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Reseña: Last Quarter (Ai Yazawa)

~ Tarsia Buendía ~ Deja un comentario
  • Autora: Ai Yazawa
  • Título original: Kagen no Tsuki
  • Fecha de publicación original: 1998-199
  • Editorial: Planeta Cómic
  • Traducción: Daruma
  • Precio: 16’95€
  • Páginas: 536
  • ISBN: 978-84-9146-998-8

¿QUÉ ES LAST QUARTER?

Ai Yazawa es una de las pocas razones por las que encuentro limitante haber elegido para el blog las temáticas de fantasía, ciencia ficción y terror. Aquí solo puedo hablaros de Last Quarter, también conocida como Kagen no Tsuki (下弦の月), un manga de tres tomos que Planeta compiló hace unos años en la edición que podéis ver en la imagen. Tuvo también una adaptación cinematográfica (popular en parte porque Hyde, un cantante muy famoso, hacía uno de los papeles principales y una canción) y una novela a cargo de Kanae Shimokawa.

Además Isophilia (os dejo aquí su blog también) me descubrió que Tetsu, compañero de Hyde en L’Arc~en~Ciel, es un gran fan y se inspiró en la historia para su canción tightrope

La historia sigue a la pequeña Hotaru y a sus amigos mientras emprenden la búsqueda de una enigmática figura, una adolescente que la niña vio en un sueño después de ser atropellada mientras buscaba a su gato.

¿CÓMO ES LAST QUARTER?

Esta autora se caracteriza por sus historias de romances complicados, figurines, ambiente urbano, inclinaciones artísticas, un tono tragicómico, tramas agridulces y el gusto por la moda alternativa japonesa. Last Quarter, aunque entrando en el terreno de la fantasía sobrenatural, cumple con todas las particularidades de su obra. En mi opinión lo que más destaca a este trabajo frente a otros de sus cómics es el ambiente onírico y el que, debido a ello y pese a usar protagonistas más pequeños de lo que suele, le imprime un cierto sentido poético.

Si no habéis leído nada de Yazawa os diré que en el conjunto de su obra, por el tipo de historias que le gustan, es más llamativo de lo que pueda parecer. En mi opinión acertó de plano haciendo la división entre el mundo de los niños y el de los adolescentes, dejando claros los paralelismos y, a la vez, utilizándolos para dar un toque de esperanza y de cambio que es muy necesario en esta narrativa.

Last Quarter habla, por encima de todo, de las cosas que no somos capaces de dejar marchar. De la manera en la que nos aferramos a momentos de nuestra vida y de cómo nos definen y pueden llegar a controlarnos. También, y de manera inseparable, de la pérdida y de la soledad, de la amistad y la traición y de cómo cosas similares podemos abordarlas de maneras muy diferentes según nuestra posición.

Cada vez que la he leído, desde que era adolescente hasta ahora, le he visto matices nuevos y la he percibido de una manera diferente. Todas me ha tocado la fibra sensible y me ha dejado pensativa después de la lectura.

Quiero destacar también la utilización de la música como conductora del misterio. La sinestesia es el nombre que se le da al proceso por el que algunas personas pueden asociar, por ejemplo, colores a algunos sonidos o, en este caso, sonidos a imágenes. Si nunca habéis tenido estas sensaciones os aseguro que con este cómic pasa. No es algo claro y definido si no una sensación de saber lo que está sonando que guía además este particular mundo onírico que comentaba más arriba.

El gusto por la moda alternativa japonesa de Yazawa hace mucho por estas percepciones y cierra un círculo perfecto de guiños al ambiente general del momento en que se publicó.

Con el símbolo de la luna llena y un anillo, que se repiten de manera constante, la autora presenta la metáfora de los círculos que se cierran y de las cosas cíclicas. Ambos son recursos sencillos y bien utilizados. Una de las facetas de este uroboros es cómo el maltrato llama a más maltrato y lo difícil que es romper con una pauta en tus relaciones. Cómo, de generación en generación, creemos aprender lo que merecemos y lo complicado que es romper con ese ciclo.

