Reseña: moriré besando a Simon Snow (Rainbow Rowell)

¿QUÉ ES MORIRÉ BESANDO A SIMON SNOW?

En 2013 se publicaba Fangirl, una novela de Rainbow Rowell que seguía la historia de Cath y su amor por las novelas de Simon Snow mientras esperaba el lanzamiento del final de la saga. Dos años después, en 2015, veía la luz fuera del mundo ficticio bajo el nombre moriré besando a Simon Snow (o, en inglés, Carry On).

Aunque Fangirl fuese el germen de esta no es necesario leer una para entender la otra. Son historias diferentes, de géneros diferentes, y Simon Snow no rompe la cuarta pared. No es un libro dentro de un libro. Cuenta solo ese supuesto final de saga y dentro del mismo libro se nos da contexto para todo lo anterior. Yo de hecho no he leído Fangirl y no me llama nada.

¿Y de qué trata en concreto moriré besando a Simon Snow entonces?

Simon Snow es el mago más poderoso del mundo, tiene diecisiete años y es el Elegido, el único que puede salvar su mundo.

La verdad: Simon es el peor Elegido que nadie podría haber elegido.

Al menos eso es lo que dice Baz, su némesis. Y Baz será malvado y un vampiro y gilipollas, pero aquí tiene razón. La mayor parte del tiempo, Simon ni siquiera puede controlar su magia, ¿y tiene que salvar el mundo?

¿CÓMO ES MORIRÉ BESANDO A SIMON SNOW?

Esto va a en terminar en llamas.

Lo más importante que hay que saber antes de empezar a leer moriré besando a Simon Snow es que parodia Harry Potter. No es la única obra que bebe, es un juego de referencias constante que pasa desde el señor de los anillos a Crepúsculo con música de Queen, pero sí es la que más importa a la hora de definirlo.

De manera más específica el sentimiento que genera esta novela por estructura, personajes y ambientación es la de ser un fanfic de Harry Potter.

Ya mencioné esto antes hablando de Crepúsculo pero fanfics hay de todos los tipos y para todos. No hay un estilo definido. Lo que sí hay es un gusto bastante extendido por poner a personajes en escenas mucho más cotidianas, con menos acción y hacerles hablar, tener momentos familiares, miradas, dos personas y una sola cama…

Ese es el tipo de novela de la que estamos hablando.

Desde la primera persona, que no se ciñe a un solo personaje, Rowell nos lleva a una historia tragicómica. Navega genial el tropo del niño mago y se baña en sus desgracias desde un tono de humor con el que pone en perspectiva los elementos más contradictorios y problemáticos de la obra de Rowling.

Quiero destacar que la autora no pretende solucionar Harry Potter. Es más bien poner otra lente sobre cosas que ya sabemos. Además en el proceso se mete a sí misma en varios berenjenales también y, para mi gusto, termina con un relativismo moral que deja con mal sabor de boca. De nuevo, esto es una visión por completo personal, Rowell nunca dice esto es lo que está bien o lo que está mal, pero mi análisis es que intentando transgredir y cruzar algunas líneas patina.

Pero, como decía, en su esencia tiene una intención mucho menos épica y más casera. De lo que trata moriré besando a Simon Snow, como os podéis imaginar por el título, es de una historia de amor que sigue el planteamiento de enemigos a amantes y nos da dos protagonistas que quizá por separado no brillan tanto pero que juntos son una explosión.

Simon y Baz son dos estudiantes de una escuela de hechicería-que-no-es-Hogwarts y que serían un reflejo de Harry y Draco. Simon es de familia pobre, vive en hogares de acogida de gente no mágica, es un elegido con un control regular de sus poderes, está semi adoptado por un-señor-que-no-es-Dumbledore y comparte habitación durante el período escolar con Baz. Este por su parte es un vampiro, o no, su familia es rica y poderosa, él es mezquino y además un abusón.

Os cuento, es raro que yo entre a un juego de enemigos a amantes cuando uno de ellos es un bully. Sin embargo Simon y Baz me funcionan a la perfección. No sabría decir por qué. Quizá porque sabemos que ha realizado acciones horribles pero son del pasado y no le vemos hacerlas en su mayoría, quizá porque sus capítulos me parecen soberbios o por la manera en la que se enfrenta a sí mismo. Pero compro lo que me da Rowell.

Si sois lectores de fics estaréis habituados al sistema de etiquetas y los tropos más famosos de los cuales ya he mencionado varios. Hay muchos y más o menos todos funcionan bien aunque hay uno con el que tengo una pequeña queja.

Y es que la siguiente que hay que destacar es que esto es un slow burn o, en otras palabras, proceso leeeeento hasta que terminan juntos. Quizá no es culpa de la autora y es que esto me suele funcionar mucho mejor en fics que en novelas pero el principio de moriré besando a Simon Snow me parece demasiado lento.

Lo único a parte de esto que he leído de Rowell son un par de capítulos de su etapa en el cómic The Runnaways pero su estilo parece el de poner todo el peso en crear grandes anticipaciones. La novela no te sorprende y lo que estás viviendo es un aumento de la carga que genera expectativas de cara a su explosión. Baz tarda mucho, demasiado, en salir. Y a partir de cierto punto la carga acumulada en Simon se me hace repetitiva.

La presentación de Baz, sin embargo, hace que merezca la pena haber aguantado.

Por otro lado esta es, como os podéis imaginar, una novela con más personajes. La verdad es que para mí ningún otro destaca. Con algunos, si hablásemos de spoilers, podríamos entrar en una larga conversación sobre el planteamiento moral y social de moriré besando a Simon Snow pero por sí mismos no son gran cosa. Demasiado estereotipados para eso. Pero claro, esa es la gracia.

Sin embargo hay otro personaje que sí me llamó la atención en un sentido negativo. Cuando empieza la novela Simon tiene una novia, Agatha, que parece romper la burla simpática del tópico para pasar a ser ridiculizada. No me gusta, no me divierte y creo que es el momento en el que mi sentido del humor choca con el de Rowell.

También quiero hablar un poco de la construcción del mundo. Al margen de los paralelos no tiene mucho destacable, sucede también en Inglaterra, no sabemos una barbaridad de la nueva versión de Hogwarts y está bien, es lo que busca. Lo que sí es diferente y me encanta es el sistema mágico. Los hechizos surgen del poder que le damos al lenguaje y los protagonistas tienen que buscar canciones, poemas o frases hechas para aplicar a las situaciones en las que se encuentran.

No es novedoso pero se siente como la broma máxima del mundo de referencias que plantea. Además destacar, con la historia que cuenta, que el nombre que le damos a las cosas importa es una buena guinda al pastel.

La broma cruel es que Simon huele como el humo

Para terminar quiero hablar un poco de la edición. Yo lo he leído en inglés así que no puedo comentar la traducción pero sí quiero entrar en las portadas. La versión española utiliza la portada de 2015 y a mí no me gusta nada. No la ilustración, que me parece bastante interesante, si no la elección a la hora de poner el título y el nombre de la autora. En general no me gusta cuando ponen el nombre del libro más pequeño que el del escritor pero en esta entre el color, la posición y la recomendación de Green me molesta.

En inglés se publicó en 2017 otra portada que, aunque también destaca el nombre de la autora tiene un tamaño y composición que me resultan mucho más armoniosos. La ilustración de Kevin Wada, que es con la que empieza esta reseña, es una delicia.

Parece que la continuación, Rebelde, ha sido publicada siguiendo esta otra línea.

¿PARA QUIÉN ES MORIRÉ BESANDO A SIMON SNOW?

Creo que este libro solo os va a gustar si disfrutáis analizando qué funciona mal en otras obras y por qué eso puede ser gracioso y el fanfiction. Sea como sea es un buen romance adolescente y ya solo con eso puede atraeros.

Puntuación: 4 de 5.
  • Autora: Rainbow Rowell
  • Título original: Carry On
  • Año de publicación original: 2015
  • Editorial: Alfaguara
  • Páginas: 544
  • Saga: Simon Snow 1/3
  • Género: fantasía/paranormal/romance
  • ISBN: 978-8420483948
  • Precio: 17’95€

Reseña: la búsqueda del asesino (Robin Hobb)

  • Autora: Robin Hobb
  • Título: Assassin’s Quest
  • Editorial: DeBolsillo
  • Fecha de publicación original: 1997
  • Precio: 12’95€
  • Páginas: 832
  • ISBN: 978-8490623022
  • Traducción: Manuel de los Reyes
  • Colección: trilogía del Vatídico (3/3)
  • Género: fantasía épica

Como siempre con las sagas recordad que es imposible que no haya spoilers de las entregas anteriores.

¿QUÉ ES LA BÚSQUEDA DEL ASESINO?

La tercera y última entrega de la saga del Vatídico, trilogía con la que comienza el universo The Realm of the Elderlings y por tanto continuación de la historia de Traspié Hidalgo.

El rey Artimañas ha muerto a manos de su hijo Regio, al igual que Traspié… O al menos eso creen amigos y enemigos por igual. Pero con la ayuda de sus aliados y de la magia de las bestias emerge de la tumba, profundamente herido en cuerpo y alma. También el reino se tambalea al borde del desastre: Regio ha saqueado y abandonado la capital, en tanto el legítimo heredero, el príncipe Veraz, continúa perdido en una disparatada búsqueda que podría depararle la muerte. Sólo su regreso, o el heredero que lleva la princesa en su vientre, pueden salvar los Seis Ducados.

