Tanjirou Kamado es un chico alegre y trabajador que vive felizmente junto a su familia, hasta que un fatídico día un demonio llamado Muzan irrumpe en su vida matando a sus padres y maldice a su hermana pequeña convirtiéndola en demonio. Tras este incidente, y con el propósito de vengar a sus padres y devolver a su hermana Nezuko a la normalidad, decide convertirse en un asesino de demonios. Para ello, acude en ayuda de Sakonji Urokodaki, uno de los asesinos de demonios más fuertes del mundo…
Entre samuráis, afiladas katanas, demonios y otros seres mitológicos del folclore japonés, este manga es una apuesta segura para los amantes del género.
Podéis leer los tres primeros capítulos gratis en la web y en la aplicación de Sueisha, Manga Plus.
Si no sabéis de qué va todo esto y más que leer preferís ver series, aquí tenéis el tráiler de la primera temporada:
¿CÓMO ES GUARDIANES DE LA NOCHE?
Un día me quise subir al tren de las tendencias y me puse el primer episodio del anime. No fue bien. Aunque reconozco que es espectacular visualmente, cosa que puedo seguir afirmando en base a los trozos aquí y allá que me encuentro siempre, me aburrí como una ostra.
Había algo en el ritmo y en la historia que no me convencían. No era para mí.
Partiendo de ahí no tengo claro por qué decidí empezar el manga. Quizá porque ya está terminado y siempre estoy en busca de cómics de este estilo que no se me vayan a eternizar. No sé si fue el factor definitivo pero desde luego uno de los más notorios. Y es que, para un shonen tan famoso, 23 tomos es gloria.
Y luego que el apartado gráfico me llamó la atención. Tiene un aire a arte japonés antiguo que, aunque sufre como es lógico de algunos bajones a lo largo de la colección, no decepciona. Me gusta el estilo, los diseños, los estampados. En este último apartado, además, tuvo un toque maestro. A menudo habría sido fácil por su estilo y situaciones confundir a los personajes pero los estampados, entre el grupo protagonista, se diferencian rapidísimo.
El caso es que empecé y no me aburrí. Tampoco me enganché, lo que pasa es que se leía tan rápido que me volaba el tiempo. Siempre que quería leer algo, tenía el cerebro frito y pensaba que me iba a desagradar de manera injusta con lo que me pusiera, sacaba Guardianes de la Noche y era como un masajito en la espalda.
Era extraño. Porque los personajes me daban absolutamente igual, la trama no podía importarme menos, todo me parecía bastante tonto y básico. Pero es que, en serio, como pipas. Así, casi sin querer, llegué al tomo 11. Seguidas se me juntaron varias historias que ya no eran solo un pasatiempo para cuando no había otra cosa. Le cogí cariño a los personajes.
A una parte, incluso, estuve a punto de darle las cinco estrellas en Goodreads. Pensaba que todavía subiría al cielo con esta historia, vaya.
Sin embargo tal como vino se fue, con la diferencia de que para este momento ya tenía aprecio sobre todo a Tanjiro.
Y mira que es raro que en un shonen el que más me guste sea el protagonista.
Pasase lo que pasase quería terminarlo y me importaba cómo se resolviese la trama. Tenía personajes favoritos, cosas que esperaba que se resolviesen de maneras concretas. Esperanzas en que volviese a cuajar de la misma manera con mis gustos.
Terminó bien sin más, casi como empecé. Entretenido. Bueno, excepto justo justo el último capítulo, que es un añadido tontísimo y que os podéis incluso ahorrar.
En este caso no tengo que darle vueltas a qué me ha pasado con la historia. Es bastante obvio. Incluso leyendo a gente que la tiene como uno de sus mangas favoritos he visto bastante de esto comentado. Veréis, Guardianes de la noche tiene un ritmo peculiar.
Por un lado es lo que me hizo llegar hasta el final, no se atasca en ningún momento. Incluso en sus capítulos más dramáticos e intensos, o si te paras a saborear determinadas viñetas, se pasa rápido.
A la vez es como un tren que se salta estaciones. No es que le hagan falta más partes, la verdad. Para mí está perfecto como está. Es que pasa de un principio con masacres, a un momento de aprendizaje en el que formar una nueva familia, a una traca final de golpe, con millones de personajes nuevos, y desdibujando a los anteriores.
Lo que quiero decir con esto es que, si hubiera sido un poco más lineal en el uso de sus personajes, creo que habría hecho una historia mucho más sólida. Que se sintiese menos fragmentada. Al mismo tiempo reconozco que en este formato, que podríamos llamar de historias cortas atadas por un mismo trasfondo, aparecen muchos de sus puntos fuertes.
Ya que lo he mencionado, además, hablemos un poco del trasfondo. Guardianes de la nochees una historia sobre el luto. Lo que tienen en común prácticamente todos los personajes, incluso los enemigos, es haber sufrido una pérdida dramática. Han modelado toda su vida por y para la venganza, en búsqueda de los sentimientos que no pueden recuperar, en busca, el bando de los protagonistas, de evitar esa tragedia a más gente.
En el proceso Gotouge crea una pequeña familia, de las elegidas, que se vuelve el típico elemento emotivo que hace tan populares este tipo de mangas. No quiero tanto a estos personajes como a los de muchas otras historias, lo reconozco, pero dentro de toda la sangre que hay en este manga lo vuelven de todas maneras una lectura agradable. E, incluso pese a los saltos que citaba antes, cuando esa familia va creciendo y pasa a ser una tribu a luego prácticamente una ciudad, sigue manteniendo la ternura intacta.
Dicho todo esto no voy a negar que, no obstante, y como me suele pasar con este tipo de manga, he suspirado mucho. En general todo el pack de por favor, un poco menos de machismo estaría bien. Sin meterme en otros personajes para no spoilear, Nezuko, la coprotagonista, merecía muchísimo más.
Obviando algunas cosas de diseño e interacciones con otros personajes en las que prefiero, directamente, ni meterme, es que se me hace un poco de difícil digerir la premisa base. Nezuko es transformada en demonio nada más empezar la historia y, a diferencia de todas las demás personas del universo, por querer a su hermano consigue frenar sus ansias asesinas.
No me gusta esa excepción, en lo personal. Me suena demasiado a lo de que el cáncer es una lucha o que el que quiere vivir vive. Pero es que encima este punto, que parte de una decisión loable, queda inmediatamente sepultado porque parte de la gracia del personaje es que en realidad no puede tomar decisiones. Es paseada por el mundo porque no queda otra, en busca de una solución, la vida pasa a su alrededor, ella pega un par de patadas, tiene varios dibujos y momentos épicos, pero ya. El personaje nunca despega.
En cualquier caso hay cosas mucho peores que Nezuko. Esto es sobre todo que yo soy quisquillosa.
¿MERECE LA PENA GUARDIANES DE LA NOCHE?
Si buscáis un manga juvenil ya terminado, con una acción llamativa, momentos bien pensados y, en general, un buen entretenimiento, este es vuestro manga. Creo que merece la pena aunque sea echarle un ojo, recordad que podéis leer el principio gratis e ir decidiendo.
Es el segundo tomo de las Crónicas Vampíricas de L.J. Smith. Para mí The Vampire Diaries, su nombre inglés original, porque las crónicas siempre serán las de Anne Rice. Forma parte de la primera colección, escrita solo en dos años (este se publicó en el 91, como el anterior) que se llama Los Vampiros.
Como comentaba en la primera reseña, su brevedad, estructura y tiempo de publicación justifican de sobra que habitualmente vayáis a encontrarlo publicado de manera conjunta a Despertar. Simplemente yo prefiero hacer entradas separadas para saber a qué corresponde cada cosa.
El argumento esta vez, según la editorial:
Stefan Salvatore, el principal sospechoso del asesinato del profesor de historia, ha desaparecido. Para probar su inocencia, Elena debe encontrarle, pero antes debe descubrir quién se ha apoderado de su diario.
¿CÓMO ES THE VAMPIRE DIARIES: CONFLICTO?
En un momento del libro aparece un gato. Su único propósito en la historia es que Elena le coja y se lo lance a Damon. Mi cara de estupefacción fue irrepetible. Y os voy a ser muy sincera, el nivel de surrealismo que requiere escribir algo así me hace mucha gracia pero a la vez no. En qué estaba pensando Smith, no lo sé. Pero la manera en la que está integrado en la narrativa como algo exageradamente normal, que no debería hacerte arquear la ceja me tiene loca. Supongo que ahora en ficción la gente se lanza teléfonos móviles y antes pues te lanzabas un gato.
No os arrojéis ni cosas ni seres vivos, en cualquier caso. Por favor.
En fin. Conflicto. Empezamos justo donde lo dejamos con la anterior, no hay manera de leer esto sin contexto, y la trama intenta aumentar en intensidad.
Con un Stefan desdibujado por necesidad argumental, Damon y su obsesión empiezan a cobrar protagonismo. A la vez, aunque Elena sigue siendo el motor narrativo y su diario sigue siendo una pieza fundamental, empezamos a entrever que, como en la serie, todo esto trata en realidad del drama entre los dos hermanos.
Es un libro un poco más sexy, algo más duro, pero sigue moviéndose en un terreno bastante ligero.
Los secundarios la verdad es que no importan mucho. Aparece uno nuevo, Alaric, uno de los seres que más he odiado en mi larga vida de obsesión televisiva, pero tiene una buena presentación. No quiere decir esto que luego vaya a seguir gustándome pero sí que, en una historia donde en realidad solo importa el romance turbio entre el triángulo protagonista, despuntan algunas cosillas al margen.
