Reseña: Ring Shout. Nuestro cántico (P. Djèlí Clark)

¿QUÉ ES RING SHOUT?

Según la editorial:

En 1915, el estreno de la película El nacimiento de una nación deja a todo un país bajo un terrible hechizo; los temores de la población blanca se ven realizados en la gran pantalla, y las filas del Klan se multiplican drásticamente. Hoy, los Ku Klux, su ejército de monstruos encapuchados, marchan por el país infundiendo miedo y diseminando odio, y con un plan que podría desatar el infierno sobre la Tierra. Afortunadamente, Maryse Boudreaux tiene una espada mágica y un propósito. Cuando no desafía la ley seca pasando whisky de contrabando, combate a los Ku Klux junto a sus compañeras de lucha: Chef, una Harlem Hellfighter, y Sadie, una tiradora deslenguada. Cuando algo terrible comienza a cocerse en Georgia, la resistencia decide que hay que poner fin a esta guerra de una vez por todas. ¿Podrá Maryse acabar con el Klan antes de que su odio consuma el mundo?

En la web de Obscura podéis echarle un vistazo a las primeras páginas.

La biografía del autor es muy interesante también para el contexto de la obra. Clark nació en Nueva York y ha pasado muchos años viviendo en Trinidad y Tobago, lugar de origen de su padre, y Texas. Es historiador y sus investigaciones se centran en la esclavitud y la emancipación, temas que además aplica tanto a su trabajo en ficción como a su análisis de los géneros.

Si, como yo en su momento, os estáis preguntando cómo se pronuncia su nombre, ha sido tan amable de explicarlo en su web: Djéli, se puede leer como “Jel-i” or “Jah-li.” La D es muda. En cuanto a la P, su nombre de pila, es Phenderson.

Aunque haciendo esta entrada he visto en varios sitios que ganó todo lo más importante en su año, en realidad no parece ser el caso. Se llevó el Nébula y el Locus pero al Hugo y el World Fantasy solo (como si eso fuese poco) quedó nominado. El Hugo lo ganó The Empress of Salt and Fortune de Nghi Vo. Lo destaco porque es el que más veces he visto mal atribuido.

¿CÓMO ES RING SHOUT?

Dependiendo del momento en el que me preguntéis os diré que leerlo en inglés fue la peor decisión que he tomado o la mejor. No tiene nada que ver con cómo es la edición de Obscura que, para mi desgracia, no he visto. Es porque uno de sus puntos fuertes es el lenguaje.

Ring Shout tiene como protagonista a un plantel diverso de mujeres negras y, uno de los centros en la construcción de personajes, es otorgarles dialectos e idiomas que te hagan formarte una idea rápida del personaje. Si habéis leído Geralt de Rivia el de Clark es un trabajo bastante similar al del autor polaco. Sapkowski empezó la saga como relatos, esto es una novela corta, y en ambos da una fluidez y construcción de mundo impagable. Un trabajo finísimo al alcance de pocos.

Qué pasa, que mi nivel de inglés es bueno, me ha dado para entender la novella, pero siento que me he perdido cosas. Matices, momentos. Profundidad. Me he quedado fuera de la broma, como quien dice. He estado buscando por internet y he encontrado muy buenos comentarios sobre la traducción de Raúl García Campos, así que si lo veo en la biblioteca probablemente lo relea. Se puede terminar en un día. Son 208 páginas.

Y es que es tan importante este aspecto que, a pesar de lo que me gustó, he dudado mucho sobre escribir una reseña. No sé si puedo terminar de hacerle justicia a este trabajo. Además no es solo el apartado idiomático. Normalmente cuando escribo para Gorgonas sobre libros que me calan de esta manera, me gusta hacer investigaciones sobre otras obras de arte en las que se basa, mitos de los que sale, por dónde tirar. Para eso empiezo a tomar notas según lo leo pero aquí me estaba costando saber por dónde empezar.

O bueno, quizá el problema era que tenía que empezar desde la portada. Espero que vosotros tengáis la suerte de ser más cultos que yo porque no tenía ni idea de qué era el Ring Shout.

En la edición española lo han subtitulado como Nuestro cántico y eso ya empieza a dejar las cosas más claras, pero vamos a ello.

Entre Ring Shout, Wheel About It, Shout Because You’re Free: The African American Ring Shout Tradition in Costal Georgia y el artículo Hoodoo Religion and American Dance Traditions: Rethinking the Ring Shout queda claro que es una expresión artística heredada y adaptada de África a América a causa de la esclavitud. La base principal es un baile grupal en círculo que sigue un movimiento contrario a las agujas del reloj. Va acompañado de cantos con frase-respuesta entre los participantes y percusión.

Tiene una fuerte esencia espiritual y los movimientos, según Katrina Hazzard-Donald, pueden ser considerados como la semilla para explosiones culturales como el twist. El Ring Shout fue, en resumen, un elemento de cohesión y de mantener viva una fuerte herencia pese al desarraigo producido por las brutales prácticas que sufría esta comunidad.

A la vez, yendo ahora al libro de Katrina Dyonne Thompson, no estamos ante un simple reflejo natural. Una manera de mantener cierta libertad y hacer tolerable la vida. A los negros se les exigió, desde el principio, convertirse no solo en mano de obra en un sentido físico si no también en un producto de entretenimiento.

Ring Shout es una herencia fundamental y es a la vez una idea de lo que para muchos blancos eran los negros. Personas que pese a la miseria bailaban, cantaban, eran espirituales. Eran una consumición más.

Todo esto no soy simplemente yo aleccionándoos sobre algo que no entiendo lo suficiente. Os recomiendo que miréis las fuentes que menciono o que busquéis otras mejores, que seguro que una búsqueda más profunda que la mía las ofrece. Es que esta es una parte de la base de la novela, que no del argumento.

De lo que Djèlí Clark habla en este libro es de una guerra que, aunque se representa en peleas que además me han gustado mucho, es, sobre todo, cultural. Es una batalla sobre el discurso y el papel que tienen las artes en la opinión pública y en lo que hacemos como sociedad. En cómo percibimos al otro.

Así que ellos tienen el Ring Shout, con todas sus implicaciones, en la portada las mano negras que lo rodean. Y, de fondo, sobre el rojo sangre, el cucurucho famoso del infame Ku Klux Klan.

No creo que haga falta que os explique qué es el KKK. Hay ideas con un horror de tal calado que abruman.

Pero en este bando, en el centro de la historia, está la película El nacimiento de una nación. Dirigida por D.W. Griffith y estrenada en 1915, es una historia abiertamente racista que glorifica unos Estados Unidos para blancos y muestra al Ku Klux Klan como héroes que salvaban al sur de la violencia de los negros.

Las críticas aparecieron desde el principio, no os imaginéis que todo esto es una percepción moderna, pero el caso es que seguro que la mayoría de vosotros habéis oído hablar de ella. Se considera importante dentro de la producción cinematográfica y base para cineastas posteriores.

Cuando Ring Shout empieza, las protagonistas, un grupo de mujeres negras de diferentes procedencias y personalidades marcadas, se están enfrentando a miembros del KKK. Estos personajes son monstruos reales, no solo metafóricos, y dan lugar a unos enemigos memorables.

Estamos ubicados en los llamados felices años veinte pero en uno de los lados más duros de la historia y, a unos enemigos que ya sin ayuda son poderosos y tienen partidarios en posiciones de poder y con dinero, se suma un nuevo estreno de la ya mentada película.

Ahí tenéis vuestra guerra cultural. La exposición sobre cómo el norte de América convivía con expresiones muy diferentes que nacían de una violencia enraizada y normalizada. De unión social y odio en un mismo espacio, el del arte como bien de consumo. Y los bienes de consumo como una manera de devorar a los humanos.

Wholesome Food for the Moral White Family.

Ring Shout (Clark)

De las dos caras de la moneda en la década feliz.

No os imaginéis, no obstante, que Ring Shout sea un libro simplemente oscuro y violento. Es una historia de horror y es dura, como no podría ser de otra manera con este tema, pero es por encima de todo una novela corta sobre comunidad.

La relación entre las protagonistas, el concepto de familia encontrada, es cálido. Pero además es gracioso. Tiene espacio para escenas de acción de la más pura fantasía urbana, un estilo Buffyesco, y todo esto con una cadencia y diseños que me hacían imaginármelo como una serie de animación.

Djèlí Clark hace bien muchas cosas y, una de las que más, es ser guay. Me vais a perdonar la palabra pero es la que va ahí. A veces es épico, espectacular, carismático. Es lo que quieres que sea un grupo de superheroínas. Una serie tipo Sobrenatural pero mejor construida.

A la vez esto es un arma de doble filo. Y es que cuando una historia te hace tan feliz te puede partir el corazón el doble.

Llegados a este punto voy a desandar un poco mis pasos para hablaros de los enemigos y un poco más de guerra cultural, pero de otro tipo.

Lovecraft.

Antes de decir nada más, si leéis en inglés, Clark escribió en 2013, en su blog, este artículo llamado HP Lovecraft’s Madness. Aquí vais a encontrar muchísimo de lo que terminó vertiendo en esta novela, El nacimiento de una nación incluida, y unas cuantas reflexiones de lo más interesante.

Para seguir hablándoos del libro os voy a destacar dos:

He vivido bajo la sombra de racistas celebrados, muertos hace mucho, toda mi vida.

Siendo una persona negra en el mundo friki terminas con algunos abuelos blancos racistas y bastante repugnantes.

Y es que, como decía, Lovecraft.

Sinónimo de horror cósmico, este autor tenía unas muy expresadas opiniones de lo más asquerosas que unía a una pluma soberbia y una imaginación bestial. Desde que llevo leyendo debates sobre estos temas, y son muchos años ya, siempre ha habido una discusión que nunca entenderé sobre su verdadero punto de vista. Yo, como Clark, creo que está bastante claro. Y que no se puede reducir a un tema de su época porque, de verdad, la opinión pública nunca ha sido monolítica.