¿CÓMO ES LA BÚSQUEDA DEL ASESINO?

Aviso: Como mi edición es inglés las frases que he destacado las he traducido yo. Estoy segura de que Manuel de los Reyes lo hizo mucho mejor.

Para llegar aquí hemos leído dos libros que ponían la vida de Fitz siempre en un patrón constante. Todo empieza con algo dramático que da paso a un sentimiento de normalidad dentro de la tragedia y que siempre termina rompiéndose. Así crea un efecto de bola de nieve que desemboca en unas últimas cien páginas de vértigo en las que la autora te quita la venda de los ojos y te dice nada puede ser normal después de eso y nada era normal antes. Simplemente seguimos viviendo.

El paso entre asesino real y la búsqueda del asesino supone la ruptura más absoluta que se puede hacer con el status quo y, habiendo visto el patrón antes y cómo pudo saltarlo del primer al segundo libro, tenía mucha curiosidad por saber si aquí haría algo parecido.

La respuesta es no. La estructura de este volumen de tamaño considerable (832 páginas) es diferente a todo lo anterior y lleva a Traspié al siguiente paso en su relación con su familia, amigos y poderes.

O quizá no es tan diferente.

Si Veraz Vatídico vive, es el verdadero rey de los Seis Ducados.

Veréis, habar de la búsqueda del asesino es hacer una lista de opuestos o de casi opuestos. Es un libro lento en el que siempre están pasando muchas cosas. A veces parece que no tiene mucha acción y es lo que le da el tono pausado pero tiene acción a raudales. La historia se centra más que nunca en Traspié pero este es el colofón a una saga que demuestra que Traspié no puede ser el protagonista de la acción que genera. No salen mucho otros personajes pero hay muchos personajes nuevos y sabemos qué pasa con todos los anteriores.

Y, para mí, el opuesto definitivo: su definición es todo lo que no me gusta en un libro pero he amado cada página.

Pescar y arrascar orejas. Los dos motivos por los que a los humanos se les dieron manos.

Es cierto que me ha gustado menos que asesino real y que tengo algunas quejas pero es un cierre magnífico para una trilogía maravillosa. Robin Hobb ha conseguido algo que no me suele pasar y es dejarme satisfecha con las últimas páginas. Creo que en eso es en lo que resulta más difícil comprarme como lectora.

Hay tantas cosas que decir de esta novela que los pensamientos se me acumulan en la cabeza, es difícil dejarlos salir y darle orden a esta reseña. Qué obra tan compleja detrás de una apariencia sencilla y clásica. Qué de sorpresas y de momentos icónicos.

Hablando de asesino real comentaba que sé que mucha gente nunca llega a querer a Traspié como personaje pero disfrutaban todo lo demás. Creo que para los lectores que avanzasen con ese sentimiento esta puede ser una novela muy frustrante. Vaya, yo adoro al chico y aún así he sentido fuertes deseos de zarandearle cada segundo de lectura en un camino que solo ha sido cada vez peor. Pero en esto veo una parte fundamental del genio de Hobb.

Una vez que has envenenado a un hombre de paso puedes robarle, reflexioné.

Traspié evoluciona y mucho pero sigue siendo siempre Traspié. A mí me irrita bastante cuando en un libro un personaje que creías que había cambiado de pronto vuelve a hacer alguna de sus acciones típicas del principio como si eso fuese un giro. Traspié es así todo el rato pero con una lógica interna brillante. Al final todo se reduce a que esta autora hace que muchas cosas no me molesten y es maravillosa, lo sé. Pero es así.

Si fuera posible perder la conciencia cuando se está dormido, creo que me habría pasado.

Creo que tiene mucho que ver con los personajes secundarios y la forma en la que todos perciben al protagonista en contra de sus propios pensamientos y narración en primera persona. Además parte de la fidelidad y carisma de Ojos de Noche se pegan y cada vez que la frase somos manada aparece no podía evitar sentirme de verdad parte de ese equipo.

Ay, Ojos de Noche. Qué personajazo. Esta última entrega ha sido menos graciosa que la anterior, el tono no era el mismo, pero sus escenas y las del Bufón tienen momentos de pura carcajada. Entre tantísima tensión se agradece mucho.

La búsqueda del asesino es un título perfecto para esta novela. Primero porque es una narrativa de viaje (el grueso del libro trata de Traspié intentando llegar a destino, aunque ese destino cambia) y segundo porque la sensación de búsqueda metafórica es siempre inmensa.

Esta es una saga sobre familia. Familia de sangre y encontrada, ambos términos en poca paz y con mucho dolor. La de sangre es la fuente de casi todos los problemas de Traspié y la encontrada es a la que descuida y malinterpreta para poder mantener su relación con la primera y de paso su cordura. En esta dicotomía destacan muchísimo los personajes anteriores y tiene algunos momentos tan emotivos que me hacen un nudo en la garganta en cuanto los recuerdo.

Querrías que me entregase a mi rey y que sacrificase todo lo demás por él, como hiciste tú.

Pero la familia de sangre no se queda corta. Veraz y Chade son de lo mejor desde la primera y las tensiones que destapa esta novela me han destrozado el corazón. Este libro es una de esas pruebas sobre que un personaje no necesita salir mucho para ser un favorito de los fans. Además la trama cierra un círculo, no puedo decir cual, que es la vuelta de tuerca última y un elemento soberbio.

Nuestro protagonista intenta siempre encontrar su lugar entre ambas y en esta novela, como es habitual, vamos a verle fallar constantemente, a sentirse incómodo y a seguir sin entenderse a sí mismo. De una adolescencia en la que cada vez confiaba más en sus habilidades pasamos a un Traspié sin los mismos recursos, que lleva las cicatrices y heridas como un mapa en la piel y que está más perdido que nunca.

Estaba bastante cansado de que me golpeasen, pero parecía la única cosa que se me daba bien últimamente.

Para complicarlo aún más esta entrega tiene personajes nuevos que van a chocar de manera frontal con las concepciones de Traspié. La que más destaca es Starling y tengo muchas ganas de que conozcáis a ese personaje. No porque me guste, de hecho creo que Robin Hobb tiene un serio problema con las mujeres que se lanzan al cuello de Traspié, si no porque las decisiones que toma y sus repercusiones crean algunos de los mejores momentos de la saga.

Y entrando en este tema, por supuesto, hay que hablar de las mujeres. Paciencia no sale apenas pero lo que sabemos que está pasando en su vida es la guinda del pastel de un personaje perfecto. Dentro de unos años, cuando haya ido olvidando mucho de la búsqueda del asesino, sé que a ella la voy a recordar al dedillo. La manera en la que trata esta autora la posición entre bambalinas de sus personajes femeninos en el falso medievo es una de sus características más llamativas.

Por contra está Molly. Que si bien entiendo la importancia y el papel sigue sin parecerme a la altura de la construcción del resto de personajes. Además toma una decisión con ella que, aunque de nuevo me parece comprensible en las circunstancias, me hizo sentir incómoda.

En el terreno de los enemigos tenemos un Regio que es uno de los seres más odiosos de la épica. Normalmente aprecio a los malos inteligentes de planes elaborados y muchos claroscuros pero también tengo un espacio para este tipo de personajes retorcidos e ineptos. Este tipo de personas existen, es cierto que llegan al poder (bastante a menudo, de hecho) y aprecio la manera en la que Hobb distingue la moralidad entre diferentes acciones objetivamente malas.

Aún así reconozco que en el paso de la anterior novela a esta un poco del misticismo de la Habilidad se ha perdido y vais a encontrar que las reglas mágicas que enfrentan a Traspié con el resto de sus enemigos se vuelven un poco aleatorias y convenientes.

En cualquier caso, por encima de todo, cuando hablamos de personajes en la búsqueda del asesino hablamos de una serie de personas con el potencial de adorarse pero que se sienten heridas y solas y no saben cómo tratarse entre ellas. Y esto sirve también para las rivalidades y los odios y sirve bien.

Siento lástima por vosotros una vez que la vieja alcance la manada. Tiene un palo.

Con esto quería cerrar el hablar de personajes aunque queden varios en el candelero como Burrich, que tiene algún momento emotivo precioso pero en los que no quiero entrar para evitar spoilers. Pero no puedo resistirme a volver a Ojos de Noche y el Bufón.

Ojos de Noche me ha hecho llorar de emoción. Un sentimiento parecido al de cuando Heidi se reencuentra con el abuelito. Puro amor, pura belleza. Mi tropo favorito es el de familia encontrada y con este personaje me encontré buscando en Google la esperanza de vida de los lobos.

Y el Bufón, esa exploración del género y la lealtad. Madre mía. Algunas cosas podrían haber sido mejores quizá, esto se publicó en el 97, pero esta mujer es una pionera, una creadora de caminos y una creadora de personajes memorables. Este personaje nada entre lo más épico y una fragilidad y ternura que nunca me parecen despectivas. Una creación de base muy Shakespeariana que nunca abandona su extrañeza incluso cuando se nos explica más sobre él. No tiene ninguna aparición por debajo de sobresaliente.

—(…)Veo que no me queda otra opción.

—¿Les verás entonces? (…)

—Por supuesto que no. Me refiero a que voy a mentirles.