Y cuando digo turbio digo turbio.
En cualquier caso uno de los méritos de las dos novelas que llevo es el de unos personajes odiosos pero graciosos, en general, donde sus reacciones no tienen especial sentido. Excepto Matt. Matt, que en la serie me resultaba insoportable también, no me molesta en los libros.
La lectura es rápida, la trama no se atasca en ningún momento. Y este buen ritmo la verdad es que lo agradezco mucho. Era, de hecho, una de mis cosas favoritas de la serie.
Acabamos con otro cliffhanger y, por supuesto, la pregunta más importante
¿Team Stefan o Team Damon?
¿PARA QUIÉN ES THE VAMPIRE DIARES: CONFLICTO?
Si disfrutasteis el primero o, al menos, no lo odiasteis es muy probable que os entretengáis con el segundo.
La Segunda Guerra de las Amapolas ha dejado Nikan desolada. Rin, huérfana de guerra, vive con los Fang que la fuerzan a trabajar en el negocio familiar. Su único posible futuro es un matrimonio concertado con algún vejestorio. Pero Rin no piensa aceptarlo.
El Keju es su gran oportunidad, un examen nacional que le permitirá ingresar en la más prestigiosa academia militar de Nikan, en Sinegard. Donde podrá aprender y entrenar todas sus capacidades, físicas y espirituales.
Pues, aunque la guerra terminó hace solo unos años, la Federación de Mugen aún acecha al otro lado del mar y su sed de sangre no hace más que crecer.
¿CÓMO ES THE POPPY WAR?
Ya he comentado varias veces que tomé la decisión para esta web de no reseñar obras que no me gusten excepto contadas excepciones. Primero porque se tarda bastante en hacer una entrada y me parece bastante tonto perder el tiempo de esa manera, para opiniones rápidas ya están Goodreads o Twitter, y segundo porque prefiero generar contenido positivo. A gustos colores y aunque es importante que haya reseñas de todos los tipos no soy muy fan de la gente que va a la yugular contra el trabajo de otros.
Con The Poppy War he esperado bastante tiempo desde que lo terminé hasta que he decidido hacerla. Tengo una relación extraña con él. No puedo decir que no me guste, me lo leí rapidísimo, me enganché, hay partes que me encantaron. Pero es que tampoco puedo decir que me guste o que me resulte neutro. En una lista de pros y contras los contras ganan con muchísimo. Hay partes de esta historia que detesto y algunas, incluso, son externas al libro. De hecho con una de esas características quiero empezar la reseña de hoy. La catalogación.
Grimdark. Quiero poder sentarme en una mesa con un montón de gente y hablar de lo que es el Grimdark porque la manera en la que se dan etiquetas con este subgénero me desconcierta.
A ver, The Poppy War tiene algunos de los momentos más desagradables que os podáis imaginar. Y bastante explícitos. La autora basó su historia en varios momentos de la historia de China y cogió una lista de crímenes de guerra que decidió plantar uno por uno, dando especial atención y detalle al sufrimiento de la mujer.
¿Es meter escenas extremadamente desagradables Grimdark? Para mí la verdad es que no. Creo que la violencia no es lo único que otorga el tono cínico, descarnado y sucio al subgénero. Otro día podemos hacer una entrada sobre este tema aunque, de verdad, sigo pensando que lo mejor sería una mesa de debate. Pero aplicado a The Poppy War. Para mí no es Grimdark porque parece, la mayor parte del tiempo, una narrativa adolescente en la que de pronto empieza La matanza de Texas.
Me cuesta exponer todo esto porque me molesta mucho que todos los libros escritos por mujeres se lancen directamente al saco de la literatura juvenil. Y ojo, no hay nada de malo en la literatura juvenil. A mí me encanta. Es el tono y la manera en la que se ha lanzado a las mujeres en ese apartado escriban lo que escriban. Pero es que este, en concreto, para mí lo es. Y uno con un problema tonal bestial, precisamente por esas escenas de violencia terrorífica.
En cualquier caso, incluso sin ese permeado juvenil constante, habría seguido sin parecerme Grimdark. Decir que esto lo es me parecería como decir que lo que escribe Robin Hobb en la primera trilogía del Vatídico entra en esa categoría.
Otra cosa que no quiero hacer es hablar de J.K Rowling, que es autora non grata en esta web porque para algo es mía, pero es el ejemplo más sencillo y universal con el que dejar claro a lo que me refiero. The Poppy War es como si Harry Potter hubiese empezado en el segundo libro y, a mitad de ese mismo, hubiese empezado una mezcla de la traca final pero con gore. Y cuando digo gore digo gore, gore.
Y no es sólo porque la primera parte de la novela cubra una trama de academia, que sería probablemente de hecho más similar a El nombre del viento, es por la manera en la que está narrado y la personalidad de los personajes.
Creo que la idea es que sea un giro narrativo, una sorpresa. De hecho he leído varias reseñas donde ensalzan cómo va cambiando para mantenerte en vilo. A mí me parece que es indecente recomendar este libro sin avisar de lo que viene después y que, por lo tanto, no se puede considerar un giro a menos que lo compres sin saber absolutamente nada. Cosa que, seamos realistas, cada vez pasa menos.
Pero bueno, creo que ya me he regodeado bastante en este tema que desde luego, en gran medida, no es cosa ni de Kuang ni de la novela. Aún así no nos vamos a ir muy lejos y vamos a quedarnos con la parte de que esto es historia de China.
No soy la más indicada para hacer un análisis de historia en este aspecto y eso se lo dejaré a mentes más sabias, pero sí podemos hablar de lo que esto significa en cuanto a construcción de mundo. En base a mis limitados conocimientos y lo que he podido ver en internet, la autora se acerca bastante al género de la fantasía histórica. Ha cambiado los nombres, las cosas no pasan al dedillo, pero sí que se pueden trazar líneas muy claras entre la realidad y los conflictos de la novela. Para cualquiera que sepa del tema es bastante obvio de dónde salen las cosas.
A mí, la verdad, me gusta mucho la exploración de hechos históricos con fantasía. No obstante, al margen de salir de la más habitual fantasía Europea, no me aportó nada. No sentí que le sacase verdadero partido, que aportase sensación de maravilla o, por el contrario precisamente, de cinismo Grimdark. Simplemente es un sitio donde pasan cosas muy malas porque la vida es cruel, con un sistema mágico que he tenido que revisar para hacer la entrada, porque hace menos de un año y ya no me acordaba.
Tampoco los personajes me gustan.
La protagonista, Rin, al principio me pareció que tenía un potencial increíble. Además yo no tengo ningún problema con los personajes que son ultra especiales y va saliéndoles todo como por arte de magia. Algunas de mis historias favoritas tienen ese tipo de escritura. Ninguna queja ahí. Es un recurso que a veces se hace bien y a veces no, sin más.
No obstante, y esto va dentro del tono juvenil que por algún motivo mantiene todo el libro, cada vez me va gustando menos. Pesa, además, que aunque es una tercera persona que la sigue a ella en específico, de pronto empieza a perder relevancia para la trama. Todo mezclado con situaciones surrealistas en las que su opinión importa demasiado a todo el mundo.
El resto de personajes me parecieron insulsos y esto fue un problema de gran calado en los momentos de mayor drama.
En cualquier caso al final, si os fijáis, vuelvo todo el rato al tono. Ese ha sido mi mayor problema con The Popppy War, con diferencia. Lo que hace que me gusten novelas como El nombre del viento o las historias de Robin Hobb, que ya os he comentado antes que comparten algunos rasgos, es la prosa impresionante que se marcan los autores y un sentido del humor con el que conecto mucho. También los misterios, la manera en la que me mantiene en vilo qué hay tras la puerta.
Pero The Poppy War coge parte de ese envoltorio, le quita lo lírico, se rebaña más en la violencia y lo que queda para mí está demasiado descafeinado como para reconocer mis gustos en él.
Parece que solo tengo quejas pero a partir de aquí empieza el otro lado, la razón por la que he decidido hacer esta reseña. Principalmente es que no he dejado de pensar en él. Le doy muchas vueltas a la trama, a qué me funcionó, a qué no. A por qué me lo bebí pero salí con una sensación de no haber conectado en absoluto. Esto se traduce, además, en no parar de buscar un hueco para leerme el segundo.
Mi conclusión, un poco desde el principio pero en una versión madurada ahora, es que me estoy haciendo mayor. En serio. Creo que no encontró en mí ni un ápice de sentido de la maravilla porque ya se lo di a otras novelas con la edad con la que me habría fascinado esta.
Ya había sentido esto antes con otras historias, pero creo que nunca me ha pegado tan fuerte como con The Poppy War. Me enfrento a una brecha generacional en la fantasía que para mí es insalvable.
Por supuesto, como decía, disfruto mucho de la fantasía adolescente y juvenil. Y creo que no existen historias originales de verdad, que todo son refritos de unos detalles u otros y el arte está en cómo lo planteas. Pero sí pienso que hay algunas historias puente que son las que enganchan a nuevas generaciones y sobre las que se construyen los géneros.
The Poppy War está ahí. No digo que vaya a ser per se esta saga el futuro de la fantasía. Pero sí que Kuang puede ser una de las grandes de su generación si sigue con el camino que lleva. Solo hay que ver el revuelo que ha supuesto Babel y la manera en la que se ha promocionado. Tengo mucha curiosidad por ver cómo sigue su carrera.
