Reseña: Blade (1998)

  • Dirección: Stephen Norrington
  • Guion: David S. Goyer. Cómic: Marv Wolfman. Gene Colan
  • Música: Mark Isham
  • Fotografía: Theo Van de Sande
  • Año: 1998
  • Género: acción, terror, vampiros, superhéroes
  • Protagonistas: Wesley Snipes, Stephen Dorff, Kris Kristofferson, N’Bushe Wright, Donal Logue
  • Duración: 120min

En 1973 Blade hizo su primera aparición en el número 10 la tumba de Drácula, un cómic de Marv Wolfman y Gene Colan. Esta saga de cómics de Marvel se publicó desde el 72 al 79, haciendo un total de 70 grapas, y presentaba un grupo de cazavampiros que se enfrentaban a Drácula y otras amenazas.

Este Blade tiene como peculiaridad la inmunidad al vampirismo y unos cuchillos hechos de madera de teca (un tipo de árbol). Si tenéis curiosidad podéis echarle un vistazo a las primeras páginas del número donde hace su aparición, de manera gratuita, en Comixology.

Como os podéis imaginar desde el inicio de los 70 hasta finales de los 90 los gustos estéticos cambiaron bastante y eso sumado a la nueva visión creativa de Goyer y Norrington terminó en el Blade de larguísima chaqueta de cuero que arrasó en la taquilla internacional.

Por supuesto también tuvo mucho que ver la denuncia de Marv Wolfman contra Marvel, New Line y Time Warner por los derechos del personaje. El creador perdió pero, aún así, no podían arriesgarse a tener demasiadas similitudes con el material original. Si querían hacer una película de Blade y no dar ni un duro a Wolfman y Colan este era el camino.

Recaudó 131’2 millones de dólares. Su realización había costado 45.

En su versión cinematográfica Blade es el hijo de una humana mordida por un vampiro, del que heredó sus capacidades especiales pero no sus puntos débiles. Su principal enemigo es Deacon Frost, un hombre convertido mucho tiempo atrás que se enfrenta a la nobleza vampírica y busca el poder a través de antiguas leyendas. Completando el equipo de personajes principales está Karen, una hematóloga que cae muy en contra de su voluntad en el mundo de la noche, y otro cazador de vampiros y mentor de Blade, Whistler.

Si tuviera que elegir una sola palabra para definirla sería intensa.

Blade es una buena adaptación del cómic como formato. Siento que tanto el guion como los efectos de sonido y la acción se sienten muy cercanos a su medio de origen y es algo que aprecio bastante.

Los enemigos entre medias, la sensación abierta de la conclusión pero con enemigos finales y sorpresas cósmicas, los colores, cómo la historia sigue a Karen mientras el verdadero protagonista es siempre Blade, me grita viñetas. En las peleas el buen hacer de Wesley Snipes mezclado con unas coreografías bastante surrealistas a menudo, con elementos de pura exhibición, es todo lo que esperas en un superhéroe. Incluso sus frases cortas y taciturnas, acompañadas de la conocida y cómica sonrisa a cámara parecen sacadas de un tebeo.

Es cierto que no acompañan los efectos especiales y, sobre todo, no en la escena final. La verdad es que no importa demasiado. Si habéis visto, por ejemplo, el señor de los anillos, la escena en la que Legolas se sube de un salto al caballo, sabréis que a veces no importa tanto la calidad como la charla que vas a tener con tus amigos después. Aquí pasa lo mismo.

Esta película tiene muchos defectos pero a mí no me quita la sensación conjunta de diversión palomitera y drama intensito en ningún momento. Y es lo que busca la película, un tono entre lo gore, lo dramático y el humor un poco ridículo. Cumple su objetivo de sobra.

Como buena hija de finales de los 90, Blade se luce en el apartado estético con el negro y el cuero. También vais a reconocer sus años, sin duda, en el pelo y estilo del antagonista. A esto le acompaña una banda sonora también muy de su época y que, aunque reconozco que hace el efecto perfecto a la película, es de los apartados con los que menos conecto.

Creo que una de las cosas que más enamoran en esta cinta es que es una de esas producciones que sientes que sus creadores están disfrutando. Es solo una percepción, es posible que la mayoría la odiasen, pero cuando todos los engranajes cuajan y hay una sensación de fluidez y amor por el medio yo como espectadora lo disfruto mucho también.

