Reseña: Estela Plateada (Dan Slott y los Allred)

  • Guionista: Dan Slott
  • Dibujante: Michael Allred
  • Colorista: Laura Allred
  • Editorial: Panini/Marvel
  • Título original: Silver Surfer
  • ISBN: 9788413343624
  • Páginas: 696 (omnibus)
  • Precio: 45€

¿QUÉ ES ESTELA PLATEADA?

Este omnibus comprende toda la etapa (más algunos extras) de Slott y los Allred al mando de Estela Plateada.

En él seguimos la historia del héroe de nombre homónimo y sus aventuras con la terrícola Dawn Greenwod mientras descubren el universo. Sigue un formato autoconclusivo. Cada historia presenta nuevos personajes que se quedarán en su propio mundo hasta que por A o por B tengan que volver a encontrarse con nuestros protagonistas en los momentos decisivos.

¿CÓMO ES ESTELA PLATEADA?

Volver a casa.

Para mí ha sido el equivalente a empezar otra vez Doctor Who, recuperar ese sentimiento de maravilla y fascinación que pensaba que ya no volvería desde cero. Pero para vosotros puede ser cualquier otra obra de ciencia ficción con viajes por el universo, compañeros terrícolas, familias de sangre y elegidas, diversión a raudales y lágrimas imparables.

Estela Plateada es un homenaje a la cultura pop. A los sueños de la infancia que reflejaron este tipo de historias y que nos acompañaron cuando nos hicimos adultos y quisimos seguir soñando.

Volver a casa.

Porque todo viaje tiene que responder a la pregunta ¿hay un sitio al que volver? ¿quieres perderte en el espacio? y Dan Slott y los Allred exprimen cada sentimiento al respecto para hacerte reír y llorar y adorar este relato maravilloso sobre encontrar tu lugar.

Volver a casa.

Y es que existen diferentes tipos de hogar. Puedes volver al sitio donde naciste, que te vio crecer, pero también puedes descubrir que tu casa está junto a la persona que se ha convertido en tu templo. Puedes descubrir que tu lugar no era el sitio físico si no las personas que lo habitan. Pero también que, después de todo, las cosas que querías encontrar no estaban tan lejos como pensabas.

Volver a casa.

Explorando los problemas de autoestima y culpa que nos impiden vivir de verdad en el presente y en el lugar en el que estamos, encerrándonos en una celda mental que se refleja también en nuestro físico. Hablando de superación y de volver a mirarnos en el espejo, hablando incluso de moda y de las cosas que nos ponemos que los demás van a asociar como su hogar.

Volver a casa.

Una casa en la que cabemos todos.

El apartado artístico con el matrimonio Allred al volante es soberbio. Está repleto de imágenes icónicas, de gestos y movimientos que hacen sentir a la historia muy viva, con un color maravilloso que ayuda muchísimo a ver las cosas sin tener que detenerte de más.

Y el guion. Todo lo que he dicho arriba. Dan Slott creó una obra maestra y no tiene sentido darle más vueltas.

¿PARA QUIÉN ES ESTELA PLATEADA?

Fans de la ciencia ficción de viajes por el espacio y compañeros. Recomendar cosas siempre me parece muy complicado pero si os gustan ese tipo de historias esta es una de las pocas veces que siento, seguro, que este cómic no puede fallar. Reconozco que si no leéis cómic puede abrumar un poco (sobre todo por el tamaño) pero si tenéis curiosidad por el medio por algún sitio hay que empezar.

No hace falta ningún conocimiento sobre el personaje en realidad. La historia de Estela se va explicando poco a poco según avanza el tomo y, aunque salen otros supers de Marvel de nuevo creo que no hay referencias que dificulten la lectura en ningún sentido.

Reseña: Empire Ascendant (Kameron Hurley)

  • Autora: Kameron Hurley
  • Editorial: Angry Robot
  • Colección: the Worldbreaker saga (2/3)
  • Portada: Richard Anderson
  • Género: fantasía épica oscura
  • Fecha de publicación: 1 de octubre de 2015
  • Precio: 10’90€ 
  • Páginas: 460
  • ISBN: 9780857665584

¿QUÉ ES EMPIRE ASCENDANT?

Esta saga tiene tantos personajes y se divide en tantas vertientes que me resulta casi imposible hacer una descripción del argumento. Si ya costaba en el primero en este, no haciendo spoilers, es imposible. Intentando resumir lo máximo posible: los personajes empiezan a tener claro que se encuentran en un cataclismo que sucede cada 200 años al que no todo el universo puede sobrevivir.

¿CÓMO ES EMPIRE ASCENDANT?

No os imagináis lo muchísimo que me enfadé con este libro. Si leísteis mi reseña sobre the Mirror Empire en ella comentaba que había un único personaje al que realmente quería. En ese momento sentía que todas las cosas que no me convencían no serían para tanto siempre que pudiese seguir esa trama que me apasionaba. Bueno, pues aquí pasan muchas cosas y terminé con ganas de gritar.

Esto no es para decir que el libro sea malo. De hecho, aunque sigo teniendo los mismos problemas que con el primero y además me he perdido el doble por el tiempo que pasó entre leer uno y otro, lo disfruté más. El caso es que esta saga entera parece tratar de enfrentarte a una frustración dolorosa y constante.

Cuando Kameron Hurley quiere que te enfades te enfadas.

En esta segunda entrega, sin tener que lanzarte a entender el mundo, el potencial de todos sus misterios e intrigas se despliega de forma espectacular y regala grandes escenas de tensión y violencia. Y os diré una cosa sobre mis gustos: adoro cuando las historias te plantean una serie de enigmas que sientes que podrías resolver uniendo las piezas que tienes delante.

Lo que pasa, de nuevo, son los personajes. Si bien el universo en el que se mueven ya no necesita tantas explicaciones adicionales el plantel de protagonistas es tan inmenso que es muy difícil llegar a empatizar o preocuparte por ellos. Es más, la mitad de las veces es que no tenía ni siquiera claro quiénes eran. Y llevo ya más de 800 páginas leyendo sobre ellos.