Por otro lado, no quiero decir con todo esto que si habéis leído mucha fantasía no os vaya a gustar o que tengáis mal gusto si os encanta. Creo que cada cual conecta con unas cosas diferentes y que, por lo mismo, la acumulación nos hace desconectar de otras. Cada persona es un mundo. Si os ha cambiado la vida y ya sois lectores veteranos por favor, contadme vuestros puntos de vista. Si, por el contrario, estáis empezando con la fantasía o sois jovencitos, decidme cómo habéis visto todo esto. Tengo mucha curiosidad.
Y es que, sea como sea, me parece un trabajo muy interesante.
LA EDICIÓN EN ESPAÑOL DE THE POPPY WAR
Cuando escribí originalmente esta reseña no había añadido este apartado. Normalmente escribo, dejo reposar y corrijo otro día. Este trozo en cambio lo estoy añadiendo por un capricho en el último momento.
Y es que, la edición española. Antes de nada yo lo he leído en inglés, así que no puedo comentar sobre la impresión, maquetación o la traducción. Lo que pasa es que, a la vez, menudo misterio.
Hace unos años mi Twitter empezó a tener comentarios sueltos de gente preguntándose quién estaba comprando los derechos de algunas novelas. Resultó ser Orok, una desconocida hasta el momento. Aparecieron por la puerta grande, con tres sagas bastante conocidas en inglés: Blood Song, The Poppy War y Salvation Sequence.
En septiembre de 2022 anunciaban que pronto habría noticias sobre la segunda parte de The Poppy War
¡Muy buenas días a todos! Nos complace informaros que en breves tendréis noticias de la segunda entrega de la trilogía de #ThePoppyWar 📚😍 Os pondremos al corriente de todo por aquí, y por Instagram.
Desde entonces, nada. Un par de RT y ni una sola noticia. Ni un comentario
Si buscáis en Twitter una persona ha puesto una captura de una supuesta conversación por privado en la que aseguran dar fechas pronto.
Me gustaría tener más información para aportar, la ausencia de cualquier dato es el motivo por el que no pensaba poner esto, pero a la vez creo que es una historia demasiado curiosa como para no mencionarla. Por otro lado es importante que sepáis que, si os lanzáis a la aventura con esta saga (o las otras dos que trajo Orok) en español, no parece muy probable que podáis continuarlas.
Es el primer volumen de la saga de libros que compone The Vampire Diaries, inspiración para la serie homónima. Esta serie está dividida en varios grupos y la primera, Los Vampiros, comprende cuatro libros publicados en el plazo de dos años, siendo escrita de manera íntegra por L.J. Smith.
Es importante destacar la autoría. Esta obra fue un encargo editorial que tuvo varias complicaciones por el camino y que terminó con otros escritores en las riendas y Smith escribiendo a parte su versión de la historia. Pero de esto podemos hablar más a fondo otro día.
Aunque en los datos de la novela os he puesto una edición antigua, de manera mucho más habitual vais a encontrarlo publicado en conjunto con su segunda parte: Conflicto. A mi gusta la portada conjunta y la brevedad de las historias justifica mucho más ese formato. Si he optado por separarlo es únicamente porque prefiero hacer las reseñas de manera individual.
En cuanto al argumento en sí:
Stefan Salvatore, el nuevo alumno de Fell’s Church, arrastra con él un misterioso pasado y también a alguien que sólo desea venganza, su hermano Damon: son más que hermanos de sangre y su odio excede las barreras del tiempo… Ahora tratan de reproducir un mortífero triángulo amoroso que tiene en su centro a Elena, la chica más popular del instituto.
¿CÓMO ES THE VAMPIRE DIARIES: DESPERTAR?
Estoy bastante segura de que, como yo, muchos de vosotros os estaréis planteando leer la saga a causa de la serie de televisión. La verdad, no se parecen mucho. La protagonista es la misma, el mundo es el mismo, la idea es la misma. Pero en realidad se siente tan diferente que podría ser otra saga. Incluso muchos nombres están cambiados. Hay personajes que directamente ni salen, como el hermano de la protagonista.
Es mucho más sencillo, no te involucra emocionalmente de la misma manera, pero tiene algunos puntos que me desquiciaban de la serie mucho mejor cubiertos. La guinda del pastel es que, además, me he reído.
Dejando las generalidades y centrándonos en la historia, en esta primera entrega tenemos a una Elena que vuelve de un viaje por Europa y que está lidiando por el duelo de haber perdido a sus padres. Nuestra protagonista es una chica que no podría ser más pija, la más popular del instituto como Hollywood nos ha dado a entender, y cuyos problemas económicos son cero.
Aunque está triste y pretende ser profunda no por ello se olvida de ser superficial y mezquina, como podríamos esperar. A mí me encanta. No este tipo de persona si no este personaje para esta historia.
Todo se revuelve aún más con la llegada de un nuevo alumno. Es guapo, italiano, rico, se llama Stefan Salvatore y es, por supuesto, el siguiente objetivo de Elena y cualquier persona que se sienta atraída por los hombres. Así que además de una serie de enigmas sobrenaturales materializados en asesinatos, el grupo de chicas del instituto va a tener que lidiar con los celos y posesividad que surgen de una de las peleas más tontas del universo.
Sus amigas son desagradables, su principal rival por el corazón de Stefan también y las relaciones femeninas en general, sin entrar en el terreno de los spoilers, solo podemos definirlas como raras. He leído alguna reseña por ahí definiendo a Elena como maravillosa por ser abnegada en su relación con sus chicas y, la verdad, es que siento que hemos leído novelas diferentes.
Sea como sea esto no ha sido ningún problema para mí. Lo prefiero con mucho a cómo lo plantearon en la serie de televisión y me parece parte de la gracia.
Además algunos de los personajes que menos me gustaban, como Vickie, no salen mucho. El Matt de esta versión, un amigo y expareja de Elena, me ha resultado mucho más agradable y ojalá lleguen a hacerse mucho más cercanos todos.
Al margen de la trama romántica el resto de conflictos son más una sensación de fondo que una realidad. Aún no conocemos realmente al que será gran centro de la saga, Damon, y se nota. Pero tampoco le echo en falta. Creo que está muy bien sugerido. Que es parte de una ambientación inquietante en torno a esta ubicación, bastante forestal, y que resulta bastante bien construida teniendo en cuenta la extensión y argumento.
En mi reseña de la serie de televisión comenté que esa versión de la historia apareció a rebufo de Crepúsculo como una historia más madura en el sentido de explícita. Más sexo, más violencia, más gráfica. Pero este libro, que se publicó en 1991, es mucho más ligero en este aspecto que la versión televisiva.
Si queréis avisos de contenido tiene algunas cosillas oscuras, un intento de violación. Aún así nada demasiado grande. Es una obra profundamente adolescente que, como luego haría de manera brillante también Stephanie Meyer, sabe conectar con muchos elementos irresistibles para muchas lectoras adolescentes.
Para empezar aquí los Salvatore son italianos de verdad y la historia sabe poner peso en la ambientación renacentista y romántica de manera atrayente. Elena además es por supuesto una Elena de Troya, mucha idea de Europa como un sitio elegante y carismático y, por supuesto, el formato de los diarios.
Aunque la historia está contada en tercera persona tenemos partes dedicadas a los de Elena y Stefan y es simplemente perfecto para lo que están contando.
Para cerrar esta sección quiero hacer mención, aunque no tiene ninguna relevancia en realidad para la obra, a lo extraño que es leer ficción adolescente tan cercana en el tiempo pero de un momento en el que no había teléfonos móviles chiquititos y baratos. Lo que ha cambiado el mundo, chiques.
¿PARA QUIÉN ES THE VAMPIRE DIARES: DESPERTAR?
Si tenéis ganas de una lectura vampírica cortita, que no os coma la cabeza, desde mi punto de vista divertida y muy adolescente dadle un tiento. No busca apasionaros pero si entreteneros y creo que eso lo cumple.
También si tenéis curiosidad por ver de dónde sale la serie de televisión e ir descubriendo las diferencias.
⭐⭐⭐
Puntuación: 2.5 de 5.
Autora: L.J. Smith
Traducción: Gemma Gallart
Título original: The Vampire Diaries. The Awakening
En 1915, el estreno de la película El nacimiento de una nación deja a todo un país bajo un terrible hechizo; los temores de la población blanca se ven realizados en la gran pantalla, y las filas del Klan se multiplican drásticamente. Hoy, los Ku Klux, su ejército de monstruos encapuchados, marchan por el país infundiendo miedo y diseminando odio, y con un plan que podría desatar el infierno sobre la Tierra. Afortunadamente, Maryse Boudreaux tiene una espada mágica y un propósito. Cuando no desafía la ley seca pasando whisky de contrabando, combate a los Ku Klux junto a sus compañeras de lucha: Chef, una Harlem Hellfighter, y Sadie, una tiradora deslenguada. Cuando algo terrible comienza a cocerse en Georgia, la resistencia decide que hay que poner fin a esta guerra de una vez por todas. ¿Podrá Maryse acabar con el Klan antes de que su odio consuma el mundo?
La biografía del autor es muy interesante también para el contexto de la obra. Clark nació en Nueva York y ha pasado muchos años viviendo en Trinidad y Tobago, lugar de origen de su padre, y Texas. Es historiador y sus investigaciones se centran en la esclavitud y la emancipación, temas que además aplica tanto a su trabajo en ficción como a su análisis de los géneros.