Lovecraft era racista.

Y Lovecraft, a la vez, ha sido reapropiado y reimaginado por todos los colectivos. A menudo no ha necesitado que nos planteemos si podemos separar autor de obra, simplemente ha estado ahí. En todas partes. En trabajos como las ilustraciones de Diana Franco, partidas de rol de todo tipo, Lovecraft County.

Ring Shout.

Hay algo en el horror cósmico, en el mal que supera lo humano, en la sensación de victoria imposible, la inmensa tragedia de nuestra inferioridad, la locura, que ha apelado a los colectivos más maltratados como si hubiese sido escrita para ellos.

Y buah, vaya trabajo hace aquí Clark. No quiero adentrarme mucho en este terreno, que nos llevaría de golpe a los spoilers, pero el carisma de las protagonistas enfrentado a esto, al odio supremo, a la imaginería de Lovecraft, me encanta. Es soberbio. Por supuesto, a la vez, el doble juego. No es que Lovecraft sea el malo de la novela pero el racismo cultural es la base de la construcción.

Tampoco os preocupéis si estáis pensando que puede correr el riesgo, con esto, de deshumanizar al Klan y echar balones fuera. No lo hace. La culpa humana y la responsabilidad individual están también representadas con maestría.

Hay muchos más aspectos culturales de importancia en Ring Shout. Si os gustan la mitología y el folklore, Clark ahonda bastante para la creación de su mundo y regala verdaderas joyitas en imaginería. Por desgracia estoy segura de que en mí han quedado perdidas muchas de las referencias. A la vez, por suerte, la principal es bastante clara: los cuentos del tío Remus y, en especial, Tar-Baby (muñeco de Brea).

Si sois fans de la animación quizá todo esto os suene de La Canción del Sur, de Disney. Porque sí, es la misma fuente. En caso negativo no busquéis la peli en Disney+ porque ni está ni, casi seguro, estará. Pero de esto podemos hablar otro día.

Vamos a encauzarnos a los cuentos. Su autor es Joel Chandler Harris, un periodista blanco de Georgia que recopiló historias en teoría contadas en las plantaciones con esclavos y las publicó como si estuvieran narradas por el ya citado tío Remus. En la enciclopedia británica, por ejemplo, tenéis una breve biografía suya si os interesa seguir con este tema.

Lo que Harris quería preservar no eran solo las historias, también la manera de hablar. No estoy preparada para empezar aquí un análisis sobre este tema, así que voy a dejaros ahí la información y que cada uno la interprete según quiera y pueda. Lo importante para esta entrada es el trabajo de Clark y, si al principio os hablaba de sus interesantísimas decisiones lingüísticas, aquí podéis ver cómo el autor siguió atando cabos.

Las narraciones en sí están cargadas de simbolismo, de violencia, de la pelea de los débiles contra los fuertes, y se enmarcan dentro del mundo de las fábulas.

Edward W. Kemble (1904)

De todas, tanto por Ring Shout en sí como para poner un contexto más sólido, os voy a hablar un poco más de Tar-Baby. Aquí el hermano Zorro (Br’er Fox, para que veáis el tema de la representación dialectal) crea un muñeco de brea para capturar al hermano Conejo. Cuando el conejo le encuentra y le saluda amigablemente no recibe ninguna respuesta lo que, percibido como mala educación, le hace golpearlo. Al hacerlo queda pringado por la brea y, cuanto más intenta escapar, más imposible le resulta.

Pero no todo está perdido para el hermano Conejo ya que, cuando el Zorro llega, le vence en astucia y le convence usando su crueldad contra él.

Tar-Baby no es solo un cuento de folklore, en cualquier caso. Hoy en día es una frase hecha y, además, el nombre de una novela de Toni Morrison que si hubiese leído seguro que termina con alguna conexión.

Toda esta mitología construye la intrahistoria de la protagonista, que a través de sus recuerdos y algunas visiones, nos lleva en una narración en primera persona a recorrer estos caminos. Aquí, por cierto, otro ejemplo de la escenografía con la que nos presenta el autor. Y es que lo hace con una espada que contiene las almas de señores racistas que tienen que expiar sus pecados. Este libro se disfruta mucho.

También destacan las anotaciones que separan las secciones del libro y que, de una forma u otra, van introduciendo al lector en algunos de los temas que trata. No son explicaciones muy claras, más bien citas de contexto. Ya os decía al principio que Obscura tiene las primeras páginas del libro gratis en su web y ahí podéis ver la primera.

Con esto voy a ir cerrando esta sección de la entrada, que ha quedado larguísima. Hay muchos más temas de los que podríamos hablar, incluso sabiendo que yo no los he pillado todos, pero de verdad la idea de la entrada era hacer una reseña y no un análisis. Ring Shout es un libro corto pero intenso.

Y, si habéis notado que no he hablado más de los personajes, es precisamente por la pequeña longitud de este trabajo. Creo que de conocer el contexto de antemano ganas experiencia lectora pero, en este caso, no lo creo de saber más de las protagonistas.

But I ain’t no scared girl no more. I hunt monsters — they don’t hunt me. So now I’m about to do something real brave or stupid»

Ring Shout (Clark)

¿PARA QUIÉN ES RING SHOUT?

Si os gusta la fantasía urbana, el terror, las narrativas con mitologías fuertes y lucha social creo que como poco os va a dar para charlas muy buenas.

  • Título original: Ring Shout
  • Autor: P. Djèlí Clark
  • Traductor: Raúl García Campos
  • Portada: Henry Sene Yee
  • Publicación: 23/9/2021
  • Editorial: Obscura
  • Páginas: 208
  • ISBN: 978-84-123243-5-8
  • Precio: 16,90€/6€
  • Género: Fantasía urbana. Histórica. Horror.
  • Autoconclusivo

Arte macroesquemático en Pla de Petracos

  • Prehistoria
  • Arte rupestre en abrigo
  • Período: neolítico antiguo
  • Cronología: 8000BP
  • Técnica: pintura

Aunque me he aventurado a poner una cronología en la ficha (8000BP) las fechas para el macroesquemático no tienen, de momento, una datación consensuada. En general podemos ubicarlo en el paso del Pleistoceno al Holoceno, momento en el que la humanidad empieza a asentarse y a convertirse de cazadores-recolectores en productores. Podemos llegar a esta conclusión por analogía con las decoraciones de la cerámica cardial, que presenta unas figuraciones similares y es más fácil de datar.

El conservador Jorge Soler en su vídeo para el patrimonio valenciano de 2021 lo data hace 7500 años.

Geográficamente se sitúa en la zona de Alicante comprendida entre el mar y la Serra d’Aitana, la Serra de Benicadell y la Serra de Mariola y fue declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1998. El marcoesquemático levantino, en general, se destaca por sus manifestaciones rupestres de gran tamaño (superan el metro) intentando utilizar todo el espacio disponible. Fueron realizadas en un espacio de pocos siglos.

En la imagen podemos observar una figura antropomorfa que se supone en actitud orante. Entre sus brazos está pintada una más pequeña, en posición similar. Rodeándolas signos serpentiformes.

Por signo entendemos expresiones esquematizadas que, desde la posición actual, no podemos interpretar. Son muy comunes en el macroesquemático donde no se presentan escenas como tales si no signos y antropomorfos que sugieren un simbolismo perdido.

Se hizo con una pintura densa, pastosa, de color rojo oscuro. Tallado con la concha de un berberecho.

Con la nitidez de la imagen que he usado para ilustrar la entrada y lo poco accidentada que parece otorga una sensación engañosa de la realidad de la figura. Para una apreciación mayor os dejo con un par de vídeos donde podréis observar le yacimiento y lo impresionante de la zona.

Con este tipo de entradas me suele gustar atarlo con obras de género a las que pueda parecerse, hacer algún comentario sobre qué significado damos en la actualidad a determinadas imágenes, pero con mucho del arte prehistórico que tiene cabida en Gorgonas es imposible.

Esta figura del orante no tiene, que sea reconocible por mí, una repercusión directa en la ficción actual. Lo que sí tiene para el público contemporáneo es un carácter inquietante, místico y con aires de fantasía que vuelven imposible no incluirla.

La figura humanoide que extiende los brazos hacia arriba, con lo que parece una boca abierta, y tiene encima a una criatura con aspecto mucho más humana, podía tener un significado en su momento de lo más normal y anodino. Pero ahora es terrorífica y podría ser la base de cualquier historia de terror sobre criaturas que hemos olvidado y que persiguen a la humanidad en pesadillas o en cualquier otro medio.

Las líneas alrededor, que se asemejan a cienpiés, no ayudan a ver el conjunto de una manera más amable.

Lo cierto es que siempre he sido una persona un poco extraña a la que le daba miedo la concepción de estas etapas de la historia de la humanidad. Quizá para la mayoría de vosotros sean figuras normales, que no producen ningún pensamiento al margen de la curiosidad, y pensáis que no debería incluirlas por aquí. No rechazo que mi visión nace desde un sesgo profundo y que no aporta mucho al conocimiento que tenemos sobre la fantasía, la ciencia ficción y el terror.

Sea como sea adoro la investigación y escribirlas y creo que siempre seguirán teniendo un hueco por aquí.