También me sigue molestando la sensación de que esta fantasía oscura tiene todo el potencial de hacer algo que apele más a mis gustos que invertir las problemáticas sociales. Entiendo, por supuesto, que a gustos colores y que la autora puede hacer lo que le salga del pie. Faltaría más. Pero esta reseña trata de mi opinión.

A pesar de esto reconozco que muchas de sus aproximaciones al género sobre todo son muy interesantes.

En cuanto a la construcción del mundo ahora que, como decía, ya lo conocemos. Centrándonos en el apartado visual de la novela y en el ya mencionado misterio es espectacular. Pero luego le pasa también como a los personajes. Es demasiado en cantidad (esto es equivalente a intentar meterte todo el Cosmere de Sanderson pero con miles de páginas menos) y demasiado complicado.

Aún así, sea como sea, Empire Ascendant termina por todo lo alto y me deja con muchas ganas de terminar esta colección de portadas espectaculares.

¿PARA QUIÉN ES EMPIRE ASCENDANT?

Lectores de fantasía oscura. Si no quieres o no puedes leer sobre violaciones, desmembramientos, crueldad absolutamente gratuita y muertes, ni lo toques. Aunque en muchos aspectos haga un acercamiento muy novedoso a lo que podría ser otra narrativa grimdark, la mayor parte del tiempo lo que hace es cambiar los roles de violentador y violentado.

Si os gusta Kameron Hurley, habéis disfrutado a sus personajes en otras novelas y no os importa leer en inglés probablemente os encante.

Puntuación: 3 de 5.

Reseña: los Originales. Serie de T.V. (2013-2018)

versión del logo realizada por The Vampire para Wikipedia

The Vampire Diaries, creo que en la opinión de la mayoría de sus fans, tuvo sus mejores momentos según se iban desplegando los misterios de la familia original de vampiros. Estos personajes alcanzaron tanta popularidad y, además, eran tantos, que al final terminaron desgajándose en una segunda serie.

El episodio piloto, emitido dentro de TVD como el S04E20 (titulado The Originals), sirvió como pistoletazo de salida hasta que en octubre de ese mismo año el trasvase ya fue definitivo. Los hermanos Mikaelson se habían mudado a Nueva Orleans y, aunque mantendrían algunos guiños y tramas cruzadas, su vida quedó separada de los Salvatore y compañía.

Qué os puedo decir. Esta serie tenía de su parte la ubicación, los actores, la música, las tramas, el trasfondo. Todo, lo tenía todo. Y, en mi opinión, a pesar de eso lo hizo muy mal desde el principio.

No es que sea infumable, de hecho es bastante entretenida y presenta unos personajazos que emocionan. Es que no le saca potencial a nada de lo que tiene, está llena de sinsentidos y la evolución de los protagonistas la mayor parte del tiempo se me hace ridícula.

Los Originales parte con los mismos problemas de base que su predecesora. En un mismo minuto te dan lo mejor y lo peor de la televisión. Un capítulo puede tener veinte escenas de temas tratados genial, personajes increíbles y momentos divertidos, dramáticos y graciosos hechos con buen saber hacer. Y luego treinta en las que no se acuerdan de lo que ellos mismos han contado, utilizan tópicos dañinos y ni el carisma de sus actores puede hacer menos ridículas algunas partes del guion.

Lo que pasa es que a esto se le suma que, aunque incluso llegaron a acortar las temporadas, nunca tuvo el ritmo de The Vampire Diaries. Las tramas se les atascan, solo un par de enemigos están a la altura de sus protagonistas y es desesperante que una y otra vez los lazos de amistad y familiares (que son el motivo de ser de la serie) no funcionen.

Todo lo que avanza un capítulo lo desanda el siguiente y la frustración se acumula.

Tampoco ayuda la separación de tramas. A Klaus, el principal, le separan de lo que le hace humano y un buen protagonista para una serie e intentan sustituirlo por otra chica rubia con carácter y, por muy buenas hitorias que pueda tener a veces, queda bastante turbio y ridículo. Y funciona a la inversa. Sacando a Rebeca de The Vampire Diaries hay un personaje (Matt) que nunca recuperó interés. No me voy a extender más en esto, pero pesó bastante en ambos lados.

Compensando, como comentaba, los personajes son sobresalientes y los actores expresivos y divertidos. Cuando las cosas funcionan tienen un nivel mejor que el de su serie madre porque, de verdad, tenían todos los elementos para ser gloriosos desde antes de entrar en antena.

Además añaden nuevos e interesantísimos personajes al mix como Marcel, una suerte de hijo adoptivo con unos guiones y evolución horribles pero que tiene un actor que se hace simpático, se adueña de un montón de escenas y es capaz de dar algunos de los momentos más emocionantes del show. Y eso que es difícil conseguir destacar entre el tandem de los dos hermanos protagonistas, Niklaus y Elijah. Al final, igual que en TVD, por muy coral que sea nunca deja de ser la historia de dos chicos descubriendo cómo perdonarse años y años de desagravios y amor.

A pesar de lo muchísimo que se sabotea a sí misma los Originales, se sostiene porque la familia (la de sangre y la elegida) tiene un encanto extraordinario y si eres capaz de aguantar hasta el final, aunque de nuevo hay cosas que hubiera preferido muy diferentes, te hace llorar y admirar al menos una parte del camino hasta aquí.

ALWAYS AND FOREVER

Reseña: Canario Negro: fuego (Cabot y McGee)

  • Guionista: Meg Cabot
  • Ilustradora: Cara McGee
  • Traducción: Cristina Bracho
  • Título original: Black Canary: ignite
  • ISBN: 978-84-18002-82-3
  • Precio: 9’95€
  • Número de páginas: 144

¿QUÉ ES CANARIO NEGRO: FUEGO?

Esta novela gráfica forma parte de la línea que DC ha dedicado a un público juvenil.

Según la editorial: a sus trece años, Dinah Lance sabe exactamente quién es, lo que quiere y adónde va. Primero ganará un concurso musical con sus amigas y después se unirá a la Academia de Policía de Gotham City para resolver crímenes, como su padre. Pero cuando alguien misterioso comience a amenazar a Dinah y a su familia y amigos, ella descubrirá algo sorprendente sobre su pasado.

¿CÓMO ES CANARIO NEGRO: FUEGO?