Ahora sí, paso al final.

Os vais a encontrar un final anticlimático. Esto es así. Todo parece pasar muy rápido aunque a la vez sea muy lento, los sacrificios son extraños, las explicaciones confusas y para mí no muy satisfactorias. Si en la anterior ya me había enganchado al misterio en este el misterio me dejó durante los primeros segundos decepcionada.

Cuando me repuse y tomé algo de distancia de la obra lo entendí mejor. No el concepto, no es algo profundo o elaborado que requiera darle vueltas, si no el juego. Al final me he sentido satisfecha sobre todo por la manera en la que lo ata con las últimas páginas, la rueda en la que se convierte. Como os decía arriba los finales de saga es el momento en el que suelo defraudarme pero en este Hobb consiguió ganarme.

Y repito, las escenas finales son una obra maestra.

Puntuación: 5 de 5.

Entradas anteriores de la trilogía Vatídico:

Aprendiz de asesino (Robin Hobb) Trilogía del Vatídico 1/3

Asesino real (Robin Hobb) Trilogía del Vatídico 2/3

Reseña: Gyo (Junji Ito)

  • Autor: Junji Ito
  • Traducción: Marc Bernabé
  • ISBN: 978-84-18931-57-4
  • Fecha original de publicación: 2001/2002
  • Editorial: ECC
  • Páginas: 400
  • Precio: 22,95€
  • Género: terror

¿QUÉ ES GYO?

Kaori y Tadashi están de vacaciones en Okinawa cuando empiezan los incidentes con los peces. A partir de aquí entramos en un catálogo de cosas extrañas que no dejan indiferente.

Este manga apareció por primera vez en 2001 en la revista semanal Big Comic Spirits y fue después compilado por la revista Shogakukan. Para los que no se lleven bien con este formato también hay anime, aunque desconozco la calidad del mismo.

¿CÓMO ES GYO?

Perturbador. Esa es la palabra más importante que puedo transmitiros.

Gyo es un manga difícil de recomendar. A menudo se regodea en lo absurdo, los personajes no se hacen simpáticos, la trama no tiene demasiado sentido ni tiene giros espectaculares y el final me pareció bastante extraño.

Pero mirad la portada. Mirad ese pez inquietante, la tipografía sobre el ojo, la boca abierta, la pata, la baba. Hay algo en lo profundamente desconcertante que es la imaginería de esta historia que apela a muchos lectores como yo. Desde el principio necesitaba saber qué estaba pasando y lo cierto es que, aunque la explicación como tal no me parece satisfactoria, a la vez eso no ha disminuido lo apasionante del viaje.

La trama se sostiene con la imaginación para el horror de Ito, el dibujo salido de pesadillas especialmente incómodas. Este manga está repleto de un sentimiento onírico que se produce al ver la realidad manipulada de maneras imposibles pero que resultan siempre cercanas a imágenes que conocemos. Hace que me duela un poco el cerebro.

Lo desagradable permea casi cada página. Tiene una pequeña introducción, un breve planteamiento del misterio en el que los sucesos aún van un poco espaciados, pero enseguida empieza a darse un aire con un cuadro del Bosco. Mires a donde mires aparece algo fuera de lugar, algo que no debería ser así.

A mí el despliegue gráfico me ha compensado totalmente la falta de dirección de la historia. Hasta el punto en el que aunque parece solo una excusa para meter varias imágenes que tenía en mente, me da igual. Me funciona. Hace un buen ciclo, no me aburrió en ningún momento, no me faltó nada.

Además siento debilidad por las obras que apelan a varios sentidos y el autor japonés hace de Gyo una lectura horrorosa por lo bien conseguido que está el olfato.

En su entrevista con Mira Bai Winsby para la 78 Magazine Ito declaró que se había inspirado en Tiburón para el cómic, tomando la decisión de sacar a los tiburones del mar. Creo que esa es una imagen mental con la que merece la pena quedarse.

Con esto cierro la parte que habla de la historia (de los dos relatos que se publican con Gyo hablaremos otro día) y paso a comentar un poco la edición.

En España la editorial es ECC y Gyo sufre, como está pasando con muchísimos cómics, de un encarecimiento impresionante. Primero apareció como dos tomos de 7’95 cada uno. Después llegó en 2019 la integral, que repetiría en 2020, y que estaba a 16’95. En 2021 pasó a costar 22’95.

No sé lo suficiente del mundo editorial para hablar de los por qué detrás de esto pero sí conozco lo suficiente del bolsillo medio como para saber que tiene un coste inasumible para una gran cantidad de lectores. Este es el punto en el que se vuelve más difícil recomendar esta obra. En lo personal, me lo han prestado. Estas colecciones de manga están lejísimos de mi presupuesto. Si sois de Madrid está en bibliotecas de Móstoles o Fuenlabrada y si sois de otras zonas de la Comunidad creo que podéis pedirlo con el préstamo interbibliotecario.

Lo positivo es que a mí el formato me gusta bastante, se me hace cómodo y este no es un integral inmenso difícil de leer. Se queda en unas más que manejables 400 páginas.

La edición en inglés, de VIZ, tiene un precio muy similar en dólares aunque en este caso es en tapas duras. Os la menciono también porque, aunque no he mirado las medidas de ambas, en estética sigue el formato que usó Planeta para Uzumaki.

Por otro lado la web de ECC no pone a los traductores pero aquí el trabajo lo hizo Marc Bernabé. A mí me ha gustado y creo que este es un trabajo, también en la parte de su maquetación, que debe ser bastante raro y difícil.

Puntuación: 4.5 de 5.

¿PARA QUIÉN ES GYO?

Si habéis leído otras cosas de Ito y os han gustado os recomiendo mucho que le echéis un ojo. También si disfrutáis el terror con horror corporal e imágenes pesadillescas esta puede ser vuestra obra. Sin embargo, si no habéis leído antes a este autor japonés, este no es el lugar por el que yo empezaría. Alguna de sus compilaciones de relatos o la propia Uzumaki pueden ser apuestas más seguras.

Reseña: Estelar (Brandon Sanderson)

  • Autor: Brandon Sanderson
  • Traductor: Manu Viciano
  • Editorial: Nova
  • Publicación en inglés: 26/11/2019
  • Páginas: 464
  • Precio: 19’90 (e-book 6’99)
  • ISBN: 978-8417347741
  • Colección: escuadrón 2/4

Como con todas las segundas partes os recomiendo que no leáis la reseña sin haber leído antes el primero, escuadrón, del que tenéis mi reseña aquí.

¿QUÉ ES ESTELAR?

El segundo número de la saga de cuatro que, junto a algunas novelas cortas, conforma la saga juvenil de Brandon Sanderson sobre la piloto Spensa y sus compañeros. En lugar de formar parte del Cosmere, el universo compartido de la mayor parte de historias adultas de Sanderson, forma parte del llamado Cytoverso.

Son parte de ese grupo: estos cuatro libros, las novelas cortas Sunreach y ReDawn y el relato Defending Elysium.

Según la editorial:

Este es el segundo libro de una serie épica sobre una chica que guarda un secreto en un peligroso mundo en guerra por el futuro de la humanidad. En él continúan las aventuras de Spensa Nightshade, la joven piloto que ha conseguido un puesto en el escuadrón de defensa de la humanidad contra los ataques alienígenas.

En realidad, ella siempre quiso ser piloto: poder probar que es una heroína, como su padre. Y aunque llegó a lo más alto, los secretos que desenmascaró sobre su padre fueron aplastantes.

Los rumores sobre su cobardía resultaron ciertos. Abandonó su vuelo durante la batalla contra los Krell. Peor aún… se volvió contra su equipo y los atacó. Sin embargo, Spensa está segura de que hay aún más por descubrir en esa historia. Y, si es necesario, viajará hasta el fin de la galaxia para salvar a la humanidad.

¿CÓMO ES ESTELAR?

Aunque es una secuela directa de escuadrón es muy diferente a su predecesor. Por supuesto no voy a decir por qué, sería un spoiler, pero este es un detalle importante para que no os llevéis una decepción como la mía. Y aquí un inciso. He leído bastantes burlas a las reseñas que dicen es una decepción porque esperaba… aduciendo que no es una crítica válida.

Claro que es una crítica válida.

Si el anterior como en este caso o el marketing te dan a entender una cosa y luego te encuentras otra puedes llevarte un chasco. Y, como las opiniones son subjetivas, lo vas a reflejar en tu reseña. Aquí no estamos para pontificar si no para hablar y debatir.

Sigamos. El caso es que estelar tiene mis cinco estrellas de Goodreads, aunque afinaría más en 4’5, pero lo que yo quería en base a escuadrón y lo que Sanderson me dio son dos cosas completamente diferentes. Si antes teníamos Top Gun en el espacio con nave cínica ahora tenemos una peli de espías muy peculiar.

Si leísteis mi reseña de escuadrón comentaba ahí que lo mejor eran sus personajes. Pues bien, el autor toma la arriesgada decisión de solucionar la mayoría de los cliffhangers que dejó en este apartado con una o dos frases y se lanza de cabeza y sin frenos en otra dirección.

Escuadrón brillaba en su apartado humano y estelar brilla en su apartado épico.