Para terminar os hablaré un poco sobre la edición. Esta nueva compilación, aunque el lomo sufre un poco, merece muchísimo la pena. Si veis los anteriores son muy baratos pero el papel es un horror y además en la compilación os ahorráis unos eurillos. La traducción creo que no ha cambiado pero en cualquier caso es cómoda, no recuerdo frases extrañas y se entiende todo muy bien.

¿PARA QUIÉN ES LAST QUARTER?

Fans de los misterios sobrenaturales o de los romances complicados y dañinos. La historia toca sentimientos muy turbulentos y, aunque me imagino que puede ser un detonante para los problemas de algunas personas, también creo que es una de estas obras que te ayuda a ver con perspectiva tus sentimientos.

Lo que es (casi) seguro es que, si os gusta Yazawa, la vais a disfrutar.

Puntuación: 5 de 5.

Reseña: The Umbrella Academy: Dallas (Way, Bá, Stewart)

~ Tarsia Buendía ~ Deja un comentario
  • Guionista: Gerard Way
  • Dibujo: Gabriel Bá
  • Color: Dave Stewart
  • Rotulación original: Nate Piekos de Blambot
  • En español: Joan Moreno
  • Traducción: Marc Galante y Sergio Colomino
  • ISBN: 978-84-6790-108-5
  • Precio: 16,00 €
  • Páginas: 216
  • Colección: The Umbrella Academy (2/4)

¿QUÉ ES THE UMBRELLA ACADEMY: DALLAS?

Segundo tomo de la historia de los hermanos Hargraves, cuenta con el siguiente argumento: Después del casi Apocalipsis y la muerte de Pogo, los chicos de Umbrella Academy están abatidos y confusos: Rumor ha perdido la voz y su poder, Spaceboy no para de comer, Número 5 se ha metido en asuntos algo turbios y Kraken cree que encontrar a su desaparecido hermano pequeño le ayudará a resolver una serie de misteriosas muertes… ¡relacionadas con un complot para matar a JFK!

¿CÓMO ES THE UMBRELLA ACADEMY: DALLAS?

A Gerard Way le gusta construir desde las ruinas. Dos tomos que llevo de The Umbrella Academy dos tomos que empiezan con la familia Hargreeves separada, con pequeñas reminiscencias de su infancia y, pese a haber centrado toda su educación en funcionar como equipo, tener que aprender de nuevo a trabajar juntos.

Si en el primero, para mi gusto, no alcanzó a crear unos personajes carismáticos como para que me importase y además hizo un lío de poderes y de trama, aquí, en cambio, le ha sacado todo el partido posible y ha sabido lucirse.

Esta vez The Umbrella Academy sí que es capaz de adaptarse al formato en el que se desarrolla, maneja bien sus tiempos y la información de sus viñetas y da un sentido de relevancia a la historia. Dallas es mucho más sólido y con una trama que no parece construida de escenas al tuntún.

Los personajes por su lado tienen espacio para ser distinguibles y diferenciables. Lo más importante, esta vez los antagonistas son atractivos no sólo por los dibujos de Gabriel Bá y el color de Stewart, también por el guion.

Hazel y Cha Cha trascienden lo maravilloso de su diseño y se acompañan de unos diálogos divertidos, con un humor basado en una violencia extrema mezclada con un candor infantil que les hace ideales para el surrealismo de la trama. No necesitan un gran trasfondo ni muchas páginas para comerse la historia.

La agencia de los viajes en el tiempo y el jefe pez funcionan muy bien para mover la trama y, sobre todo, para crear el marco de Número Cinco. Aunque The Umbrella Academy intenta dar importancia a todos sus protagonistas está claro que en este volumen el niño/anciano que puede saltar en el tiempo es el protagonista indiscutible.

Igual que Hazel y Cha Cha hace gala de una inocencia y actos impulsivos propios de un niño que hacen un contraste estupendo con su verdadera edad. Sabes que todo va mal en un mundo viendo a alguien en ese cuerpo haciendo esas acciones y con esos diálogos. Le da un humor brillante.

El resto de hermanos, en general, también están muy bien. Sobre todo en sus interacciones entre sí. El mayor problema es que por un lado el Violín Blanco no sale casi y por otro Rumor no aporta nada, dejando a Way con un plantel en el que todos sus personajes más llamativos son masculinos. Es una pena porque me encanta el poder de Rumor, tiene una portada para ella que es una gran idea y podría estar muy bien en general pero lo cierto es que al no poder entrar en la dialéctica del resto de Hargreeves se vuelve muy irrelevante.