Me ha recordado a cuando, siendo pequeña, leí las W.i.t.c.h, Eso es un halago inmenso. No tiene el mismo espacio para desarrollarse, por supuesto, y eso la hace mucho más sencilla y centrada en menos personajes. Pero la esencia de bienestar, historia para chavales y buen gusto en ropa están todas ahí.

Es uno de estos cómics bonitos con sabor a fanfic en el que un personaje que te gusta se mete en algún lío pero, sobre todo, es adorable. El guion, que es una narrativa de autodescubrimiento, amistad en el instituto y lidiar con unos padres incómodos con la adolescencia de su hija, apela directamente a su público objetivo.

Pero además el cómic tiene buenos guiños para los fans que llevan más tempo leyendo a Canario Negro y Green Arrow.

Mi favorito es el chiste perpetuo que rodea a sus padres. Saber que siguiendo con el canon de DC a ella en el futuro le va a gustar todo lo que representa su padre ahora, aunque le saque de quicio, ver las cosas que ha sacado de su madre y la relación que tienen entre ellos. Me tenía con una sonrisa enorme.

Aún así no penséis que solo puede gustar a alguien que ya conozca a Canario Negro o los superhéroes que la rodean. Dado que está pensada para niños y adolescentes lo que es es una introducción al mundo superheróico de lo más amable y simpática. Da igual si os perdéis los guiños porque si esto es lo que estáis buscando la vais a disfrutar.

En el apartado gráfico, tanto dibujo como color, es mucho más que correcto. Está perfecto. Expresivo, elegante, guay. Podéis ver el estilo desde la portada y saber solo con eso que es maravilloso.

¿PARA QUIÉN ES CANARIO NEGRO: FUEGO?

Fans del personaje, gente que quiera una historia ligera, bonita y con buen gusto o quien busque una introducción a DC. Si tenéis hijos, sobrinos o niños en vuestro entorno este cómic les puede encantar. Yo sé que a mí me habría vuelto loca.

Para darle un tiento podéis leer la primera grapa gratis en comixology.

Puntuación: 5 de 5.

Reseña: el nombre del mundo es Bosque (Ursula K. Le Guin)

  • Autora: Ursula K. Le Guin
  • Título original: The Word for World Is Forest
  • Editorial: Minotauro
  • Fecha de publicación original: 1972
  • Precio: 16’95€ eBook 7’99€
  • Páginas: 160
  • ISBN: 978-84-450-0978-9
  • Traducción: Matilde Horne
  • Saga: ciclo de Ekumen o Hainish Cycle

¿QUÉ ES EL NOMBRE DEL MUNDO ES BOSQUE?

En el planeta Atshe, el ciclo de la vida, la cultura, las costumbres, los procesos mentales nacen y se desarrollan en la estabilidad autónoma del cosmos, pero la llegada de una expedición terrestre cambiará dramáticamente el pacífico modo de vida de los nativos del planeta.

Aunque es una novela completamente autoconclusiva forma parte del ciclo de Ekumen, un universo compartido en el que Ursula K. Le Guin exploraba en clave de ciencia ficción asuntos antropológicos y sociológicos. Junto a los desposeídos y la mano izquierda de la oscuridad cierra la tríada de las obras más famosas de la autora en este grupo.

El nombre del mundo es Bosque se publicó primero en la colección de relatos Again, Dangerous Visions de 1972. El año siguiente apareció como novella y se hizo además con el Hugo en dicha categoría amén de numerosas nominaciones de renombre, como el National Book Award. Este período temporal corresponde, además, con los últimos años de la guerra de Vietnam (finalizó en el 75) y con un fuerte sentimiento ecologista, que culminaría con varios tratados en EEUU entre el 73 y el 75 para proteger la flora y la fauna.

¿CÓMO ES EL NOMBRE DEL MUNDO ES BOSQUE?

Aviso de contenido: violaciones

Uno de los temas que más me gustan en la ciencia ficción es el análisis de las implicaciones sociales de la carrera espacial. No sólo nos permite enfrentarnos a la idealización del futuro de la humanidad, si no que es una forma estupenda de explorar lo que estamos haciendo ahora y desde hace muchos siglos en la Tierra.

Le Guin se lanza a abordar este tema y lo hace desde un punto de vista antropológico, criticando el abuso de poder colonialista. Desde la destrucción del hábitat en nombre de la búsqueda de recursos al racismo, pasando por los cambios que se producen en las civilizaciones oprimidas y las personalidades de los conquistadores, tenemos ante nosotros una historia cruda y dolorosa.

La sensación de desasosiego y tristeza mientras algo muy importante se va perdiendo es constante. Ni siquiera las pequeñas esperanzas levantan el ánimo en una historia que habla de lucha pero también de los cambios que requiere enfrentarte a quien intenta aniquilar tu forma de vida. Es una lectura muy interesante pero muy desagradable.

No os imaginéis, sin embargo, que este sea un libro en el que seas o muy bueno o muy malo y nada entre medias. Una de las cosas más apasionantes en esta novela corta es, como comentaba de pasada más arriba, la personalidad de los conquistadores.

La única manera de hacer el mal no es ser un descerebrado abiertamente agresivo. También puedes pensar que eres una buena persona, creer que estas haciendo lo correcto y que eres bondadoso, y estar sin embargo perpetuando un sistema que exprime los recursos del mundo hasta dejarlo inhabitable.

Es fascinante cómo algunos personajes son incapaces de entender las reacciones de la población nativa, como si no asesinar a alguien fuese suficiente para ganarte su aprecio y lealtad. Enseñar que lo voluntario es siempre dependiente de recursos, situación social y miedo es un tema de actualidad perpetua para la humanidad.

De aquí además pasa a otro tema punzante y también siempre presente, el consentimiento. La autora toma la decisión, claramente consciente, de poner las relaciones hombre/mujer en este ambiente violento en paralelo. Siempre son una parte fundamental de la acción pero siempre hay un silencio en torno a ellas que da para una historia de terror.

Hay una escena, casi nada más empezar, en la que un personaje habla de violaciones como si no fuesen tal por no recibir una lucha abierta y violenta que es, además de escalofriante, un sumario para toda la novela.