Esto no quiere decir que los personajes sean malos, de hecho hay algunas cosas muy llamativas y aportaciones en diversidad bastante interesantes en especial en Sanderson, pero sí que siento desandado una parte del viaje. También es cierto que quizá tenía las manos un poco atadas porque, aunque con un misterio muy grande como cierre, el primero acaba de una manera tan redonda que continuarlo sin más habría podido ser redundante. Ya sabéis, hay que tener cuidado con lo que se desea.

Parte de a lo que se enfrenta con estelar es a una narrativa tan inmensa que se vuelve, para mí, demasiado en algunas ocasiones. Aprecio mucho su saber hacer en que esos momentos son breves y la construcción del mundo es en general apasionante. No obstante nada de eso quita que también me he sentido abrumada.

Creo que una de las cosas más interesantes siendo lector habitual de Sanderson está siendo ver su evolución en el trato de temas políticos y sociales. Si habéis seguido su carrera sabréis que es mormón, que su religión es claramente de gran importancia para él y que ha tendido a mantenerse al margen de polémicas. Incluso cuando estas han ido dirigidas contra él. A la vez en lo literario ha hecho una gran evolución en los temas y personajes que escribe y ha ido introduciendo diversidad en los medios en los que aparece, como su podcast. Pero esto siempre con matices como no aparecer él en determinados programas.

En estelar tenemos a una protagonista que se enfrenta a muchos de sus prejuicios, a enormes diferencias sociales. Sanderson lo aprovecha para hacer una exploración social profunda que además es un reto también para su escritura, incluyendo varios personajes agénero. A veces siento que hay mucho del autor en Spensa y en su descubrimiento y aceptación de otras personas que chocan con sus creencias.

Es posible que veáis esta evolución insuficiente o forzada. Me parecería muy comprensible. En lo personal, a mí me está haciendo bastante feliz.

Otra cosa de la que os hablaba en la reseña de escuadrón es de la versatilidad de Sanderson. En estelar me ha sorprendido todavía más. Si hubiera leído el Arcanum antes ya lo sabría pero, como no fue ese mi orden de lectura, no descubrí hasta este momento que si quisiese escribir terror escribiría muy buen terror. Hay un par de cosas en este libro y en concreto una secuencia que me parecen escalofriantes.

Esta novela es, además, más dramática que la anterior. Los momentos en que te parte el corazón son la mayoría bastante diferentes (aunque tiene espacio para todo) y tiene un desarrollo de la ansiedad y la claustrofobia que me llegaron muy dentro. Igual que con el terror no estaba preparada para varios de los giros psicológicos que presenta y que están muy ligados a la impresionante evolución de Spensa.

Creo que es un personaje muy bien montado con las dosis justas de cambio y seguir siendo la misma persona, sabiendo que las mejoras no suceden de la noche a la mañana porque sabes que deberías ser menos impulsiva o expresarte de otra manera. Con esto, además, se asegura de no anular los traumas que arrastra.

Aquí entra uno de los temas más importantes de estelar y es la definición de la agresividad. Creo que este es el culmen narrativo de esta parte de la historia, la manera en la que define la violencia psicológica y la física y expresa la dificultad de luchar contra la primera cuando se disfraza de pacifismo. Con unas escenas desquiciantes que resultan incómodas de leer se ganó todo mi amor.

Decía más arriba que estelar tiene su punto fuerte en la epicidad y quiero cerrar esta entrada hablando, como siempre sin spoilers, de una de las mejores tracas finales de un libro.

Hace poco descubrí la existencia del término Sanderlanche, mezcla de las palabras Sanderson y Avalanche (avalancha) y que algunos fans utilizan para hablar de las más o menos cien últimas páginas de sus libros y lo vertiginosas y emocionantes que se vuelven. En esta novela está en una de mis favoritas. Menudas escenas de acción, menudos giros, menudo dolor.

Pero, a la vez, tiene una resolución que me hace pensar que va a volver a jugar con lo mismo que me frustró del paso entre novelas y que voy a resentir el cambio a cuatro en vez de tres libros.

Veremos. Estoy totalmente abierta a que Sanderson me sorprenda, como siempre.

Puntuación: 4.5 de 5.

La Bicha de Bazalote

  • Foto de Santiago Relanzón para el MAN
  • Protohistoria
  • Cultura Ibérica
  • Cronología: 525 a.C/476 a.C.
  • Técnica: esculpido
  • Material: caliza

La Bicha de Bazalote es una escultura de un toro androcéfalo, es decir un híbrido de animal con antropomorfo. La cabeza está erguida y prestando atención en contraste al cuerpo que reposa sobre las cuatro patas. Lo que desde esta perspectiva parece un caparazón de tortuga en el trasero es el círculo que hace la cola y puede verse mejor en esta otra foto del arqueológico de Madrid.

© Ministerio de Cultura y Deporte

Según el mismo museo está realizada en bulto redondo en la mitad delantera y alto relieve en la posterior, con la cabeza esculpida en un bloque distinto al del cuerpo. La cabeza estaba coronada por unos cuernos que, desgraciadamente, no se conservan.

Aunque la zona donde se encontró no permitió darle un contexto (A. Engel, 1892, p.196) suponemos, en base a otras construcciones como Pozo Moro, que debía formar parte de un recinto funerario y que cumpliría una función protectora. Como poco, por la forma (la parte de atrás no está tallada y, de nuevo, podéis verlo en las fotos que pone a disposición pública el arqueológico) sabemos seguro que debía formar parte de algún tipo de edificación.

En el terreno de las influencias tiene una clara apariencia griega pero también orientalizada. Bazalote fue una zona de paso en una importante vía de transporte así que resulta obvio pensar que en el lugar caerían todo tipo de mezclas. En torno al área de Albacete han podido encontrarse más restos de criaturas fantásticas y monstruosas, seres híbridos en general, como las esfinges gemelas de El Salobral o la esfinge de Haches, quizá la más parecida.

Según A. García Bellido estaríamos ante una personificación de Aqueloo, dios del río con el mismo nombre, uno de los más largos de Grecia. Además de ser considerado como el más importante entre sus hermanos fue conocido por luchar (y perder) contra Hércules y por ser padre de las sirenas junto a una de las Musas.

Las imágenes que mezclan rasgos humanoides y toros han sido bastante populares a lo largo de la historia y en lugares muy diversos del mundo. Quizá los más famosos han sido los Lamassu mesopotámicos y, a la inversa, con cabeza de toro y cuerpo humano, el minotauro.

Quizá estos pueden parecer bastante diferentes de nuestra Bicha pero el Louvre, por ejemplo, tiene varias figurillas mesopotámicas que guardan una gran semejanza.

Estas pequeñas figuras neo-sumerias datan, según se puede ver en la web del museo, entre el 2120 y el 2000 a.C.

Avanzando los años las imágenes antropomórficas han tenido una mayor tendencia hacia el cuerpo humano con cabeza de animal que a la inversa. Esto tiene probablemente mucho que ver con la llamada teoría del valle inquietante, que sugiere que cuando intentamos replicar imágenes humanoides en diferentes medios producen rechazo cuando se acercan demasiado a la apariencia humana.

Tanto es así que no conozco ninguna ninguna representación actual con cuerpo de toro y cabeza de humano. Creo que esto es muy interesante por sí mismo al hablar de la evolución de los géneros especulativos, ver cómo ha avanzado la imaginación humana en lo fantástico y percibir qué cosas podemos admirar en esta escultura pero que serían muy difícil de visualizar si una novela decidiese usarlas dándoles vida.

Si queréis leer más entradas en las que hablo de la evolución hacia la actualidad en fantasía, ciencia ficción y terror podéis encontrarlas aquí, en la sección hacia la ficción contemporánea.

FUENTES

Reseña: Escuadrón (Brandon Sanderson)

  • Autor: Brandon Sanderson
  • Traducción: Manu Viciano
  • Editorial: Nova
  • Publicación original: 6/11/2018
  • Precio: 19’90 (e-book 6’99)
  • Páginas: 615
  • ISBN: 9788417347277
  • Colección: escuadrón 1/4
  • Género: Ciencia ficción, fantasía, distopía

¿QUÉ ES ESCUADRÓN?

El primer número de la saga de cuatro que, junto a algunas novelas cortas, conforma la saga juvenil de Brandon Sanderson sobre la piloto Spensa y sus compañeros. En lugar de formar parte del Cosmere, el universo compartido de la mayor parte de historias adultas de Sanderson, forma parte del llamado Cytoverso.

Son parte de ese grupo los cuatro que conforman esta saga, las novelas cortas Sunreach y ReDawn y el relato Defending Elysium.

Según la editorial:

El mundo lleva siglos en guerra; la humanidad está atrapada en un planeta constantemente atacado por unos alienígenas decididos a destruirla. Los pilotos son los únicos héroes dispuestos a combatir al enemigo.

Spensa es una joven que siempre ha soñado con convertirse en piloto y defender a la Tierra. Pero su destino se cruza con el de su padre, un piloto que fue asesinado tras abandonar a su equipo, anulando sus opciones de asistir a la escuela de vuelo. De pronto, el ataque alienígena ha hecho duplicar la flota aérea de los humanos, facilitando que Spensa ahora sí pueda volar al espacio…

¿CÓMO ES ESCUADRÓN?

En el anuncio oficial de la novela el autor definió su concepción como una versión del tropo el niño y su dragón pero con máquinas, algo con un aire similar a Top Gun o el juego de Ender. Creo que esta es la mejor forma de introducir esta novela.