Si no la habéis visto ya, os gustan las películas de acción, no necesitáis demasiada lógica ni unos efectos espectaculares, os recomiendo mucho que le echéis un ojo. Es una gran película de vampiros y muy entretenida en cuanto a acción y elementos superheróicos.

Reseña: Catarsis (Moto Hagio)

Autora: Moto Hagio
Título original: Hanshin Tanpen Kessakushu
Editorial: Tomodomo
Traducción: Ana María Caro
Precio: 16€
Páginas: 448
ISBN: 978-84-16188-63-5

¿QUÉ ES CATARSIS?

Doce historias cortas, creadas entre 1971 y 1994, que viajan a través de géneros y estilos diversos manteniendo siempre una estética preciosa y un tono melancólico, triste o directamente perturbador.

Si queréis saber un poco más de la autora escribí sobre ella en la entrada sobre el clan de los Poe. En resumen es una de las madres del manga, una diosa del arte y parte del llamado grupo del 24.

Creo que no existe la antología perfecta. Siempre hay relatos mucho mejores que otros y a menudo es un formato pesado de leer. Desde luego no es mi favorito. Aún así Catarsis tiene un nivel muy alto y bastante homogéneo al que favorece además el orden en el que están colocadas las historias.

Como esto es una página de fantasía, ciencia ficción y terror aquí solo hablaré de las que pueden ser incluidas en estos géneros.

Para terminar esta sección, soy consciente de la baja calidad de la imagen de portada. Esto es así porque la web de Tomodomo no la tiene subida para reseñas y porque las partes que se ven grises en persona son de un plateado brillante, mucho más bonita de lo que la hace parecer esa fotografía. El resto de ilustraciones que acompañan la entrada tampoco tienen la calidad suficiente por una mezcla entre lo mal que se me da hacer fotos y el tamaño del tomo, que, como dato tonto, hizo que me doliese mucho el dedo gordo con el que sostenía las páginas leídas.

¿CÓMO ES CATARSIS?

Precioso, el estilo de Moto Hagio es dulce y estilizado, parece que puedes percibir las ráfagas de viento que mueven el pelo de sus personajes. Además es variable, se ajusta a la narración, y en un solo tomo puedes pasar por muchos tipos de dibujo diferentes. Lo que sí tienen todos en común es que sirven de contrapunto a historias oscuras, algunas con finales muy dramáticos, y en especial con mucha melancolía.

Moto Hagio explora, por encima de todo, la sensación de no encajar en la sociedad y la soledad que esto produce, así como la pérdida y el vacío consecuente. Todas las historias, incluso las que terminan bien, tienen un sabor agridulce y una sensación de mundo atascado que sigue moviéndose pese a ti.

MITAD. Publicado en 1984.

La primera historia es un relato de terror sin elementos sobrenaturales. Cuenta la vida de dos hermanas monovulares unidas por la cadera llamadas Yudy y Yucy. Mientras Yudy es muy inteligente y sufre una delgadez extrema y pérdida de cabello, Yudy tiene la belleza de un proverbial angelito y dificultades de aprendizaje.

Puntuación: 4.5 de 5.

LA NIÑA IGUANA. Publicado en 1991

La señora Aoshima tiene una hija con aspecto de iguana, pero solo ella parece darse cuenta.

Mi favorito. Es raro, perturbador, triste, tierno y en algún que otro momento muy gracioso. Incluso si solo fuese por este relato merecería la pena el conjunto entero.

Puntuación: 5 de 5.

LAS PASTILLAS DE IR A LA ESCUELA. Publicado en 1994.

Katsumi es un estudiante que, de la noche a la mañana, empieza a ver una realidad completamente deformada. La única excepción es una compañera de clase apellidada Nakagawa.

La más delirante de todas las historias, ciencia ficción pura. Como si te tomases unas píldoras tú y empezases fuerte, viendo en la primera viñeta como el padre es un procesador de texto y la madre un hervidor eléctrico.

Puntuación: 3.5 de 5.

EL FALSO REY. Publicado en 1984.

Narra el viaje de Eyika y de un vagabundo rechazado por la sociedad que termina acompañándole.