Tampoco es una historia que pretenda hablar de gente que necesita cambiar su percepción, villanos que lo han pasado muy mal y a los que hay que comprender y bondad y pureza por defecto alteradas por una mala vida No. En el nombre del mundo es bosque hay retratos de maldad pura y dura, de desprecio y de ir mucho más allá de lo que las órdenes requerirían.

Entrando en el terreno de lo no tan positivo para mí.

La novella es excelente, podría hablar de ella durante horas porque el concepto es interesantísimo, pero no me ha enganchado. Es difícil expresar esto bien porque este texto no busca entretenerte, su vocación es la de incomodarte. Y ese apartado lo hace perfecto y no es ahí donde me pierde un poco.

Es en que el lenguaje, lo pausada que se hace pese a lo corta que es, el ambiente ligeramente onírico, hacen que me distraiga. Me costaba horrores mantenerme centrada en lo que estaba leyendo. Me pasó demasiado a menudo darme cuenta de que hacía un rato que ya no estaba conectada con la lectura.

Además desde el propio título queda claro que esta no es una novela de personajes si no de ambientación. De nuevo, esto también es complicado de expresar. La construcción del mundo ocupa mucho menos espacio que la acción de los personajes y la base antropológica es el motor de la narración. Sin embargo lo que Le Guin busca hacer (y hace con maestría de hecho) es vincular la salud del mundo, la manera en la que nuestro lenguaje se basa en lo que nos rodea, con todos los aspectos personales y culturales. Es apasionante pero no es, de base, el tipo de lectura que me engancha.

¿PARA QUIÉN ES EL NOMBRE DEL MUNDO ES BOSQUE?

Si os gusta la ciencia ficción con base social lo más probable es que os encante. Le Guin es una diosa en lo que hace e, incluso si tenéis gustos parecidos a los míos y no es el tipo de narrativa que más os engancha, creo que tiene muchísimas otras cosas que hacen que merezca la pena.

Eso sí, es una lectura dura, dolorosa, desagradable. Preparaos para enfadaros muchísimo.

Hacia la ficción contemporánea: diosas de las serpientes minoicas

  • Edad de bronce
  • Figuras de fayenza
  • Encontradas en el palacio de Cnosos (Creta)
  • Cronología: entre 1650 y 1550 BC
  • Civilización minoica

Datadas entre 1650 y 1550 BC estas figuritas se encontraron en las ruinas de Cnosos, en Creta. Este período corresponde a la edad de bronce y por ubicación, además, suponemos que formaron parte de la civilización que conocemos como minoica, en concreto a su período neopalacial.

Tras la desaparición de los primeros palacios (no se sabe si por terremotos, guerras o varios factores juntos) entre 1700 a.C. y 1480-1450 a.C. la Creta minoica vivió un período de gran esplendor económico, en relaciones internacionales, artístico y social. De estas grandes construcciones levantadas sobre edificaciones anteriores la que mejor conocemos es la gigantesca Cnosos, que llegó a ocupar casi 17.500 metros y que fue, como decía, el lugar en el que se encontró este grupo de figuras.

Reciben su denominación de las numerosas serpientes que, aunque no podéis apreciarlo bien en esta imagen de cabecera, rodean el cuerpo de la más grande y aparecen en las manos de su compañera. En wikipedia (haciendo click aquí) las podéis apreciar completas a buena definición junto a la tercera del set, de la que se conserva mucho menos.

Según la web del museo en el que se encuentra (el arqueológico Heraclión, en Creta) las serpientes destacan el carácter ctónico del culto a estas diosas. Lo ctónico hace referencia a los dioses que viven en el inframundo y sabemos que para las civilizaciones griegas y helénicas las serpientes estaban, como dice el museo, asociadas a este tipo de adoraciones. Esto nos permite, aunque sin una seguridad absoluta, extenderlo a sus predecesores y al caso que nos ocupa.

El siguiente símbolo a destacar es el gato sobre la cabeza de la figura de la izquierda. Esto podría sugerir una conexión con los animales y la naturaleza, esto último subrayado por el atuendo que deja expuesto el pecho y que quizá tenga algo que ver también con la fertilidad.

Aunque son conocidas como diosas de las serpientes no podemos saber en realidad qué representaban. La teoría principal apunta a la divinidad pero también pueden ser, por ejemplo, sacerdotisas o que cada una tuviese un significado diferente.

Las figuras están construidas en fayenza, que siguiendo la definición de la RAE es una loza fina esmaltada y barnizada.

Pero a partir de aquí viene lo peliagudo.

Como decía al principio de la entrada estas piezas se encontraron en el palacio de Cnosos, en concreto en los llamados Almacenes del Templo que se situaban al sur de la habitación del trono. Su descubrimiento y excavación se lo debemos a Arthur Evans, un hombre rico y amante de la mitología clásica que quiso ver en su excavación los restos arqueológicos del palacio de Minos, famoso por su laberinto y la leyenda del minotauro (y de ahí el nombre de civilización minoica).

Durante su época en Cnosos, antes de que se impusieran las técnicas actuales de arqueología y conservación, Evans puso su interpretación de lo que encontraban en las restauraciones.

Como podemos ver en la web del museo de Ontario, que está además acompañada de una fotografía de los objetos que acompañaban a las diosas, la imagen que vemos hoy en día es una reconstrucción de las figuras uniendo objetos que ni siquiera estaban necesariamente juntos. La figura de la derecha, la que tiene el gato, ni siquiera tenía cabeza. Fue creada por un artista danés llamado Halvor Bagge.

Dice Emily Miller Bonney en su ensayo desarmando a las diosas serpiente que Evans encontró: tres brazos izquierdos, uno con parte de una serpiente, una mano izquierda, una falda acampanada, un torso con al menos dos serpientes, una tiara cónica con una serpiente a la que seguía una cabeza solo con los rasgos superiores y un segundo torso con la mano derecha sosteniendo un objeto con forma de espiral.

A esto tenemos que sumarle que representaciones similares atribuidas en origen a la misma época como las que se encuentran en los museos de Boston y Baltimore tienen ahora una autenticidad muy dudosa.

En resumen, tenemos muy pocas certezas.

