando sobre la edición ya que esta vez sí lo he leído en español, quizá habéis visto en la ficha que la novela está descatalogada. No creo que sea difícil de encontrar, pero siempre está bien saberlo. La traducción me suena poco natural a veces pero en general no tengo queja.

La criatura a la que amaba estaba en alguna parte, en un agujero bajo tierra, a todos los propósitos muerta hasta el anochecer.

¿PARA QUIÉN ES MUERTO HASTA EL ANOCHECER?

Buscas un buen romance paranormal, este es tu libro. Si te quedaste con curiosidad por la serie de televisión ¡anímate, es muy cortito y se bebe!

Puntuación: 4 de 5.