A nivel de trama no es de mis favoritas pero a la vez creo que es de las más llamativas. Por una parte es muy predecible y, como es muy pausada, no te deja con al nariz pegada al libro. No obstante, aunque no sorprenda, una parte del giro final me ha parecido muy satisfactoria. Además el dibujo es una maravilla, el estilo que usa aquí Moto Hagio es bastante diferente al resto y le pega a las mil maravillas.

Puntuación: 3.5 de 5.

EL INVERNADERO. Publicado en 1975. Idea original de Ikumi Ikeda.

Joschafat y L’ange se convierten en hermanos tras la boda de sus padres y, aunque han compartido escuela, se conocen veraneando en la casa de campo familiar. Mientras su amistad avanza descubren un invernadero abandonado al otro lado de un río.

Creo que esta es la historia más difícil de comentar. El estilo, tanto en dibujo como en trama, se parece mucho a el clan de los Poe. Es precioso. Lo que pasa es que, al menos para mí, es una historia muy muy desagradable de leer. Joschafat es un personaje asqueroso y hay una parte de la historia que, bueno. No os quiero spoilear pero de verdad me dejó con muy mal cuerpo y molesta.

MARINE. Publicado en 1977.

La madre de Abe está muy enferma lo que hace que, pese a su corta edad, tenga que trabajar. Un día, volviendo a su casa e intentando comprar medicina, se encuentra a una joven muy hermosa que le regala un pendiente.

Marine es, para mi gusto, demasiado larga. Interesante, entretenida, pero con personajes muy irritantes en especial según van creciendo. Y esta historia sin que los personajes te cautiven la verdad es que no termina de funcionar. Por otro lado de pronto empieza a tratar bastante sobre tenis y es un giro muy extraño.

Puntuación: 2.5 de 5.

EL NIÑO QUE VOLVÍA A CASA. Publicado en 1998.

Cuenta la historia de una familia tras la pérdida de un niño en este estilo slice of life japonés con pequeños toques de ciencia ficción bastante clásico. No se puede decir más, es todo spoiler. Es preciosa, muy íntima, triste y cautivadora. Me ha tocado tanto la fibra sensible que me ha hecho llorar.

Puntuación: 5 de 5.

¿PARA QUIÉN ES CATARSIS?

Creo que esta es la sección de recomendaciones más difícil que he escrito y es por la cantidad de estilos que se reúnen en este tomo. En general supongo que vais a disfrutar esta compilación si os gustas las historias cotidianas pero con giros oscuros que exploran el lado más oscuro de la gente.

Cómo incomodar a la gente (y vivir de ello) por Kelly Sue DeConnick

Kelly Sue DeConnick es una de mis diosas. Escritora de tebeos como Bitch Planet o Bella Muerte, la admiración que siento por ella es inmensa. 

En 2015 dio esta pequeña ponencia de veinte minutos de título sugerente: cómo incomodar a la gente (y vivir de ello). Cuando terminé de escucharla bajé a la zona de comentarios de YouTube y quedé sencillamente horrorizada por la cantidad de mierda que encontré ahí.

Por un lado varios no parecieron entender lo que decía y por otro a muchos no parecía importarles.

Así que como el mensaje es muy interesante y me da mucha pena que haya quedado tan perdido, he decidido hacer una entrada de apreciación y quitar un poquito de la negatividad que se me ha quedado encima.

El principio de la charla es una pequeña introducción en la que habla de los tebeos como medio y de la separación que muchas personas hacen con la novela gráfica para intentar separar determinadas obras del cómic superheróico.

Yo no me voy a centrar en esa parte si no en los cinco pasos que da para ser incómoda y vivir de ello. No es una traducción (Kelly Sue es muy graciosa pero escrito no tendría chispa). Es simplemente una explicación de los puntos con un poco de interpretación personal sobre ellos. 

PASO UNO: GUÍATE POR EL CORAZÓN.

Escribir sobre aquello que es una verdad capital para nosotros. Lo que de verdad nos importa y nos define como personas.

PASO DOS: ENCUENTRA A TU GENTE.

Aunque a menudo nos sentimos aislados y, en contrapunto, especiales, siempre habrá más gente con una percepción del mundo similar a la nuestra. Es mucho más sencillo y fácil de llevar si encontramos a esas personas y hacemos el trabajo “de estar incómodos juntos”. 

Este aspecto nos llevará no solo a encontrar aquellos profesionales con los que trabajar, si no el público al que nuestras obras van dirigidas.