FUENTES

  • Garrido-Ramos, Beatriz. (2014). «PLA DE PETRACOS (ALICANTE): ARTE MACROESQUEMÁTICO», ArtyHum Revista Digital de Artes y Humanidades, sección de Historia del Arte, ISSN 2341-4898, nº 6, Vigo, 2014, pp. 151-159..
  • Menéndez, M., Más, M. y Mingo, A. 2009: El Arte en la Prehistoria. UNED. Madrid.
  • Vídeos oficiales de la Comunitat Valenciana en YouTube. Es sobre todo un canal enfocado al turismo y son los autores del vídeo Descubre el yacimiento arqueológico de Pla de Petracos https://www.youtube.com/watch?v=QrB6OXYiW-Q
  • Som cultura GVA. Canal de YouTube sobre patrimonio Valenciano https://www.youtube.com/watch?v=l3RKg6CyIOg

Reseña: «Circe» (Madeline Miller)

¿QUÉ ES CIRCE?

La segunda novela de Madeline Miller. Sigue su ciclo de mitos griegos y, de la Ilíada y sus soberbios Patroclo y Aquiles, vamos a la Odisea. En este caso, no obstante, no sigue el argumento homérico completo y prefiere mezclar varias historias para centrarse en la bruja Circe.

¿CÓMO ES CIRCE?

Aviso de contenido: violación. Diversos tipos de violencia

Dos novelas y dos historias cortas después, Miller ha dejado claro que su foco está en una escritura lírica de belleza indudable y en los personajes que se esconden detrás de los grandes dioses y héroes.

En la primera, La canción de Aquiles, seguimos a Patrocolo, el enamorado de Aquiles. En Circe tenemos a la bruja homónima que supuso uno de los más famosos obstáculos en la vuelta a casa de Odiseo/Ulises en la Odisea. Todo lo hace con el detallismo de alguien que conoce al dedillo estas narrativas, pero lo envuelve en un paquete que creo que es muy atractivo para los que no estén ya metidos en ellas.

Y, si en la obra anterior exploraba los grilletes del destino, la sensación de inevitabilidad, aquí ahonda en el vacío. En la escasez de expectativas. En una vida que solo puede destacar en lo negativo y que nunca podría acceder a la gloria que busca Aquiles y que les condena a todos.

Circe está condenada desde que nace. Es, después de todo, una mujer.

Para empezar esto se refleja en un trauma familiar duro y pausado. En general el paso del tiempo en esta novela es como ver las hondas del mar desde la orilla, sabiendo que a lo largo del día el agua va a ir comiendo espacio a la tierra y que todo sucederá delante tuya pero sin que puedas realmente percibirlo.

Ya he comentado varias veces por aquí que no me gustan especialmente las historias lentas. Soy una lectora impaciente. Sin embargo, en años recientes, no sé si mi gusto está evolucionando o si he encontrado excepciones muy especiales que me han enamorado hasta el tuétano.

Circe es sin duda uno de mis libros favoritos.

Pensaba que me iba a durar mucho tiempo, que lo iría intercalando con otras lecturas. Lo devoré en cuatro días y, si no hubiera tenido cosas que hacer, habría sido en menos.

Creo que lo que rompe mi impaciencia es la sensación de diálogo continuo. La primera persona en la que se presenta Circe, le da una ruptura percibida de la cuarta pared que te sumerge en una conversación que no busca ser una justificación del personaje, si no un ahondamiento en la humanidad de la imperfección y del trauma.

No es exactamente una identificación con el personaje lo que te hace conectar con ella si no una comprensión íntima de unos sucesos que se han repetido una y otra vez en la historia de la humanidad. A lo mejor no habrías hecho lo mismo que la protagonista, pero desde luego entiendes perfectamente sus motivaciones tanto para lo bueno como para lo malo. La quieres porque representa un dolor generacional que ha seguido extendiéndose desde antiguo y para el que nunca ha habido una etapa con herramientas que lidien de manera adecuada con él.

En este punto creo que es importante hablar del aviso de contenido en la cabecera de la entrada, violación.

Tengo el privilegio de que no me importa, en general, leer sobre violaciones. Es totalmente respetable no querer leer nada de ficción que las contenga y es, además, una queja que comparto del todo que debería eliminarse su uso exageradamente constante y en contextos que pasan de lo ridículo a lo profundamente ofensivo.

Pero las violaciones son algo que por desgracia ha marcado a la humanidad, sigue marcándola y su representación en ficción es necesaria a veces. Para mí Circe es uno de estos casos.

Miller es una autora cuidadosa cuando escribe violencia, escapa del mal gusto que me encontré por ejemplo en Joyride, y para la relación de la protagonista con su trauma y con su cuerpo es un paso ineludible. Sobre todo porque el objetivo de esta narración no es reescribir la Odisea, es ahondar en ella.

Cuando escribí sobre La canción de Aquiles os decía que uno de los objetivos era, de manera clara, explorar por qué contamos una y otra vez las mismas historias pero que con Circe esto era un poco diferente. El tema es que aquí lo que exploramos es por qué no contamos esta historia una y otra vez.

Por qué Circe es un obstáculo para Odiseo, una bruja en un sentido peyorativo, un monstruo que comete el que se considera el peor pecado en manos de una mujer. Y por qué no es un personaje con agencia propia, que sufre las consecuencias de las acciones de los héroes en su entorno, que es privada de voz y posibilidades. Que vive en un limbo de nada y horror.

Y en este contexto de definición de feminidad y violencia, de hablar de qué somos y dónde venimos, de explicar su relación con los hombres que pasan por su vida, creo que era una conversación inevitable.

Además Circe no nos da solo la insatisfacción de lo que malo que es el mundo. También la vemos crecer y yo por lo menos me sentí plena leyendo el proceso que la lleva conocerse a sí misma, a ahondar en el significado de su nombre y en el descubrimiento de su cuerpo. El orgullo de ser una bruja. El dolor de cometer errores que no puedes subsanar, que a veces son terribles hasta el peor de los extremos y seguir viviendo.

La protagonista no es humana pero al final es parte de este proceso intrínseco a la obra de la autora. El demostrar que detrás de todo gran mito lo que hay es humanidad a raudales.

Después de hablar (mucho) de la protagonista y de su relación con otros personajes está claro que hay que hablar del plantel de secundarios. Comentaba que este es un libro sobre soledad pero también sobre sus diferentes relaciones y es que, al final, hay muchas maneras de ser socialmente invisible.

Los demás personajes sirven el propósito principal de remarcar esto. Todos están de paso en la trama, tienen sus propias narrativas y, la mayoría de veces muy a su pesar, se cruzan en la vida de Circe y ya de paso intentan sacar algo de ella. Están muy bien escritos, sobre todo Odiseo, que ya apuntaba maneras de ser un terrible e impactante personajazo en La canción de Aquiles. Pero en general no tienen un arco propio con curva de aprendizaje.

Esto tiene mucho que ver también con la larga vida a la que está bendecida o maldecida, según se mire, Circe.

También hay puntos positivos en los secundarios, no son solo personas terribles que pasaban por allí. Y hay escenas, con algunos que odio, que son aún así muy enternecedoras. Todo en las relaciones humanas es complejo y a la vez muy sencillo cuando lo ves desde fuera.

Uno de los aspectos llamativos de toda esta ordalía es el de los otros personajes femeninos. Casi todas las relaciones significativas de Circe son con hombres y tiende a ser privada de todo vínculo de sororidad y apoyo. Incluso cuando lo ve pasar de cerca y trata de extender su mano la sociedad parece estar diseñada para separarlas y crear mundos heroicos de pitufinas.

En lo personal, para esta historia en concreto, me gusta que sea así. De nuevo creo que es un detalle fundamental para describir una soledad que en su base, despojada de los elementos fantásticos, muchas hemos sentido en algún momento.

Por otro lado la historia no bebe solo de lo humano y el mundo de lo natural y su relación con la brujería está muy bien explorado y descrito. El entorno se vuelve, así, fundamental para la concepción del Yo. Es su relación con ello, su conocimiento de lo externo, lo que puede llevar a la protagonista a un conocimiento mayor de lo interno y de la búsqueda de relaciones más sanas. No obstante es también la representación física de muchos eventos internos, una barrera a menudo imposible de cruzar.

Por ir cerrando ya, y es que podría pasarme horas hablando de esta novela, os diré que entiendo y comparto la fama exagerada que tiene. No quiero decir con esto que el libro os vaya a gustar sí o sí que tengáis mal gusto si no es el caso. Está claro que no existe una historia al gusto de todo el mundo.

El punto es que Miller borda el análisis de estas obras fundacionales del pensamiento occidental, que todo esto somos nosotros. Que la manera tan hermosa de escribir que tiene apela a cosas de las que, incluso aunque sea de manera inconsciente, hemos bebido siempre. De las que se ha construido nuestra personalidad.

¿PARA QUIÉN ES CIRCE?

Si os gusta la Odisea por la manera en que está escrita o por la manera en la que ha influenciado el resto de la ficción me parece bastante probable que disfrutéis Circe. Si no es el caso, no tenéis ni idea de todo esto ni os interesa, creo que podéis echarle un ojo de todas maneras. No os vais a sentir perdidos y apela a cosas que se sienten bastante universales.

La narrativa es lenta, pero insisto en que como lectora impaciente yo no lo he sufrido.Así que incluso con esas os sugiero que le echéis un ojo.

Ahora bien, si sabéis de base que no disfrutáis de las historias mitológicas, si especialmente sentís rechazo por la manera en la que están escritas, si no queréis leer sobre violencia ejercida contra la mujer, no os acerquéis aquí ni por todas las buenas reseñas del mundo. No hay nada que de carnet de lector y menos que un libro tenga fama. Al final hay pocas sensaciones peores que obligarse a leer un libro.

También quiero aprovechar esta sección para hablar de la moda incesante, con cada libro fantástico de fuerte base mitológica, de decir para fans de Madeline Miller. De catalogarlos instantáneamente como parecidos.

He leído dos que he visto promocionados fuerte con este tema, El corazón de la Bruja y Ella que llegó a ser el Sol. Se parecen lo que una manzana a una pera.