Si, como yo en su momento, os estáis preguntando cómo se pronuncia su nombre, ha sido tan amable de explicarlo en su web: Djéli, se puede leer como “Jel-i” or “Jah-li.” La D es muda. En cuanto a la P, su nombre de pila, es Phenderson.
Aunque haciendo esta entrada he visto en varios sitios que ganó todo lo más importante en su año, en realidad no parece ser el caso. Se llevó el Nébula y el Locus pero al Hugo y el World Fantasy solo (como si eso fuese poco) quedó nominado. El Hugo lo ganó The Empress of Salt and Fortune de Nghi Vo. Lo destaco porque es el que más veces he visto mal atribuido.
¿CÓMO ES RING SHOUT?
Dependiendo del momento en el que me preguntéis os diré que leerlo en inglés fue la peor decisión que he tomado o la mejor. No tiene nada que ver con cómo es la edición de Obscura que, para mi desgracia, no he visto. Es porque uno de sus puntos fuertes es el lenguaje.
Ring Shout tiene como protagonista a un plantel diverso de mujeres negras y, uno de los centros en la construcción de personajes, es otorgarles dialectos e idiomas que te hagan formarte una idea rápida del personaje. Si habéis leído Geralt de Rivia el de Clark es un trabajo bastante similar al del autor polaco. Sapkowski empezó la saga como relatos, esto es una novela corta, y en ambos da una fluidez y construcción de mundo impagable. Un trabajo finísimo al alcance de pocos.
Qué pasa, que mi nivel de inglés es bueno, me ha dado para entender la novella, pero siento que me he perdido cosas. Matices, momentos. Profundidad. Me he quedado fuera de la broma, como quien dice. He estado buscando por internet y he encontrado muy buenos comentarios sobre la traducción de Raúl García Campos, así que si lo veo en la biblioteca probablemente lo relea. Se puede terminar en un día. Son 208 páginas.
Y es que es tan importante este aspecto que, a pesar de lo que me gustó, he dudado mucho sobre escribir una reseña. No sé si puedo terminar de hacerle justicia a este trabajo. Además no es solo el apartado idiomático. Normalmente cuando escribo para Gorgonas sobre libros que me calan de esta manera, me gusta hacer investigaciones sobre otras obras de arte en las que se basa, mitos de los que sale, por dónde tirar. Para eso empiezo a tomar notas según lo leo pero aquí me estaba costando saber por dónde empezar.
O bueno, quizá el problema era que tenía que empezar desde la portada. Espero que vosotros tengáis la suerte de ser más cultos que yo porque no tenía ni idea de qué era el Ring Shout.
En la edición española lo han subtitulado como Nuestro cántico y eso ya empieza a dejar las cosas más claras, pero vamos a ello.
Entre Ring Shout, Wheel About It, Shout Because You’re Free: The African American Ring Shout Tradition in Costal Georgia y el artículo Hoodoo Religion and American Dance Traditions: Rethinking the Ring Shout queda claro que es una expresión artística heredada y adaptada de África a América a causa de la esclavitud. La base principal es un baile grupal en círculo que sigue un movimiento contrario a las agujas del reloj. Va acompañado de cantos con frase-respuesta entre los participantes y percusión.
Tiene una fuerte esencia espiritual y los movimientos, según Katrina Hazzard-Donald, pueden ser considerados como la semilla para explosiones culturales como el twist. El Ring Shout fue, en resumen, un elemento de cohesión y de mantener viva una fuerte herencia pese al desarraigo producido por las brutales prácticas que sufría esta comunidad.
A la vez, yendo ahora al libro de Katrina Dyonne Thompson, no estamos ante un simple reflejo natural. Una manera de mantener cierta libertad y hacer tolerable la vida. A los negros se les exigió, desde el principio, convertirse no solo en mano de obra en un sentido físico si no también en un producto de entretenimiento.
Ring Shout es una herencia fundamental y es a la vez una idea de lo que para muchos blancos eran los negros. Personas que pese a la miseria bailaban, cantaban, eran espirituales. Eran una consumición más.
Todo esto no soy simplemente yo aleccionándoos sobre algo que no entiendo lo suficiente. Os recomiendo que miréis las fuentes que menciono o que busquéis otras mejores, que seguro que una búsqueda más profunda que la mía las ofrece. Es que esta es una parte de la base de la novela, que no del argumento.
De lo que Djèlí Clark habla en este libro es de una guerra que, aunque se representa en peleas que además me han gustado mucho, es, sobre todo, cultural. Es una batalla sobre el discurso y el papel que tienen las artes en la opinión pública y en lo que hacemos como sociedad. En cómo percibimos al otro.
Así que ellos tienen el Ring Shout, con todas sus implicaciones, en la portada las mano negras que lo rodean. Y, de fondo, sobre el rojo sangre, el cucurucho famoso del infame Ku Klux Klan.
No creo que haga falta que os explique qué es el KKK. Hay ideas con un horror de tal calado que abruman.
Pero en este bando, en el centro de la historia, está la película El nacimiento de una nación. Dirigida por D.W. Griffith y estrenada en 1915, es una historia abiertamente racista que glorifica unos Estados Unidos para blancos y muestra al Ku Klux Klan como héroes que salvaban al sur de la violencia de los negros.
Las críticas aparecieron desde el principio, no os imaginéis que todo esto es una percepción moderna, pero el caso es que seguro que la mayoría de vosotros habéis oído hablar de ella. Se considera importante dentro de la producción cinematográfica y base para cineastas posteriores.
Cuando Ring Shout empieza, las protagonistas, un grupo de mujeres negras de diferentes procedencias y personalidades marcadas, se están enfrentando a miembros del KKK. Estos personajes son monstruos reales, no solo metafóricos, y dan lugar a unos enemigos memorables.
Estamos ubicados en los llamados felices años veinte pero en uno de los lados más duros de la historia y, a unos enemigos que ya sin ayuda son poderosos y tienen partidarios en posiciones de poder y con dinero, se suma un nuevo estreno de la ya mentada película.
Ahí tenéis vuestra guerra cultural. La exposición sobre cómo el norte de América convivía con expresiones muy diferentes que nacían de una violencia enraizada y normalizada. De unión social y odio en un mismo espacio, el del arte como bien de consumo. Y los bienes de consumo como una manera de devorar a los humanos.
Wholesome Food for the Moral White Family.
Ring Shout (Clark)
De las dos caras de la moneda en la década feliz.
No os imaginéis, no obstante, que Ring Shout sea un libro simplemente oscuro y violento. Es una historia de horror y es dura, como no podría ser de otra manera con este tema, pero es por encima de todo una novela corta sobre comunidad.
La relación entre las protagonistas, el concepto de familia encontrada, es cálido. Pero además es gracioso. Tiene espacio para escenas de acción de la más pura fantasía urbana, un estilo Buffyesco, y todo esto con una cadencia y diseños que me hacían imaginármelo como una serie de animación.
Djèlí Clark hace bien muchas cosas y, una de las que más, es ser guay. Me vais a perdonar la palabra pero es la que va ahí. A veces es épico, espectacular, carismático. Es lo que quieres que sea un grupo de superheroínas. Una serie tipo Sobrenatural pero mejor construida.
A la vez esto es un arma de doble filo. Y es que cuando una historia te hace tan feliz te puede partir el corazón el doble.
Llegados a este punto voy a desandar un poco mis pasos para hablaros de los enemigos y un poco más de guerra cultural, pero de otro tipo.
Lovecraft.
Antes de decir nada más, si leéis en inglés, Clark escribió en 2013, en su blog, este artículo llamado HP Lovecraft’s Madness. Aquí vais a encontrar muchísimo de lo que terminó vertiendo en esta novela, El nacimiento de una nación incluida, y unas cuantas reflexiones de lo más interesante.
Para seguir hablándoos del libro os voy a destacar dos:
He vivido bajo la sombra de racistas celebrados, muertos hace mucho, toda mi vida.
Siendo una persona negra en el mundo friki terminas con algunos abuelos blancos racistas y bastante repugnantes.
Y es que, como decía, Lovecraft.
Sinónimo de horror cósmico, este autor tenía unas muy expresadas opiniones de lo más asquerosas que unía a una pluma soberbia y una imaginación bestial. Desde que llevo leyendo debates sobre estos temas, y son muchos años ya, siempre ha habido una discusión que nunca entenderé sobre su verdadero punto de vista. Yo, como Clark, creo que está bastante claro. Y que no se puede reducir a un tema de su época porque, de verdad, la opinión pública nunca ha sido monolítica.
Lovecraft era racista.
Y Lovecraft, a la vez, ha sido reapropiado y reimaginado por todos los colectivos. A menudo no ha necesitado que nos planteemos si podemos separar autor de obra, simplemente ha estado ahí. En todas partes. En trabajos como las ilustraciones de Diana Franco, partidas de rol de todo tipo, Lovecraft County.
Ring Shout.
Hay algo en el horror cósmico, en el mal que supera lo humano, en la sensación de victoria imposible, la inmensa tragedia de nuestra inferioridad, la locura, que ha apelado a los colectivos más maltratados como si hubiese sido escrita para ellos.
Y buah, vaya trabajo hace aquí Clark. No quiero adentrarme mucho en este terreno, que nos llevaría de golpe a los spoilers, pero el carisma de las protagonistas enfrentado a esto, al odio supremo, a la imaginería de Lovecraft, me encanta. Es soberbio. Por supuesto, a la vez, el doble juego. No es que Lovecraft sea el malo de la novela pero el racismo cultural es la base de la construcción.