PASO TRES: FOMENTA LA COMUNIDAD.

Íntimamente relacionado con el anterior. Ser conscientes de a quién dirigimos nuestro trabajo y de esa conexión social.

No celebramos la creación del arte. El arte está al servicio de homenajearnos o criticarnos a nosotros. 

PASO CUATRO: ESCUCHA.

Escuchar y ser escuchado es un ejercicio liberador pero que  genera gran incomodidad. 

Aunque todo lo que hagamos estará teñido de subjetividad, debemos intentar trascender eso a través de prestar atención a los demás. 

PASO CINCO: DEBES BUSCAR INCOMODARTE A TI MISMO. 

Asumir que no eres una persona infalible. Que igual que incomodas para bien puedes incomodar para mal y, si quieres crecer como persona, debes escuchar para aprender de ello.

Al otro lado de la incomodidad está el crecimiento.

En este quinto punto cuenta una anécdota muy interesante. En la creación de las Banshees (un escuadrón de pilotos mujeres de la segunda guerra mundial que aparece en su recorrido de la Capitana Marvel) buscaba romper con la rigidez histórica y crear una trama que las celebre. Sin embargo, como uno de los personajes que sirvió de inspiración no aceptó en el escuadrón a mujeres negras, no representó a ninguna en el grupo. Ahora se siente profundamente avergonzada de ello, de cómo podía aceptar poner robots gigantes en su historia pero no fue capaz en ese momento de transgredir esa barrera a causa de sus privilegios. 

HACER LO CORRECTO NO ES UN ACTO PASIVO

Reseña: Suiiki (Yuki Urushibara)

Realismo mágico, precioso, dos tomos y si lo compráis en la web de Milky Way creo que os dan marcapáginas.

Suiiki es una historia sobre la familia y la tierra, sobre seguir adelante. Que nos habla de cómo, aunque a veces sintamos un enorme estancamiento vital, la corriente que es nuestra vida nunca puede ser detenida del todo.

Todo gira en torno al agua como metáfora del camino que recorremos y lo hace de una manera maravillosa.

Pero, además de lo metafórico, es una historia sobre niños, sobre amor, sobre juegos y destila una ternura que encoge el corazón. Yo terminé con un nudo en la garganta.

Durante las primeras páginas me resultó un poco confuso el quién es quién de los personajes, en especial porque las mujeres de la familia tienen todas unos rasgos muy similares. Es algo lógico y no es algo que me dificultase mucho la lectura, pero sí mi única pequeña molestia. Además se agradece ver a una familia de mujeres representadas con narices llamativas. No todas tenemos un botón diminuto en la cara.

Poco más os puedo decir porque es mejor ir sin saber mucho. Leedla si podéis. Si os gusta el realismo mágico/slice of life japonés os va a gustar. 

«Las cien noches de Hero» o la sororidad de Isabel Greenberg

Autora: Isabel Greenberg
Editorial: Impedimenta
Fecha de publicación original: 2017
Precio: 25’95€
Páginas: 224
ISBN: 978-84-17115-13-5

La historia y la ficción, cuando iban de la mano con los poderes imperantes, han sido sido uno de los peores enemigos de los oprimidos. A través de ellas se ha creado un discurso que nos excluía de la realidad aportando una excusa al famoso techo de cristal. 

Pero siempre hemos estado ahí, siempre hemos formado parte activa de las historias ficticias y reales y hemos dejado nuestra huella. La nueva ficción, la nueva crítica y la nueva historiografía van, poco a poco, dejando constancia de ello. No hay que olvidar que la mayoría de lo que conocemos es siempre la versión del bando que ganó pero el resto deja muy a menudo rastros imposibles de borrar. 

En la entrada anterior os hablaba de las mil y una noches. Una novela conocida por las historias de hombres que contiene pero con una maravillosa trama de lucha, hermandad y mujeres detrás. 

Pues bien, en las cien noches de Hero Isabel Greenberg hace merecida justicia a Scheherazade y su hermana Dunyazad. 

En este cómic conoceremos a las novias Hero y Cherry. Mientras la primera trabaja en teoría como dama de Cherry, la segunda está casada por obligación con un noble tonto al que hasta el momento han conseguido manipular para vivir su amor. 