El corazón de la Bruja tiene sin duda una idea de base similar. Dos brujas maltratadas por su mitología, en este caso la nórdica. Pero la manera de Gornichec y de Miller de escribir es tan, pero tan diferente, que aunque compartan tema se sienten productos en polos casi opuestos. Además Gornichec busca más el romance y la sorpresa, definiciones más humanas aunque sean de cosas más grotescas. Y su narrativa es menos adulta.

Con Ella que llegó a ser el Sol tengo más difícil hacer una buena comparación porque no me gustó, así que siento que podría llegar a ser injusta. Parker-Chan tiene un estilo más preciosista que Gornichec, en ese sentido más cerca de Miller que ella. Pero en realidad ni en eso se parecen. Parker-Chan es menos lírica pero más Shakespereana y le da más importancia a los sabores, las texturas, los olores.

Donde en Miller hay una exploración mitológica en Parker-Chan tenemos una base mitológica pero una novela mucho más cercana a otro tipo de fantasía histórica oscura. La presentación de los personajes también difiere muchísimo. La autora de Circe plantea una narrativa que, aunque muy dura y dedicada a la exploración psicológica, tiene cierto punto de idealismo y comprensión. Incluso cuando sus personajes hacen cosas horribles. Con Parker-Chan, y este es uno de los puntos en los que puedo caer en una injusticia total y absoluta, los personajes son mucho más desagradables y, aunque puedes empatizar con ellos por el inmenso drama detrás, no los sentía cerca como lectora. Si habéis leído a Kameron Hurley yo pondría a la autora de Ella que llegó a ser el Sol en esa misma estela.

Supongo que la comparación está, en términos de márketing, más que justificada por sus trasfondos y primera persona. Si haces una lista de libros sobre fantasía y mitología entiendo su inclusión en el mismo sitio, por ejemplo. Sobre todo en el caso de El corazón de la Bruja. Pero en realidad son lecturas tan diferentes que si llegas a una desde la otra queriendo buscar algo con una esencia similar, creo que tiene más papeletas para que una u otra no te guste.

Puntuación: 5 de 5.
  • Título original: Circe
  • Autora: Madeline Miller
  • Traductor: Celia Recarey Rendo
  • Jorge Cano Cuenca
  • Publicación: 2018
  • Editorial: Alianza
  • Páginas: 448
  • ISBN: 978-84-9181-749-9
  • Precio: 26,95€
  • Género: Fantasía/Retelling mitológico
  • Autoconclusivo

Reseña: «La canción de Aquiles» (Madeline Miller)

¿QUÉ ES LA CANCIÓN DE AQUILES?

Primera novela de la autora estadounidense Madeline Miller. Aunque es autoconclusiva se mueve en el mismo universo mitológico griego que el resto de sus obras. Es decir, si os gusta esta podéis ir directamente a por Circe o a por la historia de Galatea.

Según la editorial:

Grecia en la era de los héroes. Patroclo, un príncipe joven y torpe, ha sido exiliado al reino de Ftía, donde vive a la sombra del rey Peleo y su hijo divino, Aquiles. Aquiles, el mejor de los griegos, es todo lo que no es Patroclo: fuerte, apuesto, hijo de una diosa. Un día Aquiles toma bajo su protección al lastimoso príncipe y ese vínculo provisional da paso a una sólida amistad mientras ambos se convierten en jóvenes habilidosos en las artes de la guerra. Pero el destino nunca está lejos de los talones de Aquiles. Cuando se extiende la noticia del rapto de Helena de Esparta, se convoca a los hombres de Grecia para asediar la ciudad de Troya. Aquiles, seducido por la promesa de un destino glorioso, se une a la causa, y Patroclo, dividido entre el amor y el miedo por su compañero, lo sigue a la guerra. Poco podía imaginar que los años siguientes iban a poner a prueba todo cuanto habían aprendido y todo cuanto valoraban profundamente.

¿CÓMO ES LA CANCIÓN DE AQUILES?

Saber cómo tenía que terminar la historia no me libró de la llorera. Este libro es una mezcla de ternura y dolor, de impotencia contra el futuro mientras saboreas y sufres el presente.

Madre mía. A ver cómo os cuento todo esto sin acabar con el corazón roto otra vez.

El argumento sigue la historia de la Ilíada y un pelín de la Odisea desde el punto de vista de Patroclo. Si estáis interesados en las historias clásicas, habéis visto la película de Troya o cualquier cosa por el estilo será un viejo conocido vuestro. Aunque sea de pasada. En caso contrario os diré que Patroclo es un personaje de gran importancia para una historia en la que es, a la vez, un secundario que queda bastante al margen de las grandes gestas que le rodean.

Patroclo era el compañero más cercano de Aquiles, el novio vaya. Sí, sí. Sé que hay muchos debates sobre la representación de la homosexualidad en la Grecia clásica y mucho no se puede usar la visión de hoy en día para juzgar cosas del pasado. Pero tampoco se pueden invisibilizar realidades y qué queréis que os diga, Madeline Miller lo borda.

Cuando cogí La canción de Aquiles ya era una obra muy famosa pero aún no tantísimo como ahora. Las reseñas que había leído se centraban siempre en la prosa llena de lirismo de la autora, en la cadencia clásica y bien investigada de su narrativa. Y todo eso son atributos que, sin duda, tiene y destacan. Pero a mí lo que me pudo fue el romance.

Ver a Aquiles a través de los ojos de Patroclo.

El punto cumbre de Miller aquí, que luego será diferente en Circe, es bañarnos en por qué contamos esta historia una y otra vez. Por qué occidente vuelve siempre a la Ilíada y a la Odisea. Los sentimientos universales. Es tan fácil entender todo esto y está tan bien contado.

Patroclo no encaja en su lugar natal. Su familia está rota. Y él termina sintiéndose roto después de un incidente muy serio que le manda a servir al padre de Aquiles. Allí sigue sin encajar hasta que su relación con el joven semidiós rubio despega y terminan convirtiéndose en inseparables. Encuentran juntos su hogar y en perlas diminutas hayan una felicidad que se aleja de su vida real y de lo que se espera de ambos.

Pero Aquiles no es capaz de separarse de lo que se espera de él, de su necesidad de destacar, usar sus dones, tener una historia que será contada. Y por lo tanto de lanzarse a su oscuro destino.

En este aspecto Miller escribe además a una brillante y dura de leer madre de Aquiles, un personaje difícil de llevar por su entendible rencor a los humanos, por el miedo a lo que espera a su hijo y con una relación difícil con todo lo que le rodea.

Existe todo un mundo de pulsiones en torno a Aquiles. Un deseo de protegerle, de engrandecerle, de disfrutar de su sonrisa y a la vez de su incapacidad para la empatía a menudo, que empuja a los personajes cercanos y ataca a los demás con una envidia y deseos de manipulación que concluyen en un final perfecto. Perfecto y desesperante. Y lento. Y sobrecogedor.

En su esencia es, además, una historia sobre la guerra, como no podría ser de otra manera. Miller no es una gran escritora de batallas si no de sentimientos humanos. Su versión de esta historia se centra en una reflexión sobre qué mueve a los héroes y la cantidad terrorífica de pequeñas crueldades que terminan confluyendo para crear las peores de todas ellas.

Es una historia sobre nombres y apellidos mientras mueren colectivos. Sobre a qué obedecen las cosas que perdemos cuando la gente que está por encima de nosotros se pelea. Sobre el destino. Sobre el miedo al olvido y nuestra visión de nosotros mismos.

Aquiles se ve aterrado por la pérdida de lo que considera su esencia y su visión no termina de construirse hasta que no descubre qué es lo que le compone realmente.

Para terminar quiero volver, brevemente, al tema de la prosa de Miller. He comentado de pasada su lirismo y academicismo pero es importante destacar que no es una lectura que se sienta densa. Lo cogí con miedo pero fue muy fluido incluso pese a haberlo leído en inglés. No os recomiendo que os lancéis a ello si no estáis acostumbrados a leer en este idioma, claro. Tampoco es eso. Pero si ya lleváis ritmo con el tema no os va a costar.

¿PARA QUIÉN ES LA CANCIÓN DE AQUILES?

Si os gustan las historias sobre mitología clásica que se centran más en las personas que en los dioses, disfrutáis del lenguaje y de narrativas que se centran en disfrutarlo, si queréis leer una buena y trágica historia de amor, este es vuestro libro.

Además la edición española es preciosa. Lo leí en inglés y prefiero los libros en tapas blandas pero es innegable que la editorial ha puesto bastante mimo en los libros de esta autora.

Puntuación: 5 de 5.
  • Título original: The Song of Achilles
  • Autora: Madeline Miller
  • Traductor: José Miguel Pallarés Sanmiguel
  • Publicación: 2011
  • Editorial: Alianza
  • Páginas: 392
  • ISBN: 978-84-1362-213-2 EPUB: 978-84-1362-214-9
  • Precio: 20,95€ (papel)/12,49€ (epub)
  • Género: Fantasía/Retelling mitológico
  • Autoconclusivo

Reseña: Thomas the Rhymer (Ellen Kushner)

¿QUÉ ES THOMAS THE RHYMER?

Ganador del Fantasy Award (empatado con Only Begotten Daughter) y del Mythopoeic Fantasy de 1991, es una versión novelada de una historia medieval escocesa.

Os traduzco el argumento aunque, como siempre, recordad que no soy una profesional.

Un juglar vive de sus palabras, su música y, a veces, de sus mentiras. Pero cuando el audaz y talentoso joven Thomas the Rhymer despierta el deseo de la poderosa reina del País de los Elfos, descubre que las palabras no son suficientes para salvarle de su destino. A medida que la Reina le arrastra lejos de la gente que ha conocido dentro de su reino de magia, opulencia y cautiverio aprende lo que es verdaderamente ser humano. Cuando regresa a casa con el regalo de despedida de la Reina, su gran tarea será buscar a la chica a la que amó y agravió y ofrecerle por fin una lengua que no puede mentir.