Sobre la influencia de estas figuras en la fantasía, ciencia ficción y terror actuales la cosa es igual de complicada. Las serpientes han sido representadas infinidad de veces (muchas antes que esta) y su significado cultural es muy variable. Hoy en día, junto a las manzanas, suelen ir asociadas al mito judeocristiano de Adán y Eva. Con ello, vistas en torno a mujeres, tiene para occidente implícitas connotaciones negativas.

Famoso es, por ejemplo, el feudo de Taylor Swift con las Kardashian y Kanye West en el que usaron esta simbología para atacar a la cantante.

No obstante, en el lado opuesto, también ha sido usado para expresar poder en imágenes de estética muy atractiva. Es el caso de la propia intérprete estadounidense, que en la saga de videoclips de ciencia ficción que acompañaron a su álbum Reputation hizo reapropiación de los ataques y ofreció imágenes como esta, similares en esencia a las estatuillas de fayenza.

La utilización de serpientes como si fuesen complementos de ropa tiene incluso un apartado en TV Tropes llamado feather boa constrictor. Una gran parte tienen más bien tintes sensuales que de poder que es, lo que al menos a mí, me transmiten estas imágenes minoicas. Pero aún así la lista no es nada desdeñable.

Sin embargo, en este aspecto, otra cosa que no podemos ignorar es que en occidente el tópico de la mujer con serpientes ha sido empleado como si se tratase de un exotismo y ha arrastrado esas implicaciones.

Así pues en base a lo que sabemos de las diosas serpientes minoicas no podemos trazar una influencia directa (más allá de las supuestas falsificaciones por supuesto) pero sí ver la línea estable que han seguido a lo largo de la historia las asociaciones de este reptil y las mujeres.

FUENTES

Reseña: Rule of Wolves (Leigh Bardugo)

  • Título: Rule of Wolves
  • Autora: Leigh Bardugo
  • Ilustradora del mapa: Sveta Dorosheva
  • Diseño: Ellen Duda
  • Editorial: Orion
  • Fecha de publicación: 2021
  • Precio: 13’12€ (tapa blanda)
  • Páginas: 592
  • ISBN: 9781510109186
  • Colección: El rey marcado (2/2). Grishaverso

— A Ravka le gusta mantener las cosas interesantes (…) ¿no disfrutas un desafío?

— Lo que disfruto son las siestas.

No tengo sinopsis para este libro. Si estáis aquí después de el rey marcado, Rule of Wolves sigue donde se quedó y se lanza a la guerra y al espionaje de cabeza. Si aún no habéis leído el principio de la bilogía no sigáis con esta entrada porque es imposible que no caiga algún spoiler para ponernos en contexto.

Qué de sentimientos encontrados tengo con este libro.

Entre Leigh Bardugo diciendo que de momento este va a ser el punto y final del Grishaverso, que el rey marcado me decepcionó un poco y que estaba con el subidón de la serie y de haber hecho todas las entradas con la guía de lectura no me ubicaba. Me costó entrar. Y me costó en parte porque ya tenía prejuicios por el anterior y en parte porque tiene todas las cosas que no me gustaron desde el principio.

Nikolai no sale mucho, la mezcla de su lado de la historia con el de Nina no me cuaja bien y además tiene personajes nuevos con capítulos propios que no me interesan lo más mínimo.

La ambientación está aquí, para mí, en sus horas más bajas. Todas las cartas están sobre la mesa, la epiciddad se desborda, pero en vez de sacar partido a las mayores virtudes de su escritura se vuelve bastante genérico dentro de la fantasía. Siento esta bilogía como un paso atrás en el proceso de escritura de Bardugo y no lo entiendo muy bien.

Con sombra y hueso la construcción del mundo quedaba como un elemento bastante secundario, sencillo e intuido en favor de una narrativa muy centrada en sus personajes. No era novedoso pero cumplía muy bien. De ahí pasó a los relatos, que empezaron a darle una nueva profundidad y crearon un mundo que ahora, de verdad, era impresionante. Todo cristalizó para la bilogía de seis de cuervos, una historia que siento original, refrescante, con una gran construcción del mundo pero aún muy centrada en sus protagonistas. Aunque Jesper no fuese mi favorito no me sobraba nadie.

Y de pronto venimos aquí, una saga donde lo más importante es el mundo y la política y hay algo que no me termina de cuajar. A veces es como si en vez de leer un libro de Bardugo estuviese leyendo una guía de cuáles son los elementos que conforman una confrontación épica.

Teniendo esto en cuenta el libro se me estaba eternizando. No es que no lo disfrutase. Siempre que cogía el libro, el rato que estaba leyendo, me lo pasaba bien. El problema es que nunca me entraban ganas de seguir. Así pues pausé la lectura, dejé pasar unas semanas y fue la mejor decisión posible.

La traca final sigue teniendo las cosas que describo arriba pero la verdad es que cumple muy bien.

En el apartado Zoya/Nikolai y esta nueva versión de la Bella y la Bestia que nos sugiere Bardugo no tengo ninguna queja. Creo que Zoya está impecable y me gusta que haya decidido introducir elementos mitológicos a través de ella. Nikolai, como decía, siento que sale poco. Pero cuando sale sus capítulos siempre son buenos.

— ¿Dónde está mi general?

— Aquí —repitió, una y otra vez.

La otra mitad con Nina y Hanne a las riendas es brillante. Sigo pensando que deberían haber sido sagas diferentes y que nunca terminan de cuajar bien juntas, pero pasa todo lo que tenía que pasar y pasa bien.

La muerte es mi don y no temo la pérdida.

El resto de personajes, bueno. Hay una trama de unas reinas y princesas que sigue con el falso Nikolai del anterior libro y que es el motivo principal de que nunca tuviese ganas de coger la novela. Era ver un capítulo de esa trama y poner los ojos en blanco. No es que esté mal, pero es que me dan igual.

Pero, por el contrario, en esta mitad/final que ya leí del tirón se introduce otro punto de vista que le hacía muchísima falta a estas novelas. Ahí tiene algunas de las cosas que mejor ha escrito Bardugo en general y creo que hará feliz a todos los fans del Grishaverso.

El fuerte de esta escritora sigue estando en lo humano. A veces parece forzado, como si tuviese que pasar porque así son las guerras, pero incluso en esos momentos las emociones son reales.