Sanderson es sobre todo conocido por sus mundos complejos, historias largas con ramificaciones y por sus sistemas mágicos. Tiene una marca muy bien establecida y reconocible que admiro mucho. Pero lo que más me sorprende de él es que, además, es muy versátil.

Si un día quiere hacer historias adultas de ciencia ficción, un relato de terror o una fantasía espacial como escuadrón el trabajo que realiza es también soberbio.

Escuadrón me parece uno de los trabajos más emocionantes de Sanderson. Esperaba disfrutarlo pero no esperaba el nudo en la garganta, las ganas de aplaudir y de llorar mientras lees una acción rápida que siempre está avanzando.

Es una de esas novelas que, en vez de intentar enamorarte a través del lenguaje, hace que a veces te olvides de que tienes un libro en la mano. Tiene, de manera absoluta, vocación audiovisual. Esto no es per se ni bueno ni malo pero aquí funciona excelente.

Su mayor virtud es, probablemente, un grupo de personajes carismáticos con personalidades arraigadas en el final de la adolescencia que a mí se me hacen bastante creíbles y no irritantes. Un problema que tengo a menudo con las obras que ponen a sus protagonistas en esos rangos de edad es que la manera en la que intentan desafiar las normas y hacer su propio camino no cuaja en absoluto conmigo. Y no lo digo refiriéndome a la yo adulta solo, también a la yo que fue adolescente.

En escuadrón Spensa y sus compañeros quieren cambiar la sociedad y enfrentarse a los mayores y lo hacen desde dentro del propio sistema, siendo conscientes del por qué de muchas cosas y siendo capaces bastante rápido de hacer equipo. A la vez no aceptan tonterías, saben poner límites entre ellos y a la situación y pasan de estar divirtiéndose a estar serios de manera natural y agradable para el lector.

Es una historia sobre amistad y crear lazos de confianza. El romance queda muy desplazado (casi desaparecido, aunque hay) y de nuevo esto no es ni bueno ni malo pero a esta novela le pega.

En este sentido, aunque la trama es muy dura y sabe no perder eso de vista en ningún momento, destaca bastante el uso de la comedia y sobre todo el personaje de M-Bot, el que sería el equivalente al dragón de la historia y una de esas personalidades Sandersonianas que destacan por su cinismo en medio de un mar de autosuperación. Un clásico en su obra. Y es que, aunque antes he querido destacar su versatilidad, escuadrón se siente puramente suyo. Un trabajo con todos sus grandes sellos de identidad y que sustituye la magia por un sistema tecnológico llamativo.

Como explicaba arriba esta saga no está en el Cosmere, el universo al que pertenecen la mayoría de los libros adultos de Sanderson, pero eso no le impide adentrarse en una construcción compleja donde las diferencias y tensiones entre grupos humanos están muy bien conseguidas.

Me gusta especialmente cómo las condiciones del entorno afectan a las decisiones morales y el desarrollo en la personalidad bravucona y valiente de la protagonista.

Para ir cerrando esta reseña quiero hablar brevemente de si es una novela dirigida a un público juvenil o para adultos. En el anuncio del lanzamiento Sanderson dice que el marketing de EEUU iba a los jóvenes mientras el sello inglés iba a publicarlas en su línea general. Yo añado que incluso en la edición inglesa los colores son diferentes, no sigue su blanco habitual, e incluso en la tipografía y maquetación se nota cierta intención de distinguirlos de sus trabajos más populares.

Desde mi punto de vista, sobre en qué estantería de las tiendas debería estar, creo que entramos en el debate de siempre ¿qué es exactamente la literatura juvenil?

Sea como sea, este me parece un trabajo mucho más complejo que otros de sus libros. Quizá tiene un tono menos grandilocuente a veces y una sensación de ligereza no tan habitual en su obra pero también me parece una de sus historias más desgarradoras y dramáticas. Supongo que todo depende de la apreciación que hagamos a algunos temas.

Soy consciente de que la estoy poniendo por las nubes y no suele ser bueno hacer reseñas así porque suelen llevar a decepciones lectoras después. A mí me pasa mucho cuando leo las de otras personas. Lo que pasa es que, aunque Sanderson es uno de mis autores favoritos, soy muy crítica con muchas de sus decisiones. El aliento de los dioses y sus implicaciones morales me dejaron con una sensación inmensa de frustración, Vin y su definición constante de la feminidad me irritaron de manera profunda y siempre le ha costado escribir buenas relaciones de amistad entre mujeres.

En escuadrón, excepto una frase del padre de la protagonista sobre que si su hija se rompe el brazo estando con él el problema sería la bronca que le echaría la madre, no tengo ninguna queja. Esto para mí, con él, es mucho y hace que ame esta novela con pasión.

¿PARA QUIÉN ES ESCUADRÓN?

Si os gusta Sanderson pero tenéis reservas porque no os gustó The Reckonners os recomiendo que le echéis un ojo de todas formas. A mí esa saga no me gustó y en cambio aquí estoy en mi salsa.

Por lo demás si buscáis una fantasía espacial sólida, sobre pilotos, y con buenos giros, esta es vuestra novela.

Reseña: cuando la oscuridad nos ama (Elizabeth Engstrom)

  • Autora: Elizabeth Engstrom
  • Traducción: Blanca Rodríguez
  • Título original: When Darkness Loves Us
  • Ilustración de cubierta: Rafael Martín
  • Publicación original: 1985
  • Editorial: la Biblioteca de Carfax
  • Género: terror
  • ISBN: 978-84-122813-2-3
  • Páginas: 272
  • Precio: 22 €

¿QUÉ ES CUANDO LA OSCURIDAD NOS AMA?

Es la compilación de dos novelas cortas que exploran la soledad desde el terror de maneras muy diferentes.

La primera, que es la que da título a la publicación, cuando la oscuridad nos ama, es la historia de Sally Ann. Con solo 18 años y embarazada se queda encerrada en un laberinto de cavernas por accidente, quedando forzada a una existencia de completa oscuridad.

La segunda, la más larga, se titula la belleza es… y sigue a Martha Mannes, una mujer con problemas de desarrollo que nació sin nariz y debe enfrentarse a la vida sin sus padres en una zona rural de Illinois.

¿CÓMO ES CUANDO LA OSCURIDAD NOS AMA?

Aunque las dos historias tienen como nexo común las sensaciones de abandono, soledad y varios aspectos de construcción son dos textos muy diferentes. En el prólogo de Theodore Sturgeon, que fue profesor de la autora, el escritor de ficción se achaca a sí mismo el consejo de editar ambas juntas y yo acepto su sabiduría. Dos sabores diferentes para un mismo fondo que, de manera extraña, casan muy bien.

Engstrom nos plantea el mismo juego: un ambiente con tintes potencialmente bucólicos, fáciles de idealizar, en los que hay varios elementos negativos y peligrosos que se nos anima a pasar por alto pero nunca a perder de vista.

Poco a poco van a ir creciendo y componiendo un mosaico incómodo que da paso a un horror profundo, asco y desapego humano.

Ambas historias van a esa misma raíz, a una exploración de aquellas acciones oscuras y retorcidas que somos capaces de realizar mientras el resto de la sociedad mira hacia otro lado. Esto lo acompaña con una forma de escribir que por momentos resulta alegre y ligera, apuntalando los tintes idílicos que mencionaba antes con buena mano.

Esta mezcla de claroscuros se refleja muy bien desde los propios títulos, cuando la oscuridad no ama y la belleza es…

Pero a la vez, como decía, son obras muy distintas.

Cuando la oscuridad nos ama es una narración lineal, con algunas elipsis, que tiene mayor base fantástica. Es muy corta y no voy a entrar en detalles para evitar spoilers pero es una narrativa retorcida, sinuosa, que no busca tanto sorprenderte (aunque puede llegar a hacerlo un par de veces) como introducirte en un horrible descenso a la locura en el que la protagonista parece pensar que ve las cosas claras por primera vez.

En una entrevista para Apex Engstrom contó que el génesis de la historia está en una atracción de un submarino en Disneyland que le dejó una sensación de claustrofobia atroz. Os puedo asegurar que si ese es el principal sentimiento que buscaba transmitir lo logró con creces.

Tiene mucho de Alicia en el País de las Maravillas en una versión puramente estadounidense y, aunque manteniendo la sensación de cuento sin sentido, definitivamente es solo para lectores adultos.

Si queréis una historia de terror para un club de lectura en el que todos se sientan cómodos con temas y escenas que llenarían una página entera de avisos de contenido, esta da para mucho y es que, además, tiene ciertos elementos ambiguos que dan para debate.

Por otro lado la belleza es… nos plantea una narración a dos tiempos, con muchos más personajes, en el que en un sentido bastante abstracto el protagonista es un pueblo. Es en todo momento la historia de una mujer que ha tenido problemas de desarrollo y a la que le falta la nariz pero ella es un personaje bastante pasivo que sirve para contarte los altos y bajos en la vida de una comunidad.

En la misma entrevista para Apex la autora dice que en parte la historia está basada en una mujer real de la que unos borrachos estaban aprovechándose. Dice, además, que ha estado a punto de haber película de ella dos veces y que hay algo en esta historia que resuena mucho en los lectores.