Tampoco os preocupéis si estáis pensando que puede correr el riesgo, con esto, de deshumanizar al Klan y echar balones fuera. No lo hace. La culpa humana y la responsabilidad individual están también representadas con maestría.
Hay muchos más aspectos culturales de importancia en Ring Shout.Si os gustan la mitología y el folklore, Clark ahonda bastante para la creación de su mundo y regala verdaderas joyitas en imaginería. Por desgracia estoy segura de que en mí han quedado perdidas muchas de las referencias. A la vez, por suerte, la principal es bastante clara: los cuentos del tío Remus y, en especial, Tar-Baby (muñeco de Brea).
Si sois fans de la animación quizá todo esto os suene de La Canción del Sur, de Disney. Porque sí, es la misma fuente. En caso negativo no busquéis la peli en Disney+ porque ni está ni, casi seguro, estará. Pero de esto podemos hablar otro día.
Vamos a encauzarnos a los cuentos. Su autor es Joel Chandler Harris, un periodista blanco de Georgia que recopiló historias en teoría contadas en las plantaciones con esclavos y las publicó como si estuvieran narradas por el ya citado tío Remus. En la enciclopedia británica, por ejemplo, tenéis una breve biografía suya si os interesa seguir con este tema.
Lo que Harris quería preservar no eran solo las historias, también la manera de hablar. No estoy preparada para empezar aquí un análisis sobre este tema, así que voy a dejaros ahí la información y que cada uno la interprete según quiera y pueda. Lo importante para esta entrada es el trabajo de Clark y, si al principio os hablaba de sus interesantísimas decisiones lingüísticas, aquí podéis ver cómo el autor siguió atando cabos.
Las narraciones en sí están cargadas de simbolismo, de violencia, de la pelea de los débiles contra los fuertes, y se enmarcan dentro del mundo de las fábulas.
Edward W. Kemble (1904)
De todas, tanto por Ring Shout en sí como para poner un contexto más sólido, os voy a hablar un poco más deTar-Baby.Aquí el hermano Zorro (Br’er Fox, para que veáis el tema de la representación dialectal) crea un muñeco de brea para capturar al hermano Conejo. Cuando el conejo le encuentra y le saluda amigablemente no recibe ninguna respuesta lo que, percibido como mala educación, le hace golpearlo. Al hacerlo queda pringado por la brea y, cuanto más intenta escapar, más imposible le resulta.
Pero no todo está perdido para el hermano Conejo ya que, cuando el Zorro llega, le vence en astucia y le convence usando su crueldad contra él.
Tar-Baby no es solo un cuento de folklore, en cualquier caso. Hoy en día es una frase hecha y, además, el nombre de una novela de Toni Morrison que si hubiese leído seguro que termina con alguna conexión.
Toda esta mitología construye la intrahistoria de la protagonista, que a través de sus recuerdos y algunas visiones, nos lleva en una narración en primera persona a recorrer estos caminos. Aquí, por cierto, otro ejemplo de la escenografía con la que nos presenta el autor. Y es que lo hace con una espada que contiene las almas de señores racistas que tienen que expiar sus pecados. Este libro se disfruta mucho.
También destacan las anotaciones que separan las secciones del libro y que, de una forma u otra, van introduciendo al lector en algunos de los temas que trata. No son explicaciones muy claras, más bien citas de contexto. Ya os decía al principio que Obscura tiene las primeras páginas del libro gratis en su web y ahí podéis ver la primera.
Con esto voy a ir cerrando esta sección de la entrada, que ha quedado larguísima. Hay muchos más temas de los que podríamos hablar, incluso sabiendo que yo no los he pillado todos, pero de verdad la idea de la entrada era hacer una reseña y no un análisis. Ring Shout es un libro corto pero intenso.
Y, si habéis notado que no he hablado más de los personajes, es precisamente por la pequeña longitud de este trabajo. Creo que de conocer el contexto de antemano ganas experiencia lectora pero, en este caso, no lo creo de saber más de las protagonistas.
But I ain’t no scared girl no more. I hunt monsters — they don’t hunt me. So now I’m about to do something real brave or stupid»
Ring Shout (Clark)
¿PARA QUIÉN ES RING SHOUT?
Si os gusta la fantasía urbana, el terror, las narrativas con mitologías fuertes y lucha social creo que como poco os va a dar para charlas muy buenas.
Aunque me he aventurado a poner una cronología en la ficha (8000BP) las fechas para el macroesquemático no tienen, de momento, una datación consensuada. En general podemos ubicarlo en el paso del Pleistoceno al Holoceno, momento en el que la humanidad empieza a asentarse y a convertirse de cazadores-recolectores en productores. Podemos llegar a esta conclusión por analogía con las decoraciones de la cerámica cardial, que presenta unas figuraciones similares y es más fácil de datar.
El conservador Jorge Soler en su vídeo para el patrimonio valenciano de 2021 lo data hace 7500 años.
Geográficamente se sitúa en la zona de Alicante comprendida entre el mar y la Serra d’Aitana, la Serra de Benicadell y la Serra de Mariola y fue declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1998. El marcoesquemático levantino, en general, se destaca por sus manifestaciones rupestres de gran tamaño (superan el metro) intentando utilizar todo el espacio disponible. Fueron realizadas en un espacio de pocos siglos.
En la imagen podemos observar una figura antropomorfa que se supone en actitud orante. Entre sus brazos está pintada una más pequeña, en posición similar. Rodeándolas signos serpentiformes.
Por signo entendemos expresiones esquematizadas que, desde la posición actual, no podemos interpretar. Son muy comunes en el macroesquemático donde no se presentan escenas como tales si no signos y antropomorfos que sugieren un simbolismo perdido.
Se hizo con una pintura densa, pastosa, de color rojo oscuro. Tallado con la concha de un berberecho.
Con la nitidez de la imagen que he usado para ilustrar la entrada y lo poco accidentada que parece otorga una sensación engañosa de la realidad de la figura. Para una apreciación mayor os dejo con un par de vídeos donde podréis observar le yacimiento y lo impresionante de la zona.
Con este tipo de entradas me suele gustar atarlo con obras de género a las que pueda parecerse, hacer algún comentario sobre qué significado damos en la actualidad a determinadas imágenes, pero con mucho del arte prehistórico que tiene cabida en Gorgonas es imposible.
Esta figura del orante no tiene, que sea reconocible por mí, una repercusión directa en la ficción actual. Lo que sí tiene para el público contemporáneo es un carácter inquietante, místico y con aires de fantasía que vuelven imposible no incluirla.
La figura humanoide que extiende los brazos hacia arriba, con lo que parece una boca abierta, y tiene encima a una criatura con aspecto mucho más humana, podía tener un significado en su momento de lo más normal y anodino. Pero ahora es terrorífica y podría ser la base de cualquier historia de terror sobre criaturas que hemos olvidado y que persiguen a la humanidad en pesadillas o en cualquier otro medio.
Las líneas alrededor, que se asemejan a cienpiés, no ayudan a ver el conjunto de una manera más amable.
Lo cierto es que siempre he sido una persona un poco extraña a la que le daba miedo la concepción de estas etapas de la historia de la humanidad. Quizá para la mayoría de vosotros sean figuras normales, que no producen ningún pensamiento al margen de la curiosidad, y pensáis que no debería incluirlas por aquí. No rechazo que mi visión nace desde un sesgo profundo y que no aporta mucho al conocimiento que tenemos sobre la fantasía, la ciencia ficción y el terror.
Sea como sea adoro la investigación y escribirlas y creo que siempre seguirán teniendo un hueco por aquí.
FUENTES
Garrido-Ramos, Beatriz. (2014). «PLA DE PETRACOS (ALICANTE): ARTE MACROESQUEMÁTICO», ArtyHum Revista Digital de Artes y Humanidades, sección de Historia del Arte, ISSN 2341-4898, nº 6, Vigo, 2014, pp. 151-159..
Menéndez, M., Más, M. y Mingo, A. 2009: El Arte en la Prehistoria. UNED. Madrid.
Vídeos oficiales de la Comunitat Valenciana en YouTube. Es sobre todo un canal enfocado al turismo y son los autores del vídeo Descubre el yacimiento arqueológico de Pla de Petracoshttps://www.youtube.com/watch?v=QrB6OXYiW-Q
La segunda novela de Madeline Miller. Sigue su ciclo de mitos griegos y, de la Ilíada y sus soberbios Patroclo y Aquiles, vamos a la Odisea. En este caso, no obstante, no sigue el argumento homérico completo y prefiere mezclar varias historias para centrarse en la bruja Circe.
¿CÓMO ES CIRCE?
Aviso de contenido: violación. Diversos tipos de violencia
Dos novelas y dos historias cortas después, Miller ha dejado claro que su foco está en una escritura lírica de belleza indudable y en los personajes que se esconden detrás de los grandes dioses y héroes.
En la primera, La canción de Aquiles, seguimos a Patrocolo, el enamorado de Aquiles. En Circe tenemos a la bruja homónima que supuso uno de los más famosos obstáculos en la vuelta a casa de Odiseo/Ulises en la Odisea. Todo lo hace con el detallismo de alguien que conoce al dedillo estas narrativas, pero lo envuelve en un paquete que creo que es muy atractivo para los que no estén ya metidos en ellas.