Las cosas empeoran cuando su marido hace un pacto con otro noble. Se irá de viaje y si el huésped consigue seducir (o violar) a Cherry demostrará que todas las mujeres somos malvadas. Recogiendo el testigo de las mil y una noches nuestras protagonistas intentarán frenar al violador a través de historias.

En este caso todas son sobre mujeres. Algunas son mejores personas, otras peores, pero también con ello reivindica nuestro derecho a ser falibles. Ni ángeles ni demonios. Ni fuertes ni débiles. Y, sobre todo, parte de las historias que han formado el trasfondo de la humanidad. Además Greenberg deja clara constantemente la apreciación por su propia inteligencia que tienen Hero y Cherry. Normalmente las mujeres solemos tender a la modestia excesiva a la hora de expresar nuestros conocimientos, a recalcar una y otra vez que en realidad no sabemos mucho y a pedir perdón. Pero ellas no son así. Están orgullosas de ser las portadoras de todos esos cuentos y de su plan. Y, les vaya mejor o peor según el momento de la trama (por supuesto no voy a hacer spoilers) son conscientes de que si las cosas se tuercen no es su culpa. 

La historia se centra en dar visibilidad a las relaciones de sororidad a través de los lazos de sangre y amistad, pero encuentro maravilloso que justo en el caso de las protagonistas su relación sea de amor. Deja claro el detalle que tiende a pasarse por alto en la mayoría de resúmenes de la historia de Scheherezade. Que ella no hace las cosas por el rey Sahrir, que sus acciones van encaminadas a salvar a otras mujeres y con ello a sí misma y a su hermana. Que, aunque al final el rey se “redime” y se casa con ella, no se trata de demostrar su valor a ningún hombre.

Como aviso: Al principio hay una pequeña introducción que hila con la anterior obra de la autora, la enciclopedia de la tierra temprana. Eso no quita que sea un tomo conclusivo. Se entiende todo de manera perfecta. Pero quizá queráis leerlos en orden. 

La edición, a cargo de Impedimenta, es una preciosidad. Es cierto que pesa mucho y a mí (que tengo problemas de espalda) me resulta muy complicado leer esta clase de obras. Pero eso no es culpa de la editorial, que como digo ha hecho un trabajo magnífico. Por si tenéis curiosidad, en su página web hay una preview del primer capítulo (pinchad aquí). La única pega es que esta primera historia es justo el prólogo, en el que no salen Cherry ni Hero. Pero hace una explicación estupenda de la temática de la novela. Es una historia breve en sí misma. 

En cuanto a la traducción, de Unai Velasco, aunque no he hecho una comparativa, es de lectura ágil sin construcciones oracionales extrañas y agradable. Hubiera preferido, eso sí, una mujer. Pero no se puede tener todo en esta vida y respeto su trabajo. 

A continuación os dejo un vídeo del proceso creativo de Isabel Greenberg, en inglés. En sus últimas frases define el objetivo de la obra. Habla de las historias sobre mujeres, de cómo en los cuentos clásicos a menudo aparecen parejas de hermanas y cómo ella quería reflejarlo. Deja un mensaje final muy claro: luchar contra el patriarcado. 

Reseña: El Príncipe del Mar (Kaori Ozaki)

Autor: Kaori Ozaki
Editorial: Milky Way
Precio: 8€
Páginas: 224
ISBN: 978-84-945657-0-0

¿A qué autora leída en los últimos meses recomendaría de cara a las Navidades? Después de darle vueltas me di cuenta de que realmente lo tenía bastante claro: Kaori Ozaki.

Solo he tenido el placer de catar dos obras suyas, las dos conclusivas: Los dioses mienten y el príncipe del mar, ambas traídas a España por la excelente labor de Milky Way. Además de estos tomos también podéis encontrar, en la misma editorial, inmortal rain y The Golden Sheep.

¿Y con solo dos obras es para mí mi autora de las Navidades? pues sí, porque me han llegado muchísimo. Se trata de obras intimistas, con ese maravilloso “slice of life” que me encanta en la ficción japonesa.

Podéis ver en la portada la temática acuática y entiendo que eso os lleve más al verano que a esta época del año. Pero me parece una lectura navideña perfecta porque deja calor en el corazón. Así de ñoña os lo digo.

Si os vais a lanzar a por una, realmente me ha gustado más “los dioses mienten” pero he preferido hablaros de “el príncipe del mar” porque se adentra en el realismo mágico. Y, al fin y al cabo, este es un blog centrado en las obras de género.