Lo que resuena es la sensación de mal inevitable, de frustración y de querer proteger algo que no puedes proteger. Que es vulnerable en un entorno donde todos esgrimen como armas sus propias vulnerabilidades. Te revuelve las emociones de una forma horrible y formidable.

La belleza, pensamos, es algo bonito y agradable en cierta forma objetivo. Pero, por supuesto, siempre entran en juego lo subjetivo y las circunstancias y Engstrom va plantando semillas hasta un final previsible que te atropella como un tren que va muy despacio pero no para nunca.

Sí me sorprende, no obstante, que la autora comentase que los derechos fueron cedidos dos veces para posibles películas porque creo que este texto no puede funcionar nunca mejor que escrito. Hay algo en el candor que tiene a menudo, las palabras elegidas, los juegos temporales y la manera en la que tú te imagines las cosas en contraposición a cómo son en realidad que creo que no podrían llegar a reflejarse bien.

El trabajo de Engstrom con el lenguaje es, en resumen, fundamental para el conjunto.

Por otro lado como esta vez sí he leído el libro en español os puedo hablar sobre la traducción y la edición.

Si el trabajo con el lenguaje es base para el mundo de sensaciones y el juego de mentira y verdad os podéis imaginar que esto solo puede funcionar con una buena traducción. La de Blanca Rodríguez lo es. Nunca me ha sacado del texto, no he encontrado ninguna frase que me suene extraña y es una delicia. Es cierto que a la corrección se le ha saltado alguna pequeña errata pero nada escandaloso ni incómodo.

Además me ha gustado mucho el papel, el color, el tipo y tamaño de letra y la manera en la que se abre el tomo.

La portada de Rafael Martín es impresionante, llama muchísimo la atención y se enlaza muy bien con el diseño de lomo y contraportada.

En resumen, una de las mejores lecturas del año y, aunque se pasan mucho de mi presupuesto, estoy deseando leer más de esta editorial. Si estáis en la misma situación que yo y vivís en Madrid lo tenéis en el sistema público de bibliotecas, que es de donde lo he sacado.

¿PARA QUIÉN ES CUANDO LA OSCURIDAD NOS AMA?

Si os gusta el terror claustrofóbico y el social dadle una oportunidad. Eso sí, esto tiene avisos de contenido para todo lo que se os pueda pasar por la cabeza así que si no estáis para esos trotes no lo vais a disfrutar.

Puntuación: 5 de 5.

Reseña: Ogres (Adrian Tchaikovsky)

  • Autor: Adrian Tchaikovsky
  • Título: Ogres
  • Publicación: 15 de marzo de 2022
  • Editorial: Rebellion, Solaris
  • ISBN: 9781786185280
  • Páginas: 144 (tapa dura)
  • Precio hardcover: £25.00
  • Precio digital: £7.49
  • Género: Fantasía/Sci-Fi

Gracias a Rebellion (la editorial británica) y Netgalley (un portal en el que editoriales y autores pueden ofrecer sus obras a reseñadores) he conseguido un ejemplar de esta novela para reseñar. Estará a la venta a partir del 15 de marzo de 2022 aunque ya podéis realizar la pre-compra.

¿QUÉ ES OGRES?

Una novela corta (tiene 144 páginas en su edición impresa) que mezcla fantasía y ciencia ficción. Os traduzco la sinopsis de la editorial:

Los Ogros son más grandes que tú.

Los Ogros son más fuertes que tú.

Los Ogros dominan el mundo.

Todo es idílico en los pueblos hasta que llega el terrateniente.

Porque el terrateniente es un Ogro. Y los Ogros dominan el mundo, con su tamaño y fuerza y apetitos. Siempre ha sido así. Es el orden natural del mundo. Y solo comen gente de vez en cuando.

Pero cuando el hijo del jefe, Torquell, se atreve a levantar la mano contra el hijo del terrateniente, emprende el camino para conocer la terrible verdad sobre los Ogros y sobre las ciencias oscuras que aseguraron su dominio.

¿CÓMO ES OGRES?

Lo primero que os va a llamar la atención si le dais una oportunidad es que está escrito en segunda persona. He hablado alguna vez en esta web sobre lo que admiro el uso que hace Robin Hobb de la primera persona para introducir mentiras sutiles y trampear la lectura. Algo similar es lo que hace Tchaikovsky aquí aunque con el matiz de que la lectura se hace muy personal.

No tengo nada en común con Torquell, el protagonista, pero es un héroe tan arquetípico que consigue mimetizar muy bien al lector con el narrador. Una parte muy importante de Ogres es teorizar con Torquell hasta el final. Ver los puntos donde te choca y dónde no que alguien te diga .

Esto no significa que el libro os vaya a sorprender pero sí que parte de lo más atrayente es la sensación de estar teniendo una conversación con otra persona a la que no conoces pero que te conoce a ti, a la faceta de tu mente que ha mimetizado ya al héroe arquetípico, de manera muy profunda.

A partir de eso vais a entrar en un in crescendo que fusiona de manera perfecta la fantasía con la ciencia ficción.

Ogres empieza como un cuento típico. El hijo del jefe de un pueblo actúa como la ficción define casi siempre al típico joven inmaduro, carismático, que siempre está transgrediendo las normas con el beneplácito y cariño de sus conciudadanos, hasta que un día cruza la raya y los Ogros, dueños de la tierra, toman represalias.

Desde este punto empieza un viaje del héroe que es un viaje, de manera metafórica, entre épocas. Si os fijáis en la portada hay varios elementos victorianos pero también la silueta de un helicóptero. El paso de campo a ciudad y la forma en la que introduce la verdad son un ejercicio soberbio de escritura.

Quizá peca de ser un poco lenta al principio pero creo que es una construcción necesaria, un suma y sigue que desemboca en un final perfecto. Todo en las últimas páginas me parece intachable y reconozco que yo hay algo que sí que no me esperaba.

Hay tantísimas cosas de las que me gustaría hablaros en esta reseña. Los ogros, el folklore sobre comer carne y cómo ha aplicado eso aquí, la manera en la que va introduciendo los motivos de colisión social, evolución, manipulación, ciencia, historia, naturaleza y economía. Pero tengo que mantener todo esto lo más ambiguo y abstracto posible. El hilo que une todos lo detalles es muy fino y merece la pena descubrirlo todo poco a poco.

Mi primer acercamiento a Tchaikovsky no podría haber sido mejor y os recomiendo muchísimo esta novela corta.

Todo lo que hay aquí es para hablarlo largo y tendido con una buena taza de té. Nunca me gustan más estos géneros que cuando especulan así con la sociedad.

¿PARA QUIÉN ES OGRES?

Todo el mundo. No digo esto a menudo pero si os gustan la fantasía o la ciencia ficción creo que merece la pena que le deis una oportunidad. Si se os hace pesado el principio intentad aguantar un poco más porque yo creo que a muchos de vosotros os va a encantar.

Puntuación: 5 de 5.

Reseña: Animal Man (Grant Morrison, Chaz Truog, Tatjana Wood y más)

TW: crueldad animal, violación

LA INVASIÓN BRITÁNICA DEL CÓMIC SUPERHERÓICO: UNE AUTORE DE ESCOCIA Y REORGANIZACIÓN DE DC

Aunque siempre es un tema muy debatible me gusta el término esenciales para destacar obras que han marcado un género o medio. Nunca nada será una lectura imprescindible ni será lo que te de el carnet de lector de cómics (más que nada porque eso no existe) pero sí que encuentro interesante buscar los puntos de anclaje entre lo que vino y lo que vendrá. Pues en una lista de ese estilo yo pondría esta etapa sin duda.

Las 26 grapas del Animal Man de Morrison no son ni una culminación ni un inicio si no una pieza fundamental de un cambio conjunto que había empezado en DC y que quedaría ligado, entre muchos otros, a los nombres de Karen Berger y Alan Moore.

Estos dos titanes de la industria fueron punta de lanza en la aparición de unos cómics de temática considerada más madura, una interpretación de la composición de viñetas novedosa y con guiones que presentaban un lenguaje a menudo diferente, más cuidado. Aunque ellos no fuesen los primeros podemos trazar en este punto la aparición y popularidad de una oleada de autores de las islas británicas entre los que encontramos a Morrison y la colección que nos ocupa hoy.

Por último influenció en este proceso el evento crisis en tierras infinitas de DC que desde el 85 había reorganizado el status quo a través de un crossover masivo.

ANIMAL MAN: CONCEPCIÓN Y EQUIPO CREATIVO

Según palabras de le propie autore para la compilación en tomo era 1987, tras el éxito de la cosa del pantano, cuando fue escogide junto a otros escritores para revivir a personajes de DC que hubiesen quedado apartados y darles una nueva vida editorial. Animal Man fue una elección propia, un héroe de Strange Adventures en los 60 que le había obsesionado.

El contrato era para una miniserie de solo cuatro números en los que su objetivo fue ahondar, precisamente, en la tarea asignada: un super de tercera clase, poco conocido, sin grandes fuentes de dinero, que tiene que lidiar con su vida familiar y su ideología que, muy venida al caso, incluye la lucha por los derechos de los animales.