Y, si en la obra anterior exploraba los grilletes del destino, la sensación de inevitabilidad, aquí ahonda en el vacío. En la escasez de expectativas. En una vida que solo puede destacar en lo negativo y que nunca podría acceder a la gloria que busca Aquiles y que les condena a todos.
Circe está condenada desde que nace. Es, después de todo, una mujer.
Para empezar esto se refleja en un trauma familiar duro y pausado. En general el paso del tiempo en esta novela es como ver las hondas del mar desde la orilla, sabiendo que a lo largo del día el agua va a ir comiendo espacio a la tierra y que todo sucederá delante tuya pero sin que puedas realmente percibirlo.
Ya he comentado varias veces por aquí que no me gustan especialmente las historias lentas. Soy una lectora impaciente. Sin embargo, en años recientes, no sé si mi gusto está evolucionando o si he encontrado excepciones muy especiales que me han enamorado hasta el tuétano.
Circe es sin duda uno de mis libros favoritos.
Pensaba que me iba a durar mucho tiempo, que lo iría intercalando con otras lecturas. Lo devoré en cuatro días y, si no hubiera tenido cosas que hacer, habría sido en menos.
Creo que lo que rompe mi impaciencia es la sensación de diálogo continuo. La primera persona en la que se presenta Circe, le da una ruptura percibida de la cuarta pared que te sumerge en una conversación que no busca ser una justificación del personaje, si no un ahondamiento en la humanidad de la imperfección y del trauma.
No es exactamente una identificación con el personaje lo que te hace conectar con ella si no una comprensión íntima de unos sucesos que se han repetido una y otra vez en la historia de la humanidad. A lo mejor no habrías hecho lo mismo que la protagonista, pero desde luego entiendes perfectamente sus motivaciones tanto para lo bueno como para lo malo. La quieres porque representa un dolor generacional que ha seguido extendiéndose desde antiguo y para el que nunca ha habido una etapa con herramientas que lidien de manera adecuada con él.
En este punto creo que es importante hablar del aviso de contenido en la cabecera de la entrada, violación.
Tengo el privilegio de que no me importa, en general, leer sobre violaciones. Es totalmente respetable no querer leer nada de ficción que las contenga y es, además, una queja que comparto del todo que debería eliminarse su uso exageradamente constante y en contextos que pasan de lo ridículo a lo profundamente ofensivo.
Pero las violaciones son algo que por desgracia ha marcado a la humanidad, sigue marcándola y su representación en ficción es necesaria a veces. Para mí Circe es uno de estos casos.
Miller es una autora cuidadosa cuando escribe violencia, escapa del mal gusto que me encontré por ejemplo en Joyride, y para la relación de la protagonista con su trauma y con su cuerpo es un paso ineludible. Sobre todo porque el objetivo de esta narración no es reescribir la Odisea, es ahondar en ella.
Cuando escribí sobre La canción de Aquiles os decía que uno de los objetivos era, de manera clara, explorar por qué contamos una y otra vez las mismas historias pero que con Circe esto era un poco diferente. El tema es que aquí lo que exploramos es por qué no contamos esta historia una y otra vez.
Por qué Circe es un obstáculo para Odiseo, una bruja en un sentido peyorativo, un monstruo que comete el que se considera el peor pecado en manos de una mujer. Y por qué no es un personaje con agencia propia, que sufre las consecuencias de las acciones de los héroes en su entorno, que es privada de voz y posibilidades. Que vive en un limbo de nada y horror.
Y en este contexto de definición de feminidad y violencia, de hablar de qué somos y dónde venimos, de explicar su relación con los hombres que pasan por su vida, creo que era una conversación inevitable.
Además Circe no nos da solo la insatisfacción de lo que malo que es el mundo. También la vemos crecer y yo por lo menos me sentí plena leyendo el proceso que la lleva conocerse a sí misma, a ahondar en el significado de su nombre y en el descubrimiento de su cuerpo. El orgullo de ser una bruja. El dolor de cometer errores que no puedes subsanar, que a veces son terribles hasta el peor de los extremos y seguir viviendo.
La protagonista no es humana pero al final es parte de este proceso intrínseco a la obra de la autora. El demostrar que detrás de todo gran mito lo que hay es humanidad a raudales.
Después de hablar (mucho) de la protagonista y de su relación con otros personajes está claro que hay que hablar del plantel de secundarios. Comentaba que este es un libro sobre soledad pero también sobre sus diferentes relaciones y es que, al final, hay muchas maneras de ser socialmente invisible.
Los demás personajes sirven el propósito principal de remarcar esto. Todos están de paso en la trama, tienen sus propias narrativas y, la mayoría de veces muy a su pesar, se cruzan en la vida de Circe y ya de paso intentan sacar algo de ella. Están muy bien escritos, sobre todo Odiseo, que ya apuntaba maneras de ser un terrible e impactante personajazo en La canción de Aquiles. Pero en general no tienen un arco propio con curva de aprendizaje.
Esto tiene mucho que ver también con la larga vida a la que está bendecida o maldecida, según se mire, Circe.
También hay puntos positivos en los secundarios, no son solo personas terribles que pasaban por allí. Y hay escenas, con algunos que odio, que son aún así muy enternecedoras. Todo en las relaciones humanas es complejo y a la vez muy sencillo cuando lo ves desde fuera.
Uno de los aspectos llamativos de toda esta ordalía es el de los otros personajes femeninos. Casi todas las relaciones significativas de Circe son con hombres y tiende a ser privada de todo vínculo de sororidad y apoyo. Incluso cuando lo ve pasar de cerca y trata de extender su mano la sociedad parece estar diseñada para separarlas y crear mundos heroicos de pitufinas.
En lo personal, para esta historia en concreto, me gusta que sea así. De nuevo creo que es un detalle fundamental para describir una soledad que en su base, despojada de los elementos fantásticos, muchas hemos sentido en algún momento.
Por otro lado la historia no bebe solo de lo humano y el mundo de lo natural y su relación con la brujería está muy bien explorado y descrito. El entorno se vuelve, así, fundamental para la concepción del Yo. Es su relación con ello, su conocimiento de lo externo, lo que puede llevar a la protagonista a un conocimiento mayor de lo interno y de la búsqueda de relaciones más sanas. No obstante es también la representación física de muchos eventos internos, una barrera a menudo imposible de cruzar.
Por ir cerrando ya, y es que podría pasarme horas hablando de esta novela, os diré que entiendo y comparto la fama exagerada que tiene. No quiero decir con esto que el libro os vaya a gustar sí o sí que tengáis mal gusto si no es el caso. Está claro que no existe una historia al gusto de todo el mundo.
El punto es que Miller borda el análisis de estas obras fundacionales del pensamiento occidental, que todo esto somos nosotros. Que la manera tan hermosa de escribir que tiene apela a cosas de las que, incluso aunque sea de manera inconsciente, hemos bebido siempre. De las que se ha construido nuestra personalidad.
¿PARA QUIÉN ES CIRCE?
Si os gusta la Odisea por la manera en que está escrita o por la manera en la que ha influenciado el resto de la ficción me parece bastante probable que disfrutéis Circe. Si no es el caso, no tenéis ni idea de todo esto ni os interesa, creo que podéis echarle un ojo de todas maneras. No os vais a sentir perdidos y apela a cosas que se sienten bastante universales.
La narrativa es lenta, pero insisto en que como lectora impaciente yo no lo he sufrido.Así que incluso con esas os sugiero que le echéis un ojo.
Ahora bien, si sabéis de base que no disfrutáis de las historias mitológicas, si especialmente sentís rechazo por la manera en la que están escritas, si no queréis leer sobre violencia ejercida contra la mujer, no os acerquéis aquí ni por todas las buenas reseñas del mundo. No hay nada que de carnet de lector y menos que un libro tenga fama. Al final hay pocas sensaciones peores que obligarse a leer un libro.
También quiero aprovechar esta sección para hablar de la moda incesante, con cada libro fantástico de fuerte base mitológica, de decir para fans de Madeline Miller. De catalogarlos instantáneamente como parecidos.
He leído dos que he visto promocionados fuerte con este tema, El corazón de la Bruja y Ella que llegó a ser el Sol. Se parecen lo que una manzana a una pera.
El corazón de la Bruja tiene sin duda una idea de base similar. Dos brujas maltratadas por su mitología, en este caso la nórdica. Pero la manera de Gornichec y de Miller de escribir es tan, pero tan diferente, que aunque compartan tema se sienten productos en polos casi opuestos. Además Gornichec busca más el romance y la sorpresa, definiciones más humanas aunque sean de cosas más grotescas. Y su narrativa es menos adulta.
Con Ella que llegó a ser el Sol tengo más difícil hacer una buena comparación porque no me gustó, así que siento que podría llegar a ser injusta. Parker-Chan tiene un estilo más preciosista que Gornichec, en ese sentido más cerca de Miller que ella. Pero en realidad ni en eso se parecen. Parker-Chan es menos lírica pero más Shakespereana y le da más importancia a los sabores, las texturas, los olores.
Donde en Miller hay una exploración mitológica en Parker-Chan tenemos una base mitológica pero una novela mucho más cercana a otro tipo de fantasía histórica oscura. La presentación de los personajes también difiere muchísimo. La autora de Circe plantea una narrativa que, aunque muy dura y dedicada a la exploración psicológica, tiene cierto punto de idealismo y comprensión. Incluso cuando sus personajes hacen cosas horribles. Con Parker-Chan, y este es uno de los puntos en los que puedo caer en una injusticia total y absoluta, los personajes son mucho más desagradables y, aunque puedes empatizar con ellos por el inmenso drama detrás, no los sentía cerca como lectora. Si habéis leído a Kameron Hurley yo pondría a la autora de Ella que llegó a ser el Sol en esa misma estela.