“El Príncipe del Mar” es una compilación de tres relatos shojo.

El primero, “Ametsukigahara”, nos cuenta la historia de unos alumnos de instituto, una visión un tanto retorcida de la amistad, el buscar nuestro lugar en el mundo y la sexualidad juvenil. Este último punto me resultó un poco complejo porque lo sentí muy forzado en la protagonista.

Aún así tiene un final que me encantó y en el conjunto merece mucho la pena.

El segundo, “un día de nieve”, es brevísimo. Ozaki juega en él a contar pero no contar y le sale de vicio. Un pequeño placer del que es mejor no decir mucho más.

Y, por último, “El Príncipe del Mar”, que da nombre a la compilación. Tiene un diseño de sirenas que me encanta y no me quito de la cabeza. 

Os pongo una muestra muy pequeñita por no hacer spoiler, pero el dibujo es una delicia. Generan mucha intriga y son un telón de lujo a una historia sobre amistad, pérdida, duelo y la posibilidad de rehacer tu vida. Tiene un rico mundo simbólico y podría ser una película de Ghibli.

¡Poned una Kaori Ozaki en vuestra vida!

Reseña: El muerto enfermo de amor (Junji Ito)

Autor: Junji Ito
Editorial: ECC
Precio: 9’95€
Páginas: 248
ISBN: 978-84-16746-28-6

A Junji Ito el terror se le da genial y a mí me gustan los mangas breves ¿qué podía fallar?

Pues a priori el argumento. Un chico misterioso hace predicciones en cruces y a ellas acuden en especial las mujeres. Iba sin expectativas de nada, pero lo cogí de todas maneras por su autor.

Me ha sorprendido muchísimo para bien. Quizá ha sido por no esperar nada, no lo sé.

El dibujo, como podéis imaginar siempre con Ito, es inquietante y bien formado. La trama tarda un poco en arrancar pero tiene un gran final.

Aunque es una sola historia está conformada por pequeños arcos, diferentes historias conectadas entre sí en torno a este peligroso juego de los cruces. Este siniestro personaje que se aparece a los peticionarios es la excusa del autor para adentrarse en la obsesión y sus múltiples formas.

La más obvia es la del amor. Muchas niñas, sobre todo adolescentes, acuden al cruce para saber si serán correspondidas o no. Pero habla también sobre la decepción con la vida propia y la búsqueda de una respuesta que nos guíe hacia un nuevo camino.

Incluso cuando plantea un toque positivo a través del protagonista es marcado por una marcada locura obsesiva. No se puede escapar de esta emoción de ninguna manera.

Es una obra inteligente que, incluso si imaginas cuál será el giro final, es posible que te haga dudar de tus propias conclusiones como les pasa a los personajes dentro de la historia.

“El muerto enfermo de amor” guarda algunas equivalencias Tomie, una de las obras más famosas del autor. Si os gusta cómo está narrada esa historia es probable que os enganche esta.

La recomiendo a amantes del terror, de las historias de folklore japonés y, por supuesto a apasionados de Junji Ito.

Reseña: Aama (Frederik Peeters)

¿QUÉ ES AAMA?

Ciencia ficción Europea. Aunque trata varios temas científicos se centra en la repercusión humana.

Sus personajes son antihéroes en una situación desesperanzadora y la historia no intenta que les quieras.

Este es el tercer tebeo que leo de Peeters y de momento estoy encantada con este señor. Aunque en este blog solo os hablaré de sus obras de género, os aconsejo la autobiográfica Píldoras Azules: Es breve, maravillosa y muy esclarecedora sobre el VIH.

Consta de cuatro tomos, publicados por Astiberri bajo los títulos: 1. Olor a tierra caliente. 2. La multitud invisible. 3. El desierto de los espejos y 4.Serás maravillosa hija mía.

El argumento, según Astiberri: En un futuro lejano… Verloc Nim se despierta amnésico en medio de ninguna parte. Gracias a su diario, que le entrega un simio-robot llamado Churchill, puede sumergirse en su pasado. Verloc descubre que lleva una vida miserable, que ha perdido trabajo, familia y amigos desde que decidió vivir al margen de un mundo hipertecnológico, prescindiendo de implantes y modificaciones genéticas. Hasta que su hermano Conrad lo lleva a otro planeta para recuperar una misteriosa sustancia conocida como Aama.