¿CÓMO ES THOMAS THE RHYMER?

Escogí esta lectura por curiosidad, porque pensaba que había ganado el Fantasy Award el año que nací y porque lo único que había leído antes de Kushner, A punta de espada, me había gustado. Resultó que lo había ganado otro año, que podría estar escrito por otra persona para lo que se parece a lo que había leído suyo y que me metió en un parón lector tremendo. A Thomas the Rhymer le he dedicado sangre, sudor y lágrimas. Pero eso no significa que no me haya gustado, me parece muy buena novela.

Vamos a entrar al trapo.

La novela se divide en cuatro narradores. Los primeros son Gavin y Meg, un matrimonio que acoge a Thomas, el propio Thomas, que es el centro de la historia, y su amor mortal, Elspeth. El orden de estos personajes corresponde a las diferentes secciones del libro y esto es una parte importante para explicar cómo funciona la novela.

El principio, con Gavin y Meg, es costumbrista y una introducción más a un estilo de vida que a la historia en sí. Son páginas lentas, muy lentas. En este punto de la lectura apreciaba el estilo de Kushner pero estaba a punto de abandonar la lectura.

De ahí pasamos al relato de Thomas y su historia con la reina de las hadas. Esta parte es sexual, curiosa y a la vez un poco extraña. No ayuda que Thomas es un personaje, a mi gusto, muy desagradable. Su trato y opinión de las mujeres me irritan sobremanera y la escasez de carisma se hace notoria.

Para el final está Elspeth, el amor mortal, una representación del paso del tiempo y las expectativas. Cierra la historia de una manera que difícilmente se puede considerar satisfactoria pero que cuaja mucho con lo que está contando, a mí en ese sentido se me ha hecho perfecto.

La construcción del mundo y el sistema mágico son muy básicos y no ocupan mucho espacio. Pero, aunque es contradictorio, en el mundo, en la pluma de Kushner haciéndote evocar, es donde está el fuerte de esta novela. Para mí lo mejor de Thomas the Rhymer es la sensación ambiental que crea.

Está escrito en un estilo lírico pero no sobrecargado, al servicio de una soberbia sensación de historia antigua de hadas, clásica. A este aura contribuyen también algunas portadas, que son una delicia.

En ese aspecto destaco, por cierto, que aunque yo he puesto en la ficha del libro una de las portadas que menciono la edición que más fácilmente vais a encontrar es la de Fantasy Masterworks de 2015, mucho más sencilla y mucho menos apropiada para este libro en mi opinión.

Aprovechando esto os aviso también de que no está en español, no parece que haya sido traducida nunca, y no es un libro nada amigable con gente que no esté habituada a leer en inglés. No porque use un lenguaje exageradamente complicado y ya os digo que no está sobrecargado, pero a toda la historia la acompaña una densidad que creo que se puede atragantar fácilmente.

El argumento en sí, como os podréis imaginar por todo lo anterior, tampoco es muy complicado y también sirve para el ambiente. Además es una historia que ya existía y Kushner tomó la decisión de ser muy fiel. De nuevo todo puntos que bajan la agilidad de la lectura pero que aumentan lo que la autora claramente quería, ahondar en la sensación de cotidianeidad e historia de hadas clásica

Un aspecto paralelo a la trama, y que liga tanto con el lenguaje como con la intención de la autora de ceñirse al original por lo menos en gran medida, es la presentación del dilema de la verdad y la mentira. Si habéis leído el argumento habréis visto cómo la manipulación y el carisma se definen desde el principio como aspectos esenciales al personaje y que esto va a estar confrontado con los eventos a los que se enfrenta.

Thomas the Rhymer tiene mucho de intentar escribir conversación sin diálogo y de debate entre qué consideramos una bendición y qué es un castigo disfrazado. Este planteamiento es mi otra cosa favorita.

También juega a su favor ser un libro de fantasía no muy largo y conclusivo. A mí desde luego es algo que me ayudó mucho cuando más cuesta arriba se me hacía la lectura.

In the sleepless dark, all things are possible, the worst most likely, all darkness visible. There he lay, as near as comfort, as far as the other side of death, silent and far away in sleep.

Thomas the Rhymer (Kushner)

OTROS AUTORES

Llegados a este punto siento que me faltan medios para poder explicar esta novela como se merece y creo que mi mejor opción es hablaros de ella en perspectiva a otros autores.

Voy a empezar con Patrick Rothfuss ¿Habéis leído el Temor de un Hombre Sabio? En la segunda entrega de la Crónica del Asesino de Reyes hay una trama extraordinariamente parecida entre el protagonista, Kvothe, y una fae llamada Felurian. Que la trama sea parecida no tiene mucha relevancia porque los secuestros féericos de este estilo son un elemento bastante común en este tipo de historias.

El tema es que Rothfuss también tiene un estilo muy lírico sin ser sobrecargado y que cuentan lo mismo, con protagonistas con opiniones sobre lo femenino que te pueden hacer fruncir el ceño y ambas historias tienden a dejar un regusto amargo en la boca.

En mi opinión Kvothe es mucho más carismático que Thomas y es una saga contada con bastante humor. Por encima de todo, la escritura de Rothfuss se basa en el misterio y en Thomas the Rhymer el argumento pasa muy desapercibido. Es como si intentaseis descontextualizar ese episodio completamente del resto de la saga de Kvothe.

Por contra Rothfuss en ningún momento tiene (ni busca) esa ambientación tan envolvente que destaca en Kushner.

No sé si el autor estadounidense ha leído Thomas the Rhymer pero en base a la foto que podéis ver aquí de él llevando merchandaising de la saga La Ribera, podemos asumir que disfruta las obras de esta autora.

También es una pluma similar a la de Neil Gaiman en algunos momentos de American Gods, cuando lo grande no importa y el mundo parece hacerse más recogido pese a la magia.

Una comparación un tanto tramposa y surgida del apartado más costumbrista es Cien Años de Soledad, de García Marquéz. En la obra del autor colombiano al principio la familia Buendía tiene unas tramas exuberantes y luminosas que se van apagando con una sensación de pérdida de magia que permea cada página. De esto hay mucho en la separación entre personajes y en cómo está contada la novela.

Aunque no la he leído me han dicho que tiene una prosa similar a la de Patricia McKillip, autora que ha sido recuperada recientemente por Duermevela con un una edición que se ve preciosa de Las bestias olvidadas de Eld.

A punta de espada, el primero de la saga La Ribera y el único otro libro de Kushner que he leído, la autora con la que podría compararlo es Lynn Flewelling. Es un libro mucho más ágil, con mayor construcción de mundo. Hay más importancia en los personajes, que son más carismáticos y se vuelve, en general, una lectura mucho más amable y divertida. Con esto no quiero decir nada bueno o malo. Simplemente que son tipos de historias y maneras de narrar diferentes.

¿PARA QUIÉN ES ES THOMAS THE RHYMER?

Creo que Thomas the Rhymer gana mucho si estás metido en el mundo del romance medieval de Reino Unido (Thomas Learmont era escocés) o, simplemente, si antes de lanzarte a por él buscas de dónde viene todo esto. No es necesario, en cualquier caso. Se entiende bien, todos tenemos una idea cultural de qué tipo de historia es a través de otras y al final se trata de disfrutar la escritura de Kushner.

Como decía no vais a poder leerla en español de momento y no os recomiendo que os lancéis a ella sin estar acostumbrados a leer en inglés (o en cualquiera de los otros idiomas a los que sí ha sido traducido).

  • Autora: Ellen Kushner
  • Publicación: 1990
  • Género: fantasía/cuento de hadas
  • ISBN: 9780553586978
  • Páginas: 258 
  • Precio: 6,80€

Reseña: Dorohedoro (Q.Hayashida)

Kaiman, protagonista del manga Dorohedoro, come gyozas
©Q.Hayashida

¿QUÉ ES DOROHEDORO?

Publicado entre el 2000 y el 2018, Dorohedoro es un manga de 167 episodios recopilados en 23 volúmenes tankōbon. Pasó por varias revistas pero todas ellas bajo el sello de publicación de la inmensa Shogakukan, que a su vez es parte de uno de los mayores grupos editoriales de Japón.

Está catalogado como un seinen, es decir, una historia para adultos. El tono es de fantasía oscura repleta de body horror.

Empieza con Kaiman, un hombre sin recuerdos y con cabeza de animal que está intentando descubrir su pasado y a la persona que le maldijo. Le ayuda su gran amiga y cocinera de gyozas, Nikaido. No obstante es una historia con un plantel muy plural y que va dividiendo protagonismo según avanza.

¿CÓMO ES DOROHEDORO?

Tiene, de lejos, uno de mis principios favoritos en la ficción.

Kaiman, el protagonista, se introduce la cabeza de uno de sus enemigos en la boca y le pregunta qué le ha dicho el hombre en su interior.

Kaiman, protagonista del manga Dorohedoro, se introduce la cabeza de uno de sus enemigos en la boca

Es potente, inquietante, con un dibujo excelente y deja planteado todo lo que hace falta para desplegar la extrañísima historia de este manga.

Dorohedoro es curioso. Se baña en lo gore, incómodo, en la reducción del cuerpo a sus mínimas partes, en la crueldad. Pero a la vez es, por encima de todo, una historia sobre vida cotidiana y familia. Un relato sobre gente leal, que quiere mucho a los suyos, que hace cosas extremas y que se lleva a matar con todo el resto del mundo. Quitando una trama de dos personajes todos los grupos de Dorohedoro me han funcionado y he sufrido muchísimo cuando tenía que verles enfrentarse. Y, encima de todo, es muy gracioso.