Supongo que la comparación está, en términos de márketing, más que justificada por sus trasfondos y primera persona. Si haces una lista de libros sobre fantasía y mitología entiendo su inclusión en el mismo sitio, por ejemplo. Sobre todo en el caso de El corazón de la Bruja. Pero en realidad son lecturas tan diferentes que si llegas a una desde la otra queriendo buscar algo con una esencia similar, creo que tiene más papeletas para que una u otra no te guste.
Primera novela de la autora estadounidense Madeline Miller. Aunque es autoconclusiva se mueve en el mismo universo mitológico griego que el resto de sus obras. Es decir, si os gusta esta podéis ir directamente a por Circe o a por la historia de Galatea.
Según la editorial:
Grecia en la era de los héroes. Patroclo, un príncipe joven y torpe, ha sido exiliado al reino de Ftía, donde vive a la sombra del rey Peleo y su hijo divino, Aquiles. Aquiles, el mejor de los griegos, es todo lo que no es Patroclo: fuerte, apuesto, hijo de una diosa. Un día Aquiles toma bajo su protección al lastimoso príncipe y ese vínculo provisional da paso a una sólida amistad mientras ambos se convierten en jóvenes habilidosos en las artes de la guerra. Pero el destino nunca está lejos de los talones de Aquiles. Cuando se extiende la noticia del rapto de Helena de Esparta, se convoca a los hombres de Grecia para asediar la ciudad de Troya. Aquiles, seducido por la promesa de un destino glorioso, se une a la causa, y Patroclo, dividido entre el amor y el miedo por su compañero, lo sigue a la guerra. Poco podía imaginar que los años siguientes iban a poner a prueba todo cuanto habían aprendido y todo cuanto valoraban profundamente.
¿CÓMO ES LA CANCIÓN DE AQUILES?
Saber cómo tenía que terminar la historia no me libró de la llorera. Este libro es una mezcla de ternura y dolor, de impotencia contra el futuro mientras saboreas y sufres el presente.
Madre mía. A ver cómo os cuento todo esto sin acabar con el corazón roto otra vez.
El argumento sigue la historia de la Ilíada y un pelín de la Odisea desde el punto de vista de Patroclo. Si estáis interesados en las historias clásicas, habéis visto la película de Troya o cualquier cosa por el estilo será un viejo conocido vuestro. Aunque sea de pasada. En caso contrario os diré que Patroclo es un personaje de gran importancia para una historia en la que es, a la vez, un secundario que queda bastante al margen de las grandes gestas que le rodean.
Patroclo era el compañero más cercano de Aquiles, el novio vaya. Sí, sí. Sé que hay muchos debates sobre la representación de la homosexualidad en la Grecia clásica y mucho no se puede usar la visión de hoy en día para juzgar cosas del pasado. Pero tampoco se pueden invisibilizar realidades y qué queréis que os diga, Madeline Miller lo borda.
Cuando cogí La canción de Aquiles ya era una obra muy famosa pero aún no tantísimo como ahora. Las reseñas que había leído se centraban siempre en la prosa llena de lirismo de la autora, en la cadencia clásica y bien investigada de su narrativa. Y todo eso son atributos que, sin duda, tiene y destacan. Pero a mí lo que me pudo fue el romance.
Ver a Aquiles a través de los ojos de Patroclo.
El punto cumbre de Miller aquí, que luego será diferente en Circe, es bañarnos en por qué contamos esta historia una y otra vez. Por qué occidente vuelve siempre a la Ilíada y a la Odisea. Los sentimientos universales. Es tan fácil entender todo esto y está tan bien contado.
Patroclo no encaja en su lugar natal. Su familia está rota. Y él termina sintiéndose roto después de un incidente muy serio que le manda a servir al padre de Aquiles. Allí sigue sin encajar hasta que su relación con el joven semidiós rubio despega y terminan convirtiéndose en inseparables. Encuentran juntos su hogar y en perlas diminutas hayan una felicidad que se aleja de su vida real y de lo que se espera de ambos.
Pero Aquiles no es capaz de separarse de lo que se espera de él, de su necesidad de destacar, usar sus dones, tener una historia que será contada. Y por lo tanto de lanzarse a su oscuro destino.
En este aspecto Miller escribe además a una brillante y dura de leer madre de Aquiles, un personaje difícil de llevar por su entendible rencor a los humanos, por el miedo a lo que espera a su hijo y con una relación difícil con todo lo que le rodea.
Existe todo un mundo de pulsiones en torno a Aquiles. Un deseo de protegerle, de engrandecerle, de disfrutar de su sonrisa y a la vez de su incapacidad para la empatía a menudo, que empuja a los personajes cercanos y ataca a los demás con una envidia y deseos de manipulación que concluyen en un final perfecto. Perfecto y desesperante. Y lento. Y sobrecogedor.
En su esencia es, además, una historia sobre la guerra, como no podría ser de otra manera. Miller no es una gran escritora de batallas si no de sentimientos humanos. Su versión de esta historia se centra en una reflexión sobre qué mueve a los héroes y la cantidad terrorífica de pequeñas crueldades que terminan confluyendo para crear las peores de todas ellas.
Es una historia sobre nombres y apellidos mientras mueren colectivos. Sobre a qué obedecen las cosas que perdemos cuando la gente que está por encima de nosotros se pelea. Sobre el destino. Sobre el miedo al olvido y nuestra visión de nosotros mismos.
Aquiles se ve aterrado por la pérdida de lo que considera su esencia y su visión no termina de construirse hasta que no descubre qué es lo que le compone realmente.
Para terminar quiero volver, brevemente, al tema de la prosa de Miller. He comentado de pasada su lirismo y academicismo pero es importante destacar que no es una lectura que se sienta densa. Lo cogí con miedo pero fue muy fluido incluso pese a haberlo leído en inglés. No os recomiendo que os lancéis a ello si no estáis acostumbrados a leer en este idioma, claro. Tampoco es eso. Pero si ya lleváis ritmo con el tema no os va a costar.
¿PARA QUIÉN ES LA CANCIÓN DE AQUILES?
Si os gustan las historias sobre mitología clásica que se centran más en las personas que en los dioses, disfrutáis del lenguaje y de narrativas que se centran en disfrutarlo, si queréis leer una buena y trágica historia de amor, este es vuestro libro.
Además la edición española es preciosa. Lo leí en inglés y prefiero los libros en tapas blandas pero es innegable que la editorial ha puesto bastante mimo en los libros de esta autora.
Ganador del Fantasy Award (empatado con Only Begotten Daughter) y del Mythopoeic Fantasy de 1991, es una versión novelada de una historia medieval escocesa.
Os traduzco el argumento aunque, como siempre, recordad que no soy una profesional.
Un juglar vive de sus palabras, su música y, a veces, de sus mentiras. Pero cuando el audaz y talentoso joven Thomas the Rhymer despierta el deseo de la poderosa reina del País de los Elfos, descubre que las palabras no son suficientes para salvarle de su destino. A medida que la Reina le arrastra lejos de la gente que ha conocido dentro de su reino de magia, opulencia y cautiverio aprende lo que es verdaderamente ser humano. Cuando regresa a casa con el regalo de despedida de la Reina, su gran tarea será buscar a la chica a la que amó y agravió y ofrecerle por fin una lengua que no puede mentir.
¿CÓMO ES THOMAS THE RHYMER?
Escogí esta lectura por curiosidad, porque pensaba que había ganado el Fantasy Award el año que nací y porque lo único que había leído antes de Kushner, A punta de espada, me había gustado. Resultó que lo había ganado otro año, que podría estar escrito por otra persona para lo que se parece a lo que había leído suyo y que me metió en un parón lector tremendo. A Thomas the Rhymerle he dedicado sangre, sudor y lágrimas. Pero eso no significa que no me haya gustado, me parece muy buena novela.
Vamos a entrar al trapo.
La novela se divide en cuatro narradores. Los primeros son Gavin y Meg, un matrimonio que acoge a Thomas, el propio Thomas, que es el centro de la historia, y su amor mortal, Elspeth. El orden de estos personajes corresponde a las diferentes secciones del libro y esto es una parte importante para explicar cómo funciona la novela.
El principio, con Gavin y Meg, es costumbrista y una introducción más a un estilo de vida que a la historia en sí. Son páginas lentas, muy lentas. En este punto de la lectura apreciaba el estilo de Kushner pero estaba a punto de abandonar la lectura.
De ahí pasamos al relato de Thomas y su historia con la reina de las hadas. Esta parte es sexual, curiosa y a la vez un poco extraña. No ayuda que Thomas es un personaje, a mi gusto, muy desagradable. Su trato y opinión de las mujeres me irritan sobremanera y la escasez de carisma se hace notoria.
Para el final está Elspeth, el amor mortal, una representación del paso del tiempo y las expectativas. Cierra la historia de una manera que difícilmente se puede considerar satisfactoria pero que cuaja mucho con lo que está contando, a mí en ese sentido se me ha hecho perfecto.
La construcción del mundo y el sistema mágico son muy básicos y no ocupan mucho espacio. Pero, aunque es contradictorio, en el mundo, en la pluma de Kushner haciéndote evocar, es donde está el fuerte de esta novela. Para mí lo mejor de Thomas the Rhymer es la sensación ambiental que crea.