¿CÓMO ES AAMA?

El aspecto y el tono son densos pero también tiene espacio para pequeños toques de comedia. Y es que yo empiezo a sospechar que este hombre es capaz de amenizar cualquier cosa.

Parte de su gracia narrativa es jugar a hacer un lío, así que tenéis que ir preparados para no entender algunas cosas hasta el final. Dejaos llevar.

No tiene grandes cliffhungers. El ritmo es más bien lento (o todo lo lento que permite el formato europeo) y pesado, pero es una técnica narrativa y no un impedimento. Sin necesidad de dejarte colgado en ningún momento existe el deseo constante de querer saber más. Buscar un por qué.

En cuanto al apartado gráfico, aunque está muy bien en general, voy a destacar el color de los exteriores, que es una delicia. Mis fotos no le hacen en absoluto justicia (me costó muchísimo sacarlas por el formato/la luz).

Sí le voy a sacar una pega y es que el último tomo me sobró un poco. La verdad es que me había quedado contenta con el final del tercero, se me hizo más satisfactorio.

¿PARA QUIÉN ES AAMA?

Amantes de la buena ciencia ficción, seguidores de Peeters y lectores de tebeo europeo (que deberíamos ser todos porque es genial). Gente que disfrute este ritmo narrativo. 

En resumen, muy muy recomendable. Incluso si no es lo que soléis leer y no se convierte en el tebeo de vuestra vida es probable que lo encontréis entretenido.

Dadle un tiento, venga. Tenéis las primeras páginas en la web de Astiberri.

“Mujeres en la nevera”, estereotipos femeninos

“Mujeres en la nevera” (en el original “Women in refrigerators”) es el término acuñado por la guionista Gail Simone para hablar de una plaga narrativa: los personajes femeninos que, abocados a todo tipo de sufrimiento, tienen como único papel en la historia dar motivación al protagonista masculino.

Su nombre procede de un número de Green Lantern (#54, que vio la luz en 1994 con el título Forced Entry) en el que Kyle Rayner llegaba a casa y encontraba el cadáver de Alexandra DeWitt, su novia, en la nevera.

En 1999, Simone creó una página web a la que subió una lista de personajes de tebeos que sufrieron el mismo destino que DeWitt en todas su variaciones posibles.

Además recogió las declaraciones de diversas personas del medio. Entre ellas, y como curiosidad, podéis encontrar a un recién entrado a la industria Geoff Johns, actual peso pesado de DC y famoso guionista a posteriori de Green Lantern.

La denuncia original se centraba en lo siguiente: si no hay mujeres relevantes en el cómic no van a sentirse bienvenidas al medio. 

Aunque el movimiento surgió en torno al mundo del tebeo superheróico, es algo que se remonta muy atrás, a todos los tipos de narrativa. Además podéis observarlo de manera específica en la épica y romance medievales, de los que el mundo de los tebeos de supers ha bebido muchísimo. En ellos, por lo general, las mujeres éramos solo un recipiente para los ideales y contra ideales en los que se fundamenta la caballería y servíamos como cualquier otro objeto motivacional que moviese la historia.

En el texto Morte Darthur de Malory, por ejemplo, podéis ver al Rey Arturo diciendo que lo que más le duele de la marcha de la reina Ginebra con Lancelot no es la pérdida de su reina, sino la ruptura de la camaradería en la mesa redonda.

Much more I am sorrier for my good knights’ loss than for the loss of my fair queen; for queens I might have enough, but such a fellowship of good knights shall never be together in no company. And know I dare say there was never Christian king that ever held such a fellowship together. And alas, that ever sir Lancelot and I should be at debate.

Norton Anthology 446

Es importante recalcar además que el problema de este tópico es, en gran medida, lo extendido que está. Y cómo no es visto como algo nocivo. Vivimos en una sociedad muy marcada por la idea cristiana de que el sufrimiento dignifica y, por lo tanto ¿qué problema podrían tener estos personajes femeninos? Además, en el mundo de las viñetas, se asentó en especial en una época en que para renovar el género se intentó dar un enfoque más “realista” y “crudo” con historias como “la Broma Asesina”.