Como buena historia sobre familia también es una historia sobre comida. Sobre el elemento centralizador que supone, sobre cocina y la gente que cocina y sobre el toque hogareño en los lugares más extraños del universo.

Kaiman y Nikaido, del manga Dorohedoro, cocinan juntos
©Q.Hayashida

A esto sumadle un sistema mágico que me ha dado algunos de mis momentos favoritos. Nunca os rías de alguien capaz de crear setas, os lo advierto. Es sencillo, muy bien explorado y con una buena capacidad de dejar en shock a la vez que provocar carcajadas.

Esta debe ser la primera vez que me gusta una cucaracha gigante.

Lo estético lo marcan el amor por lo feo y lo grotesco mezclados con grandes dosis de gusto por moda de tribus urbanas, desde el punk al metal. Destacan las máscaras, que se mueven muy bien entre lo espeluznante y la comedia. Todo son partes de un puzzle visual post-apocalíptico grandioso.

Noi, Shin, Fujita, Ebisu y En del manga Dorohedoro sentados juntos de frente a la cámara.
©Q.Hayashida

Nada de esto impide, sin embargo, un gusto por la belleza en un sentido más tradicional y que crea algunas escenas repletas de dulzura. Lo que hace Hayashida es digno de los mayores elogios.

Reconozco que a veces es una obra un tanto confusa y que puede perder un poco el norte. No obstante para mí la trama se mantuvo interesante hasta el final. La autora supo tomar las decisiones que más convenían al manga y utilizar a sus personajes en consecuencia.

Incluso en los momentos en lo que, por un motivo u otro, desaparecían mis favoritos, no decaía. Otro personaje se vuelve soberbio y tira de Dorohedoro hasta una conclusión que creo que es la que necesitaba.

Lo que mejor mantiene la historia en estos 23 tomos es la capacidad de Hayashida de mezclar escenas completamente delirantes con momentos de horror escalofriantes de verdad. He hablado varias veces de lo dulce y lo familiar en esta reseña pero que eso no os engañe. Cuando esta obra quiere incomodarte te incomoda.

También es importante recalcar que, aunque a mí no me ha molestado demasiado en la lectura, la sexualización de personajes femeninos puede llegar a ser bastante exagerada. Los personajes en sí, excepto una, me gustan mucho. Pero puede ser bastante indeseable para según que lector así que merece la pena avisar en la reseña.

En resumen Dorohedoro es un manga que mezcla muy bien lo inquietante con la comedia, tiene unos personajes excelentes y se mantiene con una calidad consistente a lo largo de sus 23 volúmenes.

Un demonio del manga Dorohedoro saluda con la mno
©Q.Hayashida

¿PARA QUIÉN ES DOROHEDORO?

Si estáis buscando un cómic adulto que os haga sentir bien pero os de body horror y cosas turbias esta es vuestra historia.

Portada del maga Dorohedoro publicado por ECC
  • Autora: Q. Hayashida
  • Nombre original: ドロヘドロ
  • Publicación original: 2000-2018
  • Editorial: ECC
  • Género: Fantasía para adultos
  • Tomos: 23
  • ISBN: 978-84-17316-47-1
  • Precio: 9,95 €

Reseña: «Gideon la novena» (Tamsyn Muir)

¿QUÉ ES GIDEON LA NOVENA?

Ciencia ficción que sabe a fantasía con necromancia intergaláctica y buena representación LGBTQ+. Es la historia de Gideon y Harrow en una mansión muy siniestra con toques de Agatha Christie.

¿CÓMO ES GIDEON LA NOVENA?

Qué libro tan divertido y macarra.

A estas alturas creo que he repetido hasta la saciedad en Gorgonas que lo que a mí me engancha a un libro, salvo contadas excepciones, son los personajes y las dinámicas entre ellos. Gideon trata de esto y, aunque tiene muchas más virtudes, en realidad esta es la única que importa.

Y es que no creo que se pueda disfrutar esta novela si no te enamoras un poco de su protagonista.

La historia funciona a través de una pila de cosas chulas. Gafas de sol, necromancia, castillos, referencias a saco a la cultura pop y a memes, duelos entre gente exageradamente guapa, seducción. Y todo al servicio de un enemigos a amantes a fuego lento que creo que debe hacerse pesadísimo si no conectas con ellas.

A esto añadidle un principio en el que los eventos se suceden de una manera un tanto atropellada y falta de interés mezclando algunas ideas que, para mí, luego desmerecen a las protagonistas. Es una exposición del mundo que no consigue estar a la altura de la historia que Muir nos está contando. Y eso pese a tener una secuencia de inicio brillante en la que se explica que Gideon no corre para llegar a los sitios.

Tampoco ayuda que a veces se vuelva caótico. A pesar de tener una guía al inicio tardé en ubicarme con los personajes secundarios y eso evitó que la mayoría me interesasen lo suficiente como para entrar bien en sus momentos de emoción o drama.

En cualquier caso con todo esto no pretendo disuadir a nadie de su lectura. A mí me ha entrado genial. Es una obra palomitera, con un sentido del humor maravilloso, a veces tontísimo y que una vez coge ritmo ata secuencia inolvidable tras secuencia inolvidable.

En lo personal, me ha encantado. Es literalmente un libro que he intentado escribir y no he sido capaz. La autora tiene toda mi admiración.

Como digo, Gideon, que es la protagonista, y Harrow, su contrapartida, son la base de la trama y si te gustan ellas probablemente esto lo vas a gozar muchísimo. Tienen una manera tan exageradamente carismática de hablar, de vestir, de interactuar entre ambas. Y que desde el principio de la historia sepamos que Gideon tiene revistas porno y la manera en la que trata la sexualidad y las representaciones variadas es simplemente brillante. Como han dicho en todas partes, lesbianas en el espacio. Es un sí mayúsculo.

Además tienen un matiz muy curioso y es que en este enemigos a amantes los personajes no necesariamente han cambiado en ningún sentido. Es más un proceso de curva de aprendizaje en otras áreas que junta unas cosas con otras. Esto es muy importante porque convierte al libro entero en un puzzle maravilloso.

También destaco que las anticipaciones y las consecuencias son apasionantes y al final las apuestas están tan altas que es difícil despegar la nariz del libro. Solo quería más.

Y la portada. Qué maravilla de ilustración. Es una representación perfecta de todas las cosas buenas que he querido transmitir en esta reseña. En especial se puede ver a golpe de vista la mezcla de géneros/épocas para juntar todas las cosas excitantes que definen Gideon la novena.

¿PARA QUIÉN ES GIDEON LA NOVENA?

Si tenéis ganas de una relación tortuosa y maravillosa entre dos mujeres cuyo principal trabajo es ser espectaculares esta es vuestra novela. Es graciosa, la atmósfera es atractiva a más no poder y toca todos los palos en el terror, la fantasía y la ciencia ficción.

Portada de Gideon la novena de Tamsyn Muir. Publicado por Nova
  • Autora: Tamsyn Muir
  • Traductor: David Tejera Expósito
  • Nombre original: Gideon The Ninth
  • Publicación: 10/9/2019
  • Género: fantasía/cifi
  • Saga: La tumba sellada 1/4
  • ISBN: 9788417347970

Reseña: The Red Scholar’s Wake (Aliette de Bodard)

Antes de nada un aviso: el libro lo conseguí en Netgalley a cambio de reseña. No ha afectado en nada a mi opinión pero creo que siempre hay que contar estas cosas. Además ¡muchas gracias a la editorial! No creo que vayan a ver esto estando en español pero el sentimiento es lo que cuenta.

¿QUÉ ES THE RED SCHOLAR’S WAKE?

Aliette de Bodard creó Xuya como un universo de ciencia ficción en el que las culturas asiáticas son dominantes. Predominan la ambientación China y de Vietnam, un trasfondo de confucianismo, eruditos que gobiernan mundos y naves sintientes que forman parte de linajes familiares.

Está conformado por varias novelas e historias cortas de las cuales The Red Scholar’s Wake es el último lanzamiento. No he leído nada más de Xuya así que no sé si los personajes son viejos conocidos, si hubiera tenido mayor profundidad conociendo las historias principales, o si se supone que era obligatorio leer algo antes. Pero lo cierto es que lo he entendido todo y me lo he pasado bien.

Creo que no hay mucho de Bodard en español pero la editorial RedKey ha llegado a editar la maestra del té y la detective que es parte de este universo. Podéis encontrarlo en su tienda.

Si leéis en inglés y queréis saber seguro por dónde empezar en este universo tenéis una sección en la web de la autora que además incluye una cronología.

Bodard nació en USA, creció en Francia y es de ascendencia Vietnamita. El idioma en el que escribe es inglés así que si queréis leerla en original esta sería la opción.

Pero bueno. Dicho todo esto ¿De qué va The Red Scholar’s Wake? pues os lo traduzco a continuación aunque siempre recordando que no soy traductora.

Xích Si: creadora de robots, analista de datos, madre, chatarrera. Pero esos días han acabado ahora que su nave ha sido capturada por la flota pirata del Estandarte Rojo, famosos por sus engaños y crueldad. Xích Si espera ser torturada hasta la muerte cuando la enigmática líder de los piratas, Rice Fish, llega con una proposición diferente e inesperada: un matrimonio concertado entre Xích Si y ella mima.

Rice Fish: nave sintiente, líder de la infame flota pirata del Estandarte Rojo, esposa de la Sabia Roja. O, por lo menos, lo era hasta que su mujer murió en circunstancias sospechosas. Ahora aislada y sola, Rice Fish quiere la ayuda de Xích Si para descubrir quién dio el golpe contra ellos y por qué. Casarse con Xích Si significa que Rice Fish puede ofrecerle protección a cambio de la capacidad tecnológica de Xích Si: un trato de negocios sin más.