Pero si esto ya era interesante todo se vuelve especialmente jugoso cuando le ofrecen continuar la colección. De nuevo, citando su propia introducción, Morrison dice que no quiso ahondar en la tan popular idea en ese momento de los héroes oscuros, los problemas emocionales y las narrativas que centran el hiperrealismo en el dolor. Lo que hizo, otra vez, fue concentrarse en la tarea asignada y explorar desde múltiples puntos de vista el significado de la popularidad y la ficción y el consumo que hacemos de ella.

Animal Man es la carta de amor al género y al medio de une niñe cruel. Pero niñe al fin y al cabo.

Al final el proyecto duró 26 números, entre medias comenzó con la Doom Patrol, y terminó en 1990.

Pero por supuesto esto es un cómic y el guionista no hizo todo el trabajo él solo.

A los lápices estuvieron Chaz Truog (a veces lo vais a encontrar también escrito como Chas), Doug Hazlewood y Tom Grummett. Las portadas, excelentes, son obra de Brian Bolland, el color de Tatjana Wood y la rotulación de John Constanza. La edición fue de la ya mencionada Karen Berger y de Art Young.

Quizá el estilo hoy en día se vea un poco anticuado sobre todo porque la impresión del color ha cambiado muchísimo, pero a mí me entra muy bien por los ojos. Me encanta el diseño, el traje de mallas con la chaqueta, el pelo revuelto, el crío con al camiseta de Lestat, lo paródico que es a veces y también, lo reconozco, cuando al final se vuelve extraño.

El mismo viaje que Morrison hizo hacia la abstracción y lo meta para el guion fue acompañado de experimentación gráfica muy lograda e impactante, caminando entre varios estilos con soltura. Me gusta cuando busca el reflejo de lo super y es también excelente explorando lo patético, lo cómico y lo puramente metafórico.

LA TRAMA DE ANIMAL MAN

Pero ¿de qué va esta cabecera? pues es la historia de Buddy Baker, un superhéroe retirado casado y con hijos que intenta, de nuevo, entrar en las grandes ligas siendo fiel a su posición contra el maltrato animal. Esto es así, sobre todo, en las cuatro primeras grapas que iban a funcionar como una única historia.

Por momentos es bastante ridículo, con malos a los que es muy difícil tomarse en serio y que parecen una burla y situaciones que varían entre lo tontorrón y el mal gusto. A la vez, sin entrar aún en la subtrama, es en todo momento un cómic que busca ser incisivo.

Al final del día es, sobre todo, un cómic sobre la necesidad económica que impulsa el trato que tenemos con la naturaleza, la posición de los gobiernos y la verdadera fuerza del hombre de clase media.

Morrison plantea todo tipo de rupturas, quejas y vueltas a los conceptos que le sugirieron para trabajar y el resultado es un cómic que, incluso sin todo lo demás que vamos a tratar, sería interesante. Aún así me ha molestado durante toda la lectura que quiera ser tan rompedor en unos temas y a la vez tan poco en otros.

Casi al inicio del cómic hay un intento de violación que se podría haber ahorrado perfectamente. Está en parte atado con el mensaje final pero en realidad es una escena desagradable al extremo, gratuita en el sentido de que no aporta en absoluto a la narrativa y me enfadó bastante.

Y luego está la relación de Buddy con su familia. Haciendo esta entrada me ha sorprendido mucho ver cosas como que la editorial le define en el resumen para promocionar la obra como un cariñoso marido y padre entregado. Con honestidad yo lo que he leído es la historia de un hombre negligente en todas y cada una de las relaciones que mantiene.

De hecho esto último no lo digo como crítica a Morrison, que de hecho creo que buscaba ese efecto, lo digo más como una sensación de no haber leído lo mismo que otras personas desde la más absoluta sorpresa. Es que no quiero hacer spoilers pero aunque empezamos con un super bajando gatitos de árboles pronto se hace patente que nunca está para nadie, tiene una tendencia escandalosa a dejar a sus hijos como una responsabilidad de su mujer, que tiene un trabajo al margen de las labores domésticas y lo que tiene con el resto de personajes de la historia es para leerlo.

De hecho, sin ver todo esto así, creo que una parte del final carece un poco de profundidad.

EL EVANGELIO DEL COYOTE, UN NUEVO GIRO

Cuatro números después lo que iba a ser una mini se convirtió en una serie larga y la vida familiar y los derechos de los animales con los que se introdujo la trama (y que siempre serían un punto fundamental en Animal Man) necesitaban nuevos enfoques y temas con los que mezclarse.

¿Y cuál fue la reacción de le autore? abrazar el que se ha convertido en su sello distintivo: lo raro y lo meta.

La grapa número cinco de la era Morrison planteó una historia conclusiva sobre comunicación, la evolución del cristianismo, la creación a todos sus niveles, el concepto de dios, la mitología y, por supuesto, los derechos de los animales que es una de las mejores 24 páginas que he leído.

Solo dura esto pero tiene ecos en toda la narrativa posterior y es el revulsivo que todo lo anterior necesitiba.

El evangelio del Coyote es la historia de Crafty, un coyote con inspiración clara en los Looney Tunes que se enfrenta a numerosas muertes, la incapacidad de comunicarse y los prejuicios. Mientras nuestro protagonista, Buddy, decide hacerse vegetariano, tira toda la carne de la casa sin ni siquiera hablarlo con su mujer o pensar en la cena de sus hijos pequeños y se va enfadado de la casa.

Aunque como me pasa a menudo en esta historia hubiera preferido que Morrison no usase a Ellen como un artefacto en la historia de Animal Man, reconozco que la contraposición funciona a pedir de boca.

LO QUE VINO DESPUÉS

Una vez Morrison abrió la veda a lo extraño y las metáforas exageradas nada en Animal Man volvió a ser lo mismo. Incluso en las historias más puramente superheroicas y tontorronas introdujo cosas que no tenían demasiado sentido y que iban preparando al lector para el apoteósico final.

Por supuesto no lo voy a spoilear. Para esta reseña baste decir que las piezas encajaron, lo sublime y lo ridículo se mezclaron de manera exquisita y aunque para mi gusto también repleto de pequeñas historias intrascendentes un poco aburridas culminó el trabajo de estos grandes artistas por todo lo alto.

EDICIÓN EN ESPAÑOL

La más actual es la de ECC, dividida en tres tomos. No obstante el primero está ya descatalogado.

Reseña: la voz de las espadas (Joe Abercrombie)

¿QUÉ ES LA VOZ DE LAS ESPADAS?

Principio de la saga la primera ley y primera novela publicada por el autor británico Joe Abercrombie. Según la editorial:  El inquisidor Glokta, convertido en un cínico tullido tras su paso por las cárceles de los enemigos de la Unión, es ahora a su vez un eficaz torturador capaz de extraer información de cualquiera. A su vez, el capitán Jezal dan Luthar no ha hecho otra cosa en su vida que desplumar a sus amigos jugando a las cartas y soñar con la gloria de vencer en el Certamen de esgrima. Pero se está fraguando una guerra, y en los campos de batalla del Norte la lucha se rige por normas mucho más sangrientas… Logen Nuevededos, infame bárbaro de pasado sangriento, acaba de perder a sus amigos y está decidido a abandonar sus tierras y dirigirse al Sur, pero los espíritus le advierten que lo busca un Mago de los Viejos Tiempos… Sus historias se entrelazan en una fantasía negra repleta de acción y personajes memorables.

¿CÓMO ES LA VOZ DE LAS ESPADAS?

Pues el hierro por sí solo incita al hombre.

Homero. La Odisea.

Los orígenes de la fantasía épica occidental se han ido construyendo capa tras capa de mitología, cuentos populares, tradiciones y leyendas. De cada gran historia podríamos hacer hilos bastante largos que conducen a nuestras narrativas favoritas pero en este enorme caldero nada destaca más que los dos poemas homéricos: la Ilíada y la Odisea.

Intentando entender a Abercrombie, el grimdark entero como subgénero y muy especialmente este libro no hay nada más importante que retrotraernos brevemente a la importancia cultural de estas dos grandes épicas y el personaje de Odiseo/Ulises. Los griegos y los romanos tenían decenas de héroes importantes pero Odiseo destacó entre todos ellos primero como el ideólogo del caballo de Troya en la Ilíada y después con el largo viaje a su casa, Ítaca, al que también sobrevivió a base ingenio y mentiras como armas principales.

Porque aquí está el tema. Aunque la épica ha estado asociada a grandes gestas y personajes nobles y sabios siempre ha tenido un hueco especial para aquellos con un físico menos destacable, de lengua afilada y egoísmo particular. Pese a que muchos han querido verlo de otra forma la base del grimdark siempre estuvo desde sus obras más clásicas y Abercrombie llegó a recoger el testigo, ponerlo en nuestra cara y plantarse en el panorama literario como una de las plumas más importantes.

La voz de las espadas empieza con un capítulo titulado FIN, presentación de uno de sus antihéroes más populares, Logen Nuevededos, e introduce un cliffhanger literalmente de vértigo. A continuación nos presenta la cita de la Odisea con la que he empezado esta entrada y nos deja claro que nos hemos perdido una novela, la Ilíada, y que ahora vamos a lidiar con el qué pasó después.

No es una narrativa de viajes (aunque hay muchos viajes y personajes intentando llegar a destino) pero coge el espíritu de la Odisea y lo transforma en una novela cínica, movida por el dinero, en la que nadie es lo que parece y llena de claroscuros.