Le amaba (…). Le amaba y él me amaba a mí.

Otra cosa que tiene esta novela es un final que no es un final. No os voy a hacer spoilers, por supuesto, pero me explico. La trama de la bilogía termina y cierra bien. Sin embargo las últimas páginas te lanzan a una nueva historia, una muy importante, y es bastante frustrante sabiendo que de momento no va a haber nada más.

Terminando ya. Si os ha gustado el Grishaverso hasta aquí, compartáis o no quejas conmigo, lo más probable es que os guste. Toca bien en la nostalgia de todo lo que hemos leído, los personajes siguen siendo ellos mismos y al final eso es por lo que estamos aquí. Es imposible decir que sea una mala novela cuando he llorado y reído y he adorado, como siempre, a toda esta panda de tontorrones idealistas.

Además, mirad qué portada. El diseño de este universo siempre va a ser de mis favoritos.

Y si el destino no nos da la oportunidad, la robaremos.

Puntuación: 4 de 5.

Reseña: The Vampire Diaries. Serie de T.V. (2009-2017)

Voy a usar el nombre en inglés porque me niego a llamarla crónicas vampíricas. Para mí esas son y serán siempre las de Anne Rice. Espero que me perdonéis.

Empezamos.

The Vampire Diaries es una serie del canal estadounidense The CW que se estrenó en 2009, el año después del boom de la aparición cinematográfica de Crepúsculo. Como tantas otras historias de vampiros apareció para rellenar la demanda del mainstream con un marketing dirigido en especial a las chicas jóvenes. Su peculiaridad es que se basa en una saga de libros 18 años previa.

El espacio que pretendían ocupar era el de un producto para un público ligeramente mayor, con un empleo más explícito de la violencia y la crueldad, pero manteniendo los tópicos escolares y de personalidad que habían hecho a Crepúsculo tan popular.

La trama sigue la historia de dos hermanos vampiros llamados Damon y Stefan que, tras años de confrontaciones, vuelven a su pueblo natal y para sorpresa de nadie se enamoran de la misma chica, Elena, una adolescente huérfana.

Es una serie extraña.

Por un lado tiene unos personajes increíbles y por otro a unos personajes aburridos y odiosos como ellos solos. Otro día te salen con una trama y una mitología interesantísima, unos enemigos que ya quisieran otras series que tienen mayor consideración. Y de pronto los enemigos son ridículos, los guionistas parece que no se acuerdan de lo que ellos mismos habían escrito antes, todo es absurdo y nada tiene sentido.

Y, lo peor de todo. Tan pronto están tratando temas delicados e interesantes como te empiezan a salir banderas confederadas o no tienen la más remota idea de qué hacer con la única de sus protagonistas negra, Bonnie, que queda reducida la mayor parte del tiempo a un Deus Ex Machina bastante irritante. Un día te dan representación, al siguiente deciden acabar esa trama de la peor manera posible.

Todo lo que acabo de describir puede suceder, sin exagerar, en el mismo minuto.

Adentrarte en las ocho temporadas de The Vampire Diaries (171 episodios) es un paseo por lo mejor y lo peor de la ficción sobrenatural televisiva. Si habéis visto otras series de The CW como, por ejemplo, Sobrenatural, tiene más o menos sus mismos defectos y virtudes pero con menos sentido del ridículo. Marca de la casa.

En mi caso ha sido un flotador en tiempos convulsos y la he adorado incluso en sus malos momentos (que son legión). Ayuda muchísimo que, como buen culebrón, suela terminar los episodios con algún gancho y que no tenga prácticamente relleno. Todo avanza rápido y siempre tiene algo de espacio para el humor. He llorado, me he emocionado una barbaridad y me he involucrado muchísimo.

Aún así es difícil de recomendar.

Si tenéis necesidad de avisos de contenido, por si no ha quedado claro con lo anterior, esta serie los tiene todos. La violencia exagerada (física y psicológica) y el drama constante son sus rasgos definitorios. A veces es hilarante, a veces tiene tacto pero la mayor parte del tiempo, lo reconozco, está mal.

No pretendo que la ficción sea moralizante (aléjate de mí, Moratín) ni espero que los personajes sean bolas de luz y virtud. Y menos en una serie que tiene la violencia como uno de sus rasgos de identidad. El problema es la balanza de acción/reacción que sigue The Vampire Diaries.

Os pongo un ejemplo que no considero spoiler porque es una obviedad.

En la primera temporada Damon Salvatore, interpretado por un sobresaliente Ian Somerhalder, actúa como enemigo. Durante todos los capítulos sabes que en algún momento va a pasar al grupo protagonista porque la tensión sexual con Elena se masca en el ambiente y porque lo que de verdad importa en la serie es la relación con su hermano Stefan.

Pues bien. Durante el tiempo que dura como malo por excelencia Damon viola repetidas veces a una de las protagonistas. En este período ese personaje es tratado como una chica irritante y superficial. Cuando esto termina y Damon tiene un peso diferente los personajes que rodean a la chica actúan como si esto no hubiese sido tan terrible de manera constante.

Para más inri, la trama de ella (mi personaje favorito, de hecho) se basa en gran medida en que después ya no es la chica que se dejó hacer eso. Luego está muy bien construida y es increíble lo que hacen con ella pero el cómo y el por qué son de un mal gusto que se me quedó atragantadísimo.

A la vez siempre tienen algún personaje completamente en contra de lo sobrenatural, al que todo le parece malo, y que se me hace invariablemente insoportable. Quizá pretendían con ellos equilibrar lo anterior pero está muy mal hecho y los dos lados son muy desagradables.

Como decía arriba, mi problema no es con la violencia y la redención aunque este sea un tema complicado. Es la balanza de acción/reacción. Y estos personajes siempre a la contra de todo son insoportables porque sus reacciones no están en absoluto medidas por lo que está pasando. Su única personalidad es llevar la contraria y odiar cosas y personas.

Aún así, si os tengo que dar un único motivo para ver The Vampire Diaries, siempre van a ser los personajes. No todas las actuaciones están al mismo nivel, a veces se les nota que no les interesa en absoluto lo que están haciendo y hay cosas de guion que no podría decirlas con una interpretación espectacular ni el mejor de los actores. Pero en el conjunto el casting es excepcional y tienen tramas apasionantes.