Pero a medida que la investigación avanza, Rice Fish y Xích Si se encuentran enamorándose la una de la otra. Mientras la guerra interestelar contra la piratería se intensifica y las cinco flotas empiezan a pelearse entre sí, tendrán que posicionarse y decidir qué clase de futuro pueden tener juntas.

La portada de la que he puesto el trocito de imagen para encabezar la entrada es de la ya habitual nominada a los Hugo Alyssa Winans. Espectacular en mi opinión. Aquí tenéis su web. Esa corresponde a la edición inglesa pero también hay una USA, la que a mí me venía con el epub, de hecho. Esta es obra de Ravven y podéis encontrar su trabajo aquí.

¿CÓMO ES THE RED SCHOLAR’S WAKE?

Esta parece la reseña del todo lo que tienes que saber antes de. Pero bueno, aquí viene otra pequeña puesta en contexto. El caso es que, aunque no he leído nada de Xuya, sí he leído antes a Bodard. Una con Servant of the Underworld (primero de su saga Obsidian and Blood) y otra con The House of Shattered Wings (primero de Dominion of the Fallen). Servant me costó, finalmente sentí que me había gustado y luego, por cómo lo olvidé todo y nunca tuve ganas de seguir, me di cuenta de que en realidad me atraía en ambientación pero no me enganchaba per se. The House of Shattered Wings fue, probablemente, mi mayor decepción el año que salió.

Aún así siempre he seguido con un ojo puesto en la carrera de esta autora. Siento que no me ha encajado por muchos motivos pero que estamos ahí, a punto de cuajar y terminar en un amor de lectora enorme. Con The Red Scholar’s Wake no he terminado en obsesión o fascinación pero me he divertido bastante. Y creo que esto era algo que me faltaba en ella, poder disfrutar de la lectura saliendo de la admiración por una construcción de mundo y ambientación fuera de lo común, que para mí eran sus rasgos definitorios.

El problema es que esta vez ha sido justo la construcción del mundo y de la trama lo que me ha fallado. La base del por qué del matrimonio concertado me ha parecido, como poco, extraña. El de Rice Fish y Xích Si es en cualquier caso un instalove entretenido y con suficiente carisma como para que me de igual. La trama es sencilla, sin sorpresas, y efectiva por eso mismo. Lo que esperas en cada momento es lo que te da.

Más compleja es la brújula moral de los personajes y el comentario político de trasfondo, que a veces me estaba haciendo arquear un poquito la ceja y poner cara de no tengo ni idea de qué me quieres contar con esto. El tema es que, como digo, esta es una historia de piratas espaciales. Y cuando hablamos de piratas hay siempre una línea sobre qué acciones hace alguien para salir de la ley, qué peso podemos poner en la ley, cuánto podemos perdonar ante el enfrentamiento a un sistema opresivo.

A veces la historia es, simplemente, una aventura. Te lo pasas bien y prefieres no debatir demasiado sobre qué hay detrás de eso. Otras es la intención de la historia hacerte pensar. Aquí hay un poco de búsqueda de las dos cosas y por momentos las justificaciones y juicios morales, que se basaban en un constante ¡esto no es lo que parece!, me estaban molestado un poco.

En especial porque fuera de las dos protagonistas no he encontrado personajes que me enganchen.

También el proceso de duelo y superación tiene un ritmo desconcertante.

Pero, pese a todo esto, de verdad me he divertido mucho en la lectura. Hay cosas tan tontorronas y tiernas en un buen sentido, la idea de ser una persona y un lugar, el reflejo de esto en la frase un lugar seguro. Un uso habilidoso del idioma, la manera en la que plantea el lenguaje neutro. Multitud de frases destacadas que han terminado a buen recaudo en mi cuaderno de lectura.

Y, la verdad, es que aprecio esta nueva tendencia hacia protagonistas que no son niños ni están en el principio de la veintena. Que además son madres y padres.

Esta es una de esas historias que, sin tener muchas descripciones, parece tener color y olor. Es agradable, como un día frío con algo para calentar las manos. Creo que ha salido en la estación del año perfecta para la historia que es.

¿PARA QUIÉN ES THE RED SCHOLAR’S WAKE?

Si queréis una lectura breve, un romance instantáneo, ligero, entretenido, cosas pasando porque sí, porque es lo que quieres leer la verdad, esta es vuestra historia. Es uno de esos libros perfectos para meter entre lecturas de grandes sagas.

Si estáis aquí buscando una ciencia ficción con grandes misterios y trasfondos complejos entonces mejor buscad otra cosa.

  • Autora: Aliette de Bodard
  • Publicación: 24/11/22
  • Editorial: Independent Publishers Group
  • Género: CiFi y Romance
  • Saga: Un romance en el universo Xuya
  • Páginas: 350
  • ISBN: 9781625676108

Reseña: «Cada corazón, un umbral» (Seanan McGuire)

Cada corazón un umbral de Seanan McGuire

¿QUÉ ES CADA CORAZÓN, UN UMBRAL?

Según la editorial: Deslizándose entre las sombras bajo la cama, o a través de un armario, o por madrigueras de conejos… los niños siempre han sabido acceder a mundos mágicos. Pero ¿qué ocurre cuando regresan y no consiguen adaptarse y no son aceptados por sus familias? Eleanor West tiene un internado que acoge a estos niños que quieren volver a su mundo de fantasía. Pero con la llegada de Nancy algo cambia en el internado y pronto tendrán que enfrentarse a una tragedia por sí mismos.

La página web de Alianza tiene subidas las primeras páginas de la novela, por si queréis darle un tiento.

Fue la novella ganadora de los premios Hugo, Nebula, Locus y Alex.

¿CÓMO ES CADA CORAZÓN, UN UMBRAL?

La fantasía de portales es uno de los subgéneros más comunes en las historias infantiles. Un niño cruza a un mundo plagado de magia, vive una o varias aventuras y, después, vuelve a casa. Partiendo de aquí y de que, a menudo, este tipo de historias tienen una cantidad de contenido espeluznante digno de análisis, era esperable que cada vez existiesen más narrativas que lidian con el trauma posterior y el por qué.

Cada corazón, un umbral lo hace de manera magnífica.

Los chavales de esta novela corta son incapaces de adaptarse a lo que la sociedad requiere. Esto es, hacerse adultos y abandonar la fantasía. Reconocer sus experiencias como inválidas, no reales, no volver nunca atrás y convertirse en las personas que sus padres esperaban que fuesen.

En el internado de Eleanor West tienen la oportunidad de rehacerse, conseguir una nueva familia encontrada o descubrir lo suficiente de sus mundos y los demás como para entender del todo su situación y tomar las decisiones consecuentes. Dentro de la narrativa todas estas vertientes están escritas de manera excelente.

Las interacciones entre los adolescentes son realistas, interesantes, fáciles de leer. Ver el grupo que están creando, que ser diferentes no hace que tengan que llevarse bien con todos los que están al margen de la línea social general y qué tipo de historias han llamado a cada uno y sus personalidades se me hizo maravilloso.

En la construcción del mundo es donde tenemos, creo que de manera indudable, lo mejor de Cada corazón, un umbral. Los cuentos infantiles son, desde antiguo, avisos. cuentos con moraleja. Macabros. Los niños pueden ser muy crueles y el mundo en el que viven aterrador. Y la manera en la que McGuire teje esos hilos construyendo escenas preciosas y escalofriantes es brillante.

Yo no había leído nada suyo antes y, en lo personal, lo he encontrado bastante parecido en preciosismo y narrativa a las historias de Neil Gaiman.

Otro de mis detalles favoritos es que, además de ser una historia con arco narrativo normal, tiene mucho de estudio de fantasía. Hace un análisis bastante a detalle de este tipo de historias, de los mundos que podemos encontrar. Presenta un compás que sirve para definir los mundos según el grado de oscuridad o de abstracción y me parece magnífico.

En la página web de Tor Stubby the Rocket ha hecho el trabajo de mapear de manera gráfica este apartado, por si os interesa.

Para más representación de lo diferentes que pueden ser estos relatos infantiles nos describe un grupo de personajes diversos en todos los ámbitos: nacionalidad, tipos de piel, orientación y género…

No estoy capacitada para juzgar si es una representación buena o mala. Lo que os puedo decir es que se nota que está escrita con la mejor de las intenciones y que la manera en la que lo entrelaza con lo que absorbemos desde la infancia es muy interesante.

Dicho todo esto hay algunos aspectos de la novela un poco más difíciles de juzgar y de comentar.

El primero es el argumento en sí de la historia. De lo que trata Cada corazón, un umbral es de una serie de asesinatos entre los niños y de los que el resto de alumnos es sospechoso. Hasta aquí bien, un buen argumento en este tipo de historia. Le pega y da algunas de las mejores escenas, como todo lo que rodea a una autopsia.

El problema es la reacción de los adultos a los problemas. La directora y los profesores son, la mayor parte del tiempo, personajes ridículos que tienen como única función no molestar demasiado en lo que la autora quiere contar sobre los niños. Y quizá, además, aunque entiendo que la brevedad manda, hubiera equilibrado un poco la historia que no todos los padres fueran unas personas bastante horribles.

Para cerrar la trama del misterio tengo que deciros que es un poco demasiado predecible. Si bien esto no suele ser un problema para mí aquí sí lo es. Le falta chispa. La narrativa se pierde en el fondo de la historia, en las cosas brillantes, y eso pesa a un ritmo que se hace un poco desigual.