Por otro lado, aunque siempre se piensa en historias como la de la propia Bárbara Gordon, el medio no era precisamente ajeno a este fenómeno en sus inicios. En este caso el ejemplo es un personaje muy icónico y con un gran recorrido, Gwen Stacy.

Algunas personas han peleado la existencia de este tópico diciendo que también pasa con personajes masculinos. En general suele salir en conversación la muerte del segundo Robin. Sin embargo las diferencias son claras: Jason Todd murió como un héroe, formando parte de su propia historia. Aunque es algo mucho más profundo podemos ir a lo directo. DeWitt apareció en la grapa 48 y murió en la 54.

Volvemos a la actualidad ¿qué está pasando ahora con los personajes femeninos? Sin duda hemos mejorado bastante pero ¿cuánto? 

A nivel personal siento que en los tebeos es ahora más atípico. En otros tipos de narrativa la afluencia sigue siendo más o menos la misma. Para muestra, las dos Marthas de mi, por otra parte, adorada Batman V Superman.

¿Qué pensáis vosotres? ¿conocéis “mujeres en la nevera” en la actualidad?

Reseña: Clean Room (Gail Simone)

¿QUÉ ES CLEAN ROOM?

Es un tebeo de terror y ciencia ficción para adultos. Escrito por la maravillosa Gail Simone, contó con dos artistas a los lápices: Davis-Hunt hasta la grapa número trece y Geovain a partir de entonces. A los colores Winter y, con el control sobre las portadas y su tan distintivo rosa, Jenny Frison.

En él seguimos la historia de la gurú Astrid Muller, cabeza de una organización de autoayuda similar a la cienciología y de Chloe Pierce, una periodista. Su prometido se suicidó mientras investigaba a Astrid y Chloe quiere descubrir por qué.

Son un total de 18 grapas ya compiladas en tres volúmenes. Aunque está concluido parece un primer gran arco. Podéis encontrarlo en Amazon en físico o en Comixology, pero no está en español de momento.

¿CÓMO ES CLEAN ROOM?

Cuando digo que es para adultos lo digo en serio. Tiene escenas bastante desagradables y una viñeta en concreto, hacia el final, que no daba asco pero se me clavó en la retina para siempre. Si no podéis con algo explícito desde luego no os lo recomendaría.

Tanto los dibujos como el color sostienen muy bien el tebeo. Pero, en lo personal, algunas de mis ilustraciones favoritas pertenecen a las portadas de Frison.

La historia está muy bien montada y consigue crear una tensión e interés que hace difícil despegarse de las páginas. Hacia la mitad de la colección desvelan el misterio principal y la trama se centra en cómo se resolverá, cosa que en principio me hizo dudar si sería capaz de mantener el ritmo. Sin embargo siguió siendo frenético.

Mi mayor pega es que la última grapa la he sentido precipitada. No es que el final no me resulte satisfactorio, pero es como si entre medias aquí y allá hubieran faltado pequeños trocitos que crearan cohesión en el cierre de los personajes.

Por momentos, además, puede volverse un poco caótico. No os desaniméis si a veces sentís que no entendéis mucho, dejaos llevar porque las respuestas llegan.

En cuanto a los personajes la mayoría son muy carismáticos. Mención especial merece Astrid, de la que no puedo decir mucho para no destripar. Otro punto a su favor es que cuenta con bastante diversidad.

Clean Room ahonda sobre todo en las repercusiones del conocimiento y en la pérdida de la inocencia, digamos infantil, que puede producirse a cualquier edad. Es necesario saberlo todo pero, cuando empezamos a desentrañar los misterios del universo ¿en quién nos vamos convirtiendo?

Después lleva este tramo al siguiente paso ¿si tienes un conocimiento que podría llevar a alguien a suicidarse, debes compartirlo con todos? ¿y si no es con todos, con quiénes? ¿es legítimo manipular a la gente cuando crees que es por el bien mayor?

Nos sumerge además en el mundo de las relaciones, en muchos tipos de ellas. En la amistad y en el amor en momentos límite y personas que se sienten rotas. Explota también la definición de “monstruo” de una manera brillante.

¿PARA QUIÉN ES CLEAN ROOM?

Amantes del terror, lo paranormal, sin sensibilidades estomacales y con curiosidad sobre la psyche humana. Gente que busque diversidad y buenos personajes femeninos en una historia consistente.

Fans del rosa de las portadas. En serio, miradlas.