Los creadores tienen un don para los monstruos.

Si yo hubiera tenido la oportunidad de hacer esta serie la habría hecho muy diferente, pero el esqueleto que tiene es magnífico y si buscáis una serie larga para engancharos, podéis y queréis ignorar todo lo anterior, os la recomiendo muchísimo.

En caso de que os abrume la cantidad de episodios os aviso de que en el momento en el que apareció su spin-off (los Originales) y sacaron de la serie a sus mejores personajes empieza a empeorar a velocidad de vértigo. Así que una vez pasada la cuarta temporada puede ser un buen momento para dejarla.

Si queréis echarle un ojo en España la tenéis junto a sus spin-offs (excepto dos muy cortitos llamados a Darker Truth y the Awakening) en HBO.

Reseña: Uzumaki (Junji Ito)

  • Autor: Junji Ito
  • Traducción: Marc Bernabé y Veronica Calafell
  • Fecha de publicación original: 1998-1999
  • Editorial: Planeta Cómic
  • Precio: 25€ (descatalogado)
  • Páginas: 656
  • ISBN: 9788491465843

¿QUÉ ES UZUMAKI?

Argumento: Kurouzu, un pequeño pueblo rodeado por la niebla en la costa de Japón, está maldito. Según Shûichi Saitô, el novio de la joven Kirie Goshima, su hogar está encantado, no por una persona, sino por un patrón: UZUMAKI, la espiral, el secreto hipnótico que da forma al mundo.

Cuando Mira Bai Winsby entrevistó a Ito en 2006 el autor japonés explicó este cómic como un intento de subvertir la visión positiva tópica de las espirales en la ficción japonesa ubicándolas en un ambiente Lovecraftiano.

Aunque siguiendo una trama única Uzumaki es en realidad una sucesión de historias cortas. La primera sobre todo puede considerarse autoconclusiva.

¿CÓMO ES UZUMAKI?

Como es un tomo gordo y la narración está fraccionada lo empecé pensando que le dedicaría aproximadamente una semana. Bueno. Lo terminé esa misma noche.

Leer este manga es meterte de lleno en una narrativa entre lo absurdo, lo terrorífico, un humor muy extraño e imágenes profundamente inquietantes.

Decir que una historia sobre un lugar en el que empiezan a aparecer espirales puede ser un manga de terror sobresaliente suena sin duda bastante extraño, pero a la vez creo que el concepto es bastante intrigante por si solo. La representación de este tipo de simbología va asociada a cosas como Fibonacci y caracolas, naturaleza evocadora, cabellos espesos y rizados, y por eso mismo resulta orgánico que llegue este género y lo retuerza.

Es prácticamente la vocación del terror y Junji Ito recoge muy bien el guante.

Al ser una temática tan común, además, le permite hacer todo tipo de guiños como este cielo en clara referencia a la obra de Van Gogh.

¿Y qué tipo de terror nos presenta el autor japonés?

Va a por lo inquietante, lo incómodo. Leyendo Uzumaki no os vais a asustar y tampoco vais a ver, en general, gore. El objetivo de Uzumaki, que ya decía al principio de la entrada que tiene vocación Lovecraftiana, es nadar en lo extraño. En imágenes que son representaciones retorcidas de tópicos opuestos.

Esto podéis verlo muy bien, por ejemplo, en la imagen que sirve de portada. Si se considera algo hermoso y deseable socialmente que las mujeres tengan el pelo largo y ondulado Ito nos da viñetas en las que el cabello está fuera de control.

Ese momento es también un buen pie para hablar de otra de las características principales de Uzumaki. Aunque a menudo es serio y de un dramatismo doloroso el tono varía de historia a historia e, incluso, de momento a momento. A veces es gracioso, a veces, como con el pelo, es tan ridículo que no sabes muy bien por dónde cogerlo y otras es inquietante, triste e incluso descorazonador.

En mi opinión una de sus mayores virtudes es que, incluso cuando no sabes si deberías reírte o no y tienes el ceño un poco fruncido, el impresionante apartado gráfico te regala unas imágenes que por lo menos a mí me van a acompañar siempre.

Os decía más arriba que Uzumaki no puede considerarse una historia gore aunque tenga alguna que otra escena que sí caería en esa categoría. Lo que sí tiene, y mucho, es ‘body horror’ o terror biológico. Es decir, uno de los aspectos en los que más se recrea es en manipular el físico humano para crear imágenes perturbadoras. Creo que este tipo de representación sale en todas las relatos que componen el tomo.

También tienen en común siempre la ubicación y la protagonista, a la que van rodeando secundarios recurrentes (como su novio) y otros que aparecen de manera variable.

Una de las cosas que más ha llamado la atención de Uzumaki, por lo que he leído en otras reseñas, es que la gente no se vaya de Kurouzu y que no reaccionen más a los eventos que se van sucediendo. A mí es un aspecto que me ha encantado, de mis cosas favoritas de la historia.

Con honestidad os digo que, en mi experiencia, una gran parte de las veces es la manera en la que reaccionamos como sociedad a las cosas. Poniendo mala cara pero sin hacer nada. Vivimos rodeados de delitos de odio y cosas perturbadoras que no detienen nuestras vidas. Solo un porcentaje pequeño de las cosas terroríficas a nuestro alrededor tiene espacio en las noticias y en la indignación colectiva. De una noticia impactante pasamos en segundos a otra noticia impactante.

Kurouzu está sumido en el mismo ritmo entre adormilado y frenético en el que se mueve la humanidad. Esto se acentúa de manera especial entre familias y comunidades que se conocen desde hace mucho tiempo y creo que es un acierto que tenga un papel tan predominante en la historia.

Además va acompañado de un tratamiento de la obsesión en distintas maneras que se refleja perfectamente en el dibujo y es espectacular.

El fallo que sí que le reconozco a Uzumaki es que, a medida que avanza la trama, parece que se le va yendo de las manos. Me gusta mucho cómo crece la mitología y cómo va empeorando la situación mientras las explicaciones son más bien vagas, pero sí es cierto que el ritmo va decayendo y que algunas partes del final no están a la altura.

¿PARA QUIÉN ES UZUMAKI?