Lo siguiente es el personaje de la protagonista y narradora, Nancy. Nancy hizo un descenso al Inframundo, uno de los puntos centrales de la fantasía de portales, y ahí cambió su gusto por los colores vivos a encontrar una comodidad en el negro y la escala de grises de la que no quiere desprenderse. Lo que también aprendió, y este es el punto complicado, es a quedarse completamente quieta en silencio durante grandes periodos de tiempo y a prácticamente no alimentarse. Lo único que cae bien en su estómago son pequeños trozos de fruta y demás picoteos ligeros.

En lo personal me gusta porque el resto de personajes femeninos son muy variados y esto es solo una faceta más de algo que todos conocemos. Aún así entiendo perfectamente que muchos lectores se han sentido incómodos con su trama, con la representación de estos atributos y la sensación de que tiene un trastorno de alimentación que se trata quizá de una manera demasiado ligera. Insisto en que no es lo que yo opino pero sí creo que es importante añadirlo en la reseña por si creéis que esto puede ser un problema para vosotros.

Este pequeño debate sobre la historia de Nancy impregna además el final de su historia. Evitando cualquier spoiler no entraré en este punto excepto para decir que a mí me ha gustado y me parece que todo se cierra, sea como sea, de manera consecuente.

¿PARA QUIÉN ES CADA CORAZÓN, UN UMBRAL?

Aunque es una historia juvenil os advierto de que tiene escenas bastante duras y una violencia explícita. Como os he dicho a lo largo de la reseña no es algo que no forme parte de la ficción infantil desde hace eones pero eso no hace que vayáis a tener más ganas de leerlo. Si estáis buscando algo que se sienta feérico y lejos de las corrientes fantásticas que tiran hacia el Grimdark esta no es la historia que queréis.

Si lo que buscáis es abrazar vuestra propia extrañeza, el proceso de crecer como fan de la fantasía y buscar tu sitio en la sociedad, una representación variada, narrativa evocativa y un sentimiento de inquietud y de estar en casa os lo recomiendo muchísimo.

Puntuación: 5 de 5.

Portada de cada corazón, un umbral. Publicado por Runas.
  • Autora: Seanan McGuire
  • Traducción: María Pilar San Román
  • Título original: Every Heart a Doorway
  • Publicación: 2016
  • Editorial: Alianza (Runas) (2018)
  • Género: Fantasía/Misterio
  • Saga: Wayward Children 1/?
  • Páginas: 192
  • ISBN: 978-84-9181-200-5

Reseña: A Psalm for the Wild-Built (Becky Chambers)

¿QUÉ ES A PSALM FOR THE WILD-BUILT?

Es una novela corta de ciencia ficción que os podéis leer en una o dos sentadas sin problema. El subgénero al que pertenece es el Solarpunk, una corriente que lidia con futuros centrados en una vida sostenible que consigue vencer la crisis climática.

El libro surgió como un encargo de Tor por parte de un editor de su línea de novellas, Lee Harris. Tras leer El largo camino hacia un pequeño planeta iracundo estaba seguro de querer trabajar con ella y la verdad es que no me extraña; el Solarpunk le queda a Chambers como anillo al dedo. Sobre esto podéis leer en Introducing Monk & Robot, a New Series by Becky Chambers en la página web de Tor.

En español lo va a traer Crononauta (podéis ver su matreon aquí) y lo traduce Carla B. Estruch (tenéis su Twitter aquí)

En cuanto al argumento, Dex es une monje que sirve té y ayuda a la gente a lidiar con sus emociones. Pero elle también tiene su propia incomodidad existencial y esto desemboca en un peregrinaje en el que conocerá a Mosscap. En el mundo de A Psalm for the Wild-Built las máquinas se alejaron de la humanidad después de adquirir consciencia con la idea de volver en algún momento pero, esta vez, en sus propios términos. Mosscap es una de ellas y ha llegado como emisario con una pregunta fundamental:

¿Qué necesita la humanidad?

¿CÓMO ES A PSALM FOR THE WILD-BUILT?

Si ya habéis leído a Chambers creo que os hacéis a la idea de lo que os vais a encontrar. Si no tenéis que saber que tiene una voz narrativa que, en lo personal, solo he encontrado de manera exitosa en ella. Pausada, agradable, pacífica, te hace sentir arropado, cómodo y, de alguna manera, aceptado.

A Psalm for the Wild-Built tiene un punto de partida que, incluso si fuese solo como ejercicio narrativo o debate entre seguidores de los géneros especulativos, encuentro apasionante. Si el mundo va bien, si las necesidades humanas están cubiertas. Si eres aceptado y querido. Cuál es el siguiente problema.

Como citaba en el argumento del libro, qué necesita la humanidad.

Montar una historia suele requerir, por definición, conflicto. Problemas. Si creas un mundo en el que hay cierto nivel de justicia y comodidad ¿Por qué eres infeliz? ¿U opinamos que entonces la felicidad se daría por sentada?

Chambers habla en una entrevista con Sarah Gailey de este momento en el que piensas que un evento específico, como publicar tu primera novela, va a ser el instante en el que dejes de sentir que algo está mal. Pero nunca pasa.

El conflicto es a veces nos sentimos mal. A veces no sabemos explicar por qué no sentimos mal.

¿Hay algo que no funciona en nosotros?

Todo esto hace a A Psalm for the Wild-Built moverse en un terreno delicado de la construcción de historias. Estoy segura de que este formato va a hacer aburrirse a muchos lectores y no captar su atención. Sobre todo a lectores que tienen más o menos seguro su lugar en el mundo y que no tienen que enfrentarse a determinados prejuicios sociales. A la vez creo que, como sociedad, la mayoría necesitamos leer sobre sociedades post apocalípticas con esperanza. O, al menos, saber que estos libros existen.

De lo que también estoy segura es de que, más allá del gusto subjetivo, Becky Chambers es una escritora soberbia. Y A Psalm es un libro escrito de manera excelente.

Otra de las cosas un poco peculiar de esta novella es su formato. Si hay que definirla de manera breve todo el mundo os dirá que es la conversación entre Dex, le monje, y Mosscap, un robot. Y con eso os podréis imaginar una narrativa de diálogo. Lo cierto es que no de manera exacta.

Mosscap aparece cerca de la mitad de la historia y, antes de eso, aunque técnicamente hay diálogos, más bien cubre una cantidad considerable de páginas en las que el lector está en la cabeza de Dex.

No soy una gran fan de esto. Soy una de las lectoras impacientes que necesita cierto conflicto, rapidez, fluidez en la lectura y Chambers es como un reto para mí. Pero a nivel conceptual aprecio tantísimo lo que hace que sigo pasando las páginas y pego la nariz al libro.

La productividad exigida en el sistema en el que vivimos se lleva muy mal con las pausas y ver planteado un mundo diferente, un mundo mejor, me resulta soberbio. Uno en el que además la tecnología no es demonizada y donde se entiende, y no os imagináis lo muchísimo que aprecio esto, que la ciencia es el único camino hacia una justicia social que incluya todo tipo de capacidades.

A esto añade una concepción de la naturaleza que también me llama mucho. Los humanos viven en zonas concretas, donde construyen y tienen ciudades sostenibles, pero respetan la existencia de zonas salvajes o vírgenes. Es parte del proyecto humano recuperar todas esas áreas y saber que hay espacio para todos.

En este sentido es muy importante la lucha contra la obsolescencia programada y el planteamiento de sistemas operativos que te duren toda la vida.

Otra cosa que ocupa un punto central en la trama y, pese a que el título lo hace muy obvio, a mí me sorprendió, es la religión. Una religión muy basada en lo tangible, en disfrutar la vida y en la que la vida es aceptada igual de compleja y maravillosamente variada que lo es en la realidad.

En este mundo los dioses son indudablemente reales pero aquí se apoyó Chambers para poder mover un poco la trama y crear el movimiento e interés que una narrativa necesita para existir. No podemos tener respuesta a todo como base pero seguimos buscándolas. Y, además, en una religión que no se desliga en ningún momento de la ciencia.

Es parte de esto también un regusto filosófico innegable. Un ejercicio, como expondría Sócrates por ejemplo, de búsqueda de la verdad en el intercambio entre personas. Y, en este caso, un robot. Un matiz con una lista de implicaciones muy interesante.

Esta visión abierta e inclusiva incluye también un tratamiento de sexo y sexualidad excelente. Un mundo en el que la fluidez está asumida, donde no hay que dar explicaciones y, como decía, hay una visión positivista de lo que supone la vida y la variedad.

Para ir cerrando esta reseña quiero sacar uno de mis temas favoritos. A Psalm for the Wild-Built es, una novella centrada en lo positivo que te abraza, te consuela, te pone una mantita en invierno y una brisa fresca en verano. Pero también es melancólica y deja unas pequeñas heridas en forma de aquello con lo que tenemos que lidiar. El final.

Las construcciones humanas desaparecen al cabo del tiempo, la naturaleza reclama su espacio, incluso los robots, que se montan a sí mismos con piezas rehusadas, mueren. Hay momentos en los que esta historia es un atardecer en otoño.

¿PARA QUIÉN ES A PSALM FOR THE WILD-BUILT?

Si disfrutáis los géneros especulativos, si queréis ver un planteamiento aunque sea breve de cómo apunta la ciencia ficción actual a otro tipo de futuros, incluso si como yo tenéis poca tolerancia a cosas del formato lo vais a disfrutar.

Pero, sobre todo, si buscáis una historia inclusiva, un abrazo, sentimientos agradables, autodescubrimiento y carisma esta es vuestra historia.

  • Autora: Becky Chambers
  • Título: A Psalm for the Wild-Built
  • Publicación original: 12/7/2021
  • ISBN: 978-1250236210
  • Páginas: 160
  • Editorial: Macmillan USA
  • Precio: 22’36
  • Saga: Monk and Robot 1/2
  • Género: CiFi. Solarpunk