Por lo demás el tono es tan maravillosamente surrealista como colorido, todo es oscuro pero brillante, el apartado artístico sigue siendo maravilloso y hay algunos momentos (como una aparición de, supuestamente, Dios) que encuentro excelentes. Esta es una de las pocas historias en las que aprecio la manera en la que se centra en Estados Unidos por la maravillosa parodia que hace. Aquí, sobre todo, se luce Diego. Un personaje que per se no me gusta pero que da al cómic un toque estupendo.

¿PARA QUIÉN ES THE UMBRELLA ACADEMY: DALLAS?

En general si os gustó el primero estoy segura de que os gustará este. Pero además si os pasó como a mí y el anterior no os pudo dar más igual a lo mejor encontráis el amor aquí. Si venís por la serie de televisión y dejasteis a medias el primero porque no os enganchaba, probad de todas maneras con el segundo.

Puntuación: 4 de 5.

Reseña: The Umbrella Academy. Suite Apocalíptica (Way, Bá, Stewart)

~ Tarsia Buendía ~ 1 comentario
  • Guionista: Gerard Way
  • Dibujo: Gabriel Bá
  • Color: Dave Stewart
  • Rotulación original: Nate Piekos de Blambot. En España: Joan Moreno
  • Traducción: Marc Galante y Sergio Colomino
  • ISBN: 978-84-679-3867-8
  • Precio: 19,00 € Páginas: 184
  • Colección: The Umbrella Academy (1/4)

¿QUÉ ES THE UMBRELLA ACADEMY: SUITE APOCALÍPTICA?

Primer volumen de la historia de los Hargreeves, compila las seis primeras grapas, la historia que hicieron para el día del cómic gratis de 2008 (año de lanzamiento de la serie) y otra historia extra que subieron a la web de Dark Horse. Tiene también una sección de bocetos y explicaciones.

El argumento según la editorial: En un año insólito para la humanidad nacieron 43 niños “extraordinarios”. Todos de madres solteras, sin aparentes muestras de embarazo y en los lugares más extraños. Solo 7 de esos niños fueron salvados de su fatal destino y educados por el magnate Sir Reginald Hargreeves para controlar sus peculiares poderes. Su objetivo: SALVAR EL MUNDO.

Si queréis echarle un ojo Norma tiene unas páginas de muestra aquí.

¿CÓMO ES THE UMBRELLA ACADEMY: SUITE APOCALÍPTICA?

Cuando empecé con Gorgonas decidí subir solo reseñas de cosas que me gustasen, no tiene sentido para mí hacer un proyecto de este estilo para soltar odio o escribir 700/1000 palabras de lo que me aburre algo. Esas las dejo en Goodreads, breves, algún comentario en Twitter y marchando. Este primer tomo de la academia del paragüitas va a ser una pequeña excepción. No es que lo odie pero me resulta indiferente, soso y con un guion lioso. Pero aquí lo tenemos, porque todo lo que no llamó mi atención el primero lo consiguió el segundo y siempre me parece extraño subir reseñas de tomos sueltos en una colección.

Un detalle importante: cuando digo que algo no me ha gustado no quiero decir que considere que sea un mal cómic o que algo sea de determinada manera de forma objetiva. Es, como cuando digo algo positivo, una opinión y espero que otros hayáis disfrutado mucho Suite Apocalíptica. Hablemos un poco de ella.

Al contar una historia en cualquier formato el espacio es siempre uno de los elementos clave. Esto se aplica a la duración de la obra y al tamaño adecuado para el formato (ahí tenéis en cine por ejemplo a Snyder y su Liga de la Justicia). Todos tienen sus particularidades en estos ámbitos y el cómic, para mí, es el más sensible. Una viñeta, en manos de un buen equipo, te puede resumir de manera efectiva elementos que otros medios necesitarían más espacio para explicar. Pero a la vez es un entorno muy cerrado, una grapa de cómic es muy corta y seis, que es lo que contiene esta compilación, a veces tampoco hace mucho más. Especialmente si tu trabajo tiene muchos personajes y un mundo diferente necesitas