Pues el hierro por sí solo incita al hombre, en el momento en el que llevas un arma es mucho más probable que recurras a la violencia que si no la tienes, y la novela se empeña en poner todo tipo de poder en las manos de sus protagonistas incluso cuando no lo quieren. Si cogéis el libro en versión original la traducción elegida es the blade itself incites to deeds of violence y de ahí sale el título de la novela, the blade itself. Por si tenéis curiosidad y no lo encontráis en la Odisea corresponde al inicio del Canto XIX, con Odiseo pidiéndole a su hijo Telémaco que oculte unas armas. Podéis leerlo por ejemplo aquí.

En lo personal estoy obsesionada con el concepto, por si no os habéis dado cuenta con lo muchísimo que lleváis de entrada sin que ni siquiera os haya hablado de los impresionantes personajes, el excelente sentido del humor o la pericia que ha tenido como autor desde el principio para manejar la acción.

La voz de las espadas es el primer libro que publicó Abercrombie pero el séptimo que estoy leyendo yo y ha sido un ejercicio bastante interesante volver al inicio. Tenía muchísima curiosidad por conocer mejor algunos personajes sobre los que ya había leído y, sobre todo, por descubrir a Glokta, uno de los más famosos hoy en día en el panorama fantástico. Casi nada me ha decepcionado, los que no conocía estaban a la altura y este autor es sin duda uno de los creadores más interesantes cuando se trata de personajes que realizan acciones odiosas pero de los que, por algún motivo, te preocupas.

Esta novela tiene una cantidad considerable de protagonistas y, gracias a una primera persona bastante tramposa y divertida, resulta fácil engancharse y no perderse. Solo a una de ellos, una mujer llamada Ferro, la he sentido forzada y fuera de lugar.

Con esto además introduzco un tema un poco delicado y es el trato de las mujeres en la obra de Abercrombie. Aunque aquí no estoy teniendo tanta suerte (recordemos, de nuevo, que además esta fue su primera publicación) el autor británico tiene algunas de mis favoritas en términos de construcción. Además se esfuerza en hacer críticas al machismo que ha poblado siempre el género e intenta dotarlas de un carisma especial. Eso no niega, no obstante, que no siempre comulga con lo que él mismo predica y la voz de las espadas tiene una presencia masculina con muchísima más agencia, espacio y poder de la femenina. Apenas hay ¿tres mujeres? de las cuales una es la mencionada Ferro, mi única crítica de la novela, otra que no sale apenas y por un último una secundaria muy interesante de la que hablaré más adelante.

Es debatible si esto es necesario para el tipo de burla cínica que hace de la épica pero lo cierto es que el propio Abercrombie, para mi gusto, en novelas posteriores va a ir mejorando en este aspecto.

Creo que mi problema con Ferro es que Abercrombie es un autor de diálogos. Su construcción de mundo es a través de conversaciones, tomas y dacas constantes de temas intrascendentes y de tono coloquial que resultan muy efectivas y generan un tipo de disquisiciones que rápidamente se tornan en muy similares a las de Geralt de Rivia. Con Ferro no hay nada de eso. Todo lo que podría hacerla interesante, como un debate sobre qué es realmente la libertad, queda tapado por la imposibilidad de que el personaje entre al juego dialéctico.

Y en este ámbito nadie es tan bueno, por fin puedo decirlo, como el inquisidor Glokta. Había escuchado maravillas y me uno a todas ellas. La voz de las espadas tiene un argumento muy difícil de contar porque tarda muchísimo en arrancar y mientras tanto se centra en presentar a sus personajes. Este inquisidor, que sufre fuertes secuelas después de haber sido torturado, sostiene sin despeinarse capítulo tras capítulo de un thriller que no despega hasta casi justo el final y se clava para siempre en la memoria del lector.

Su voz narrativa es probablemente la más cercana a la del autor pero eso no le hace un narrador más fiable. Es una persona terrible, es imposible no empatizar un poco y a la vez no sentirse aterrado por la tibieza moral que desplega. Una obra de arte.

Pero es que además queda contrapuesto a los puntos de vista de su antiguo mejor amigo, West, y el de un joven esgrimista llamado Jezal que representa todas las posibilidades la juventud antes de las torturas. Todos los personajes, por diferentes que sean, están conectados de alguna manera y es una delicia leerlo y ver la comparación y los juegos. Y, como he comentado más arriba, un sentido del humor hiriente y divertido.

En el caso de West hay un tema muy relevante para la obra de Abercrombie. A este autor, de la mano del grimdark, se le asocia a una dura violencia explícita que permea todas las páginas casi con gore. Algo de eso hay, aunque creo que no como muchos pueden imaginarlo antes de coger sus libros. Pero en lo que es más atroz siempre es en la violencia psicológica. Si habéis leído alguna de mis entradas sobre Leigh Bardugo es la misma dinámica en la que entra esta autora aunque se les considere en espectros opuestos de la literatura de género y en esto mantened la mirada fija en West, el buen hombre, y venid a comentármelo después. Un trabajo brillante.

Aunque se me está alargando muchísimo esta entrada no puedo seguir adelante sin mencionar a Logen Nuevededos. Todo lo que rodea a este personaje es, para mí, la cumbre de este subgénero. Cuando digo que el fuerte de Abercrombie es el diálogo hay que entenderlo como una doble conversación. Por un lado está la que están teniendo los personajes y por otro hay un debate con las raíces del propio género fantástico.

Nunca llega a romper la cuarta pared pero a menudo parece que está a punto. Es como si te introdujesen en todas las obras que has leído derivadas del señor de los anillos y cada momento en el que aceptaste una mentira como parte de la fantasía alguien te mirase a los ojos y soltase una risilla o un grito de dolor.

Tanto Logen como Glokta repiten a menudo el axioma hay que ser realista, como si hubiera alguna forma de ser de verdad realista en esta historia. Y es fantástico.

Logen, como narrador, es un trabajo fino y destacable. Aunque no es ya un joven (tampoco un anciano) es utilizado como punto de partida para explicar las cosas que cualquier otra persona conocería ya en la narrativa pero es, a la vez, probablemente el más sabio de todos los personajes. No es ingenuo, solo ha vivido en otro sitio, y resulta una imagen bastante refrescante entre tanto niño sin padres que puebla el género.

Está tan bien construido que muy a menudo resulta difícil medir la realidad de sus acciones violentas con su mentalidad tranquila y sus consideraciones sobre la violencia.

Hay muchos más personajes que merecen también mención, como Bayaz, pero esto es una reseña y me abstendré de mencionarles demasiado para no hacer spoilers. Baste decir que la subversión de los tópicos que hace Abercrombie es muy inteligente y que siempre elige bien dónde poner el punto de anclaje para que lo reconozcamos, nos interesemos y que no sea todo simplemente una burla.

A parte de servir de espejo a todo el panorama de género Abercrombie tiene otros grandes objetivos con la voz de las espadas. Para empezar, este autor, de nuevo igual que Sapkowski, está muy interesado en explorar la raíz económica de sus mundos, el papel del dinero detrás de reyes, nobles y magos y qué es lo que crea las situaciones de privilegio. El suyo es un mundo de burocracia que no necesita demasiada explicación, ni siquiera su sistema mágico, porque lo que busca es tocar las cuerdas de lo cercano y regodearse en la palabra real.

Con esto consigue crear una novela en la que parece que el mundo va a cambiar. Esto es muy importante porque en la mayoría de otros autores son los personajes lo que evolucionan (los de Abercrombie se asientan más que cambiar, por el contrario) y, aunque se venza al gran mal y haya menos muertes, rara vez se crea una sensación de ruptura con el status quo de la gente de a pie.

Es decir, en un libro de fantasía normal se pretende que un buen gobernante es equiparable a que cesen las hambrunas y que las diferencias de clase no sean en realidad importantes. Para Abercrombie, aunque no para bien, el mundo es un lugar vivo donde todo puede cambiar y la vida del día a día es más importante que de usual.

Nada de esto quita que detrás de todo lo ordinario hay una historia extraordinaria, un gran misterio que no tiene realmente nada que envidiar a la construcción detrás de los libros de Sanderson o Rothfuss.

Como podéis ver he disfrutado esta novela de manera inmensa y creo que, como novela debut, es una de las mejores que podéis encontrar. Menudo espectáculo das, Abercrombie.

¿PARA QUIÉN ES LA VOZ DE LAS ESPADAS?

Este libro tiene una particularidad muy grande y es que, como Watchmen en cómic, funciona mucho mejor cuanto más dentro estás del género. Por supuesto es una buena novela incluso si no eres un lector de fantasía pero creo que la verdadera admiración por el trabajo de Abercrombie se puede sentir mucho más al disfrutar de los paralelismos.

En cualquier caso, siempre y cuando no te moleste que todos los personajes sean unos borricos, disfrutes de los buenos diálogos y estés preparado para no saber qué diablos sucede hasta casi el final te va a gustar.

Puntuación: 5 de 5.
  • Autor: Joe Abercrombie
  • Traducción: Borja García Bercero
  • Título original: the blade itself
  • Año de publicación: 2006
  • Editorial: Alianza. Colección 13/20
  • Género: fantasía épica oscura (grimdark)
  • ISBN: 978-84-9104-435-2
  • Páginas: 752
  • Precio: 12’95
  • Saga: la primera ley (1/3)