Está escrito en un estilo lírico pero no sobrecargado, al servicio de una soberbia sensación de historia antigua de hadas, clásica. A este aura contribuyen también algunas portadas, que son una delicia.
En ese aspecto destaco, por cierto, que aunque yo he puesto en la ficha del libro una de las portadas que menciono la edición que más fácilmente vais a encontrar es la de Fantasy Masterworks de 2015, mucho más sencilla y mucho menos apropiada para este libro en mi opinión.
Aprovechando esto os aviso también de que no está en español, no parece que haya sido traducida nunca, y no es un libro nada amigable con gente que no esté habituada a leer en inglés. No porque use un lenguaje exageradamente complicado y ya os digo que no está sobrecargado, pero a toda la historia la acompaña una densidad que creo que se puede atragantar fácilmente.
El argumento en sí, como os podréis imaginar por todo lo anterior, tampoco es muy complicado y también sirve para el ambiente. Además es una historia que ya existía y Kushner tomó la decisión de ser muy fiel. De nuevo todo puntos que bajan la agilidad de la lectura pero que aumentan lo que la autora claramente quería, ahondar en la sensación de cotidianeidad e historia de hadas clásica
Un aspecto paralelo a la trama, y que liga tanto con el lenguaje como con la intención de la autora de ceñirse al original por lo menos en gran medida, es la presentación del dilema de la verdad y la mentira. Si habéis leído el argumento habréis visto cómo la manipulación y el carisma se definen desde el principio como aspectos esenciales al personaje y que esto va a estar confrontado con los eventos a los que se enfrenta.
Thomas the Rhymer tiene mucho de intentar escribir conversación sin diálogo y de debate entre qué consideramos una bendición y qué es un castigo disfrazado. Este planteamiento es mi otra cosa favorita.
También juega a su favor ser un libro de fantasía no muy largo y conclusivo. A mí desde luego es algo que me ayudó mucho cuando más cuesta arriba se me hacía la lectura.
In the sleepless dark, all things are possible, the worst most likely, all darkness visible. There he lay, as near as comfort, as far as the other side of death, silent and far away in sleep.
Thomas the Rhymer (Kushner)
OTROS AUTORES
Llegados a este punto siento que me faltan medios para poder explicar esta novela como se merece y creo que mi mejor opción es hablaros de ella en perspectiva a otros autores.
Voy a empezar con Patrick Rothfuss ¿Habéis leído el Temor de un Hombre Sabio? En la segunda entrega de la Crónica del Asesino de Reyes hay una trama extraordinariamente parecida entre el protagonista, Kvothe, y una fae llamada Felurian. Que la trama sea parecida no tiene mucha relevancia porque los secuestros féericos de este estilo son un elemento bastante común en este tipo de historias.
El tema es que Rothfuss también tiene un estilo muy lírico sin ser sobrecargado y que cuentan lo mismo, con protagonistas con opiniones sobre lo femenino que te pueden hacer fruncir el ceño y ambas historias tienden a dejar un regusto amargo en la boca.
En mi opinión Kvothe es mucho más carismático que Thomas y es una saga contada con bastante humor. Por encima de todo, la escritura de Rothfuss se basa en el misterio y en Thomas the Rhymer el argumento pasa muy desapercibido. Es como si intentaseis descontextualizar ese episodio completamente del resto de la saga de Kvothe.
Por contra Rothfuss en ningún momento tiene (ni busca) esa ambientación tan envolvente que destaca en Kushner.
No sé si el autor estadounidense ha leído Thomas the Rhymer pero en base a la foto que podéis ver aquí de él llevando merchandaising de la saga La Ribera, podemos asumir que disfruta las obras de esta autora.
También es una pluma similar a la de Neil Gaiman en algunos momentos de American Gods, cuando lo grande no importa y el mundo parece hacerse más recogido pese a la magia.
Una comparación un tanto tramposa y surgida del apartado más costumbrista es Cien Años de Soledad, de García Marquéz. En la obra del autor colombiano al principio la familia Buendía tiene unas tramas exuberantes y luminosas que se van apagando con una sensación de pérdida de magia que permea cada página. De esto hay mucho en la separación entre personajes y en cómo está contada la novela.
Aunque no la he leído me han dicho que tiene una prosa similar a la de Patricia McKillip, autora que ha sido recuperada recientemente por Duermevela con un una edición que se ve preciosa de Las bestias olvidadas de Eld.
A punta de espada, el primero de la saga La Ribera y el único otro libro de Kushner que he leído, la autora con la que podría compararlo es Lynn Flewelling. Es un libro mucho más ágil, con mayor construcción de mundo. Hay más importancia en los personajes, que son más carismáticos y se vuelve, en general, una lectura mucho más amable y divertida. Con esto no quiero decir nada bueno o malo. Simplemente que son tipos de historias y maneras de narrar diferentes.
¿PARA QUIÉN ES ES THOMAS THE RHYMER?
Creo que Thomas the Rhymer gana mucho si estás metido en el mundo del romance medieval de Reino Unido (Thomas Learmont era escocés) o, simplemente, si antes de lanzarte a por él buscas de dónde viene todo esto. No es necesario, en cualquier caso. Se entiende bien, todos tenemos una idea cultural de qué tipo de historia es a través de otras y al final se trata de disfrutar la escritura de Kushner.
Como decía no vais a poder leerla en español de momento y no os recomiendo que os lancéis a ella sin estar acostumbrados a leer en inglés (o en cualquiera de los otros idiomas a los que sí ha sido traducido).
Publicado entre el 2000 y el 2018, Dorohedoro es un manga de 167 episodios recopilados en 23 volúmenes tankōbon. Pasó por varias revistas pero todas ellas bajo el sello de publicación de la inmensa Shogakukan, que a su vez es parte de uno de los mayores grupos editoriales de Japón.
Está catalogado como un seinen, es decir, una historia para adultos. El tono es de fantasía oscura repleta de body horror.
Empieza con Kaiman, un hombre sin recuerdos y con cabeza de animal que está intentando descubrir su pasado y a la persona que le maldijo. Le ayuda su gran amiga y cocinera de gyozas, Nikaido. No obstante es una historia con un plantel muy plural y que va dividiendo protagonismo según avanza.
¿CÓMO ES DOROHEDORO?
Tiene, de lejos, uno de mis principios favoritos en la ficción.
Kaiman, el protagonista, se introduce la cabeza de uno de sus enemigos en la boca y le pregunta qué le ha dicho el hombre en su interior.
Es potente, inquietante, con un dibujo excelente y deja planteado todo lo que hace falta para desplegar la extrañísima historia de este manga.
Dorohedoro es curioso. Se baña en lo gore, incómodo, en la reducción del cuerpo a sus mínimas partes, en la crueldad. Pero a la vez es, por encima de todo, una historia sobre vida cotidiana y familia. Un relato sobre gente leal, que quiere mucho a los suyos, que hace cosas extremas y que se lleva a matar con todo el resto del mundo. Quitando una trama de dos personajes todos los grupos de Dorohedoro me han funcionado y he sufrido muchísimo cuando tenía que verles enfrentarse. Y, encima de todo, es muy gracioso.
Como buena historia sobre familia también es una historia sobre comida. Sobre el elemento centralizador que supone, sobre cocina y la gente que cocina y sobre el toque hogareño en los lugares más extraños del universo.
A esto sumadle un sistema mágico que me ha dado algunos de mis momentos favoritos. Nunca os rías de alguien capaz de crear setas, os lo advierto. Es sencillo, muy bien explorado y con una buena capacidad de dejar en shock a la vez que provocar carcajadas.
Esta debe ser la primera vez que me gusta una cucaracha gigante.
Lo estético lo marcan el amor por lo feo y lo grotesco mezclados con grandes dosis de gusto por moda de tribus urbanas, desde el punk al metal. Destacan las máscaras, que se mueven muy bien entre lo espeluznante y la comedia. Todo son partes de un puzzle visual post-apocalíptico grandioso.
Nada de esto impide, sin embargo, un gusto por la belleza en un sentido más tradicional y que crea algunas escenas repletas de dulzura. Lo que hace Hayashida es digno de los mayores elogios.
Reconozco que a veces es una obra un tanto confusa y que puede perder un poco el norte. No obstante para mí la trama se mantuvo interesante hasta el final. La autora supo tomar las decisiones que más conveníanal manga y utilizar a sus personajes en consecuencia.
Incluso en los momentos en lo que, por un motivo u otro, desaparecían mis favoritos, no decaía. Otro personaje se vuelve soberbio y tira de Dorohedoro hasta una conclusión que creo que es la que necesitaba.
Lo que mejor mantiene la historia en estos 23 tomos es la capacidad de Hayashida de mezclar escenas completamente delirantes con momentos de horror escalofriantes de verdad. He hablado varias veces de lo dulce y lo familiar en esta reseña pero que eso no os engañe. Cuando esta obra quiere incomodarte te incomoda.
También es importante recalcar que, aunque a mí no me ha molestado demasiado en la lectura, la sexualización de personajes femeninos puede llegar a ser bastante exagerada. Los personajes en sí, excepto una, me gustan mucho. Pero puede ser bastante indeseable para según que lector así que merece la pena avisar en la reseña.
En resumen Dorohedoro es un manga que mezcla muy bien lo inquietante con la comedia, tiene unos personajes excelentes y se mantiene con una calidad consistente a lo largo de sus 23 volúmenes.
Gorgonas 