Si os gusta el terror inquietante, las escenas impactantes y no lo vais a pasar mal con momentos marcadamente desagradables lanzaos de cabeza. No obstante no os lo recomiendo si no estáis acostumbrados a leer manga.

En la ficha del principio os hago notar que está descatalogado. Aún así no es muy difícil de encontrar.

Puntuación: 5 de 5.

Reseña: the Mirror Empire (Kameron Hurley)

  • Autora: Kameron Hurley
  • Editorial: Angry Robot
  • Colección: the Worldbreaker saga (1/3)
  • Portada: Richard Anderson
  • Género: fantasía épica oscura
  • Fecha de publicación: 26 de agosto de 2014
  • Precio: 13’60€ 
  • Páginas: 400
  • ISBN: 978-0857665553

¿QUÉ ES THE MIRROR EMPIRE?

No se me da nada bien resumir argumentos y este es especialmente complicado. Si os vais al oficial, que podéis ver por ejemplo en la web de la autora, podréis ver que de hecho tiene bastantes párrafos.

Intentando ser lo más concisa posible: Hurley nos presenta un mundo donde, de manera cíclica, surge un cataclismo que acaba con civilizaciones enteras. Este evento da lugar a una serie de consecuencias ramificadas en muchos personajes protagonistas, con historias paralelas, que se van cruzando poco a poco.

No parece muy original pero os aseguro que en el tratamiento lo es.

¿CÓMO ES THE MIRROR EMPIRE?

Tengo una relación de amor odio con Kameron Hurley: adoro sus ideas y detesto con pasión a sus personajes.

Cuando empecé The Mirror Empire pensaba que estaba ante un sueño hecho realidad. El Grimdark más oscuro posible pero quitando las violaciones, respetando el espacio interpersonal, buen tratamiento del espectro de género y un grupo de protagonistas que prometían bastante.

Luego descubrí que la mitad de la trama era lo mismo de siempre pero en posiciones invertidas y que los personajes cada vez se iban volviendo más detestables y me sentí de alguna manera traicionada. Es algo injusto y muy subjetivo pero a mí, con mis gustos, me perdió bastante.

Por lo que he ido leyendo de la autora este es en esencia su estilo y siempre tengo los mismos problemas.

No es que espere que los personajes sean buenas personas, es que para que una novela entre en mi grupo de favoritas me hace falta cierto grado de amistad, de personas conectando entre sí, que Hurley no me da. Cuando voy a leerla sé que voy a enfadarme y que tengo que ir preparada. Sus personajes me resultan invariablemente odiosos, desagradables, estúpidos y, como son incapaces de aprender y evolucionar, no me interesan sus decisiones futuras.

Aún así aquí estoy, reseñando The Mirror Empire en una web en la que solo hablo de las cosas que más me gustan. Porque a pesar de todo estoy obsesionada con este libro, me fascina. Y teniendo en cuenta mis gustos eso debería deciros mucho de la calidad y el buen hacer de la autora.

—¿Eres una mujer? preguntó Roh (…)

—Soy muchas cosas diferentes, dependiendo del día.

Estaréis pensando, entonces, que esta novela se sustenta en la construcción del mundo. Bueno. A ver. Me arremango y os cuento. Este libro es un lío. No porque lo que cuente sea especialmente complejo. Con tantos personajes, tantos nombres y tantas palabras extrañas unidas a una novela que no es nada intuitiva te lanza a una curva de aprendizaje de las gordas. No es un puzzle que vayas ordenando en tu cabeza como me pasó por ejemplo con los jardines de la luna de Erikson. Es más bien un rompecabezas en el que todas las piezas son del mismo color e, incluso aunque las pongas en el lugar adecuado, tienes la sensación de que no has aprendido nada.

A la vez, como digo, en realidad no es tan complejo. Desde el principio haces una serie de suposiciones que son las que se van manteniendo a lo largo de la novela.

Entonces ¿qué es lo bueno? ¿dónde está la novedad?

The Mirror Empire se sitúa como una historia típicamente fantástica con un trasfondo de ciencia ficción clásica. Tolkien y la Le Guin del Ekumen se dan la mano y este es el hijo lleno de oscuridad y desesperanza que les sale.

Kameron Hurley se atreve con todo y te lanza a un universo de dobles apariencias en lo literal y lo figurado, se adentra en la crueldad humana como nadie y le da vueltas y vueltas a los conceptos de patriarcado, matriarcado, género y relaciones interpersonales.

No es plato de mi gusto el subvertir roles para poner escenas de mujeres violando a hombres, por ejemplo. Pero a la vez, esto es fantasía y ciencia ficción. Es una experimentación, una posibilidad, y unida a tramas de espejos y saltos entre mundos lo que te está poniendo en la mesa es una discusión. Me enfado leyendo sus libros, odio a sus personajes y lo que hago con ello es cumplir el objetivo de la novela.

La narrativa de esta autora es un clamor, un grito. Es furia. Quiere que sientas ganas de quemar el mundo o de cambiarlo.

Para ser justos, además, hay un personaje que sí que me gustó mucho. No voy a adentrarme en quién y por qué para evitar spoilers. Lo dejaré en que disfruto el juego político que presenta.

No miro a Kais morir. Llamo a tirajistas para salvarles. Uso mi espada para defenderles. Puede que mueran de todas maneras. Pero siempre actúo. Tú eres el que está a la espera, aguardando a que alguien decida tu destino. Así que levántate, Ahkio. Yo no manejo las cuerdas. Empujo a la gente atada a ellas.

Como colofón, esta trilogía tiene unas portadas que, incluso si fuese solo por ellas, merecería la pena tener estos libros en mi colección. El autor es Richard Anderson.

¿PARA QUIÉN ES THE MIRROR EMPIRE?

Este libro va con muchos avisos de contenido en cuanto a violaciones, agresiones y elementos desagradables. Si no queréis pasar un mal rato no os acerquéis ni con un palo.

Pasado eso os lo recomiendo mucho como un libro para debatir las líneas entre la fantasía y la ciencia ficción, como un debate social y porque Kameron Hurley me parece, al margen de mis gustos, una gran escritora.

Si tú puedes abrir el camino, también puede hacerlo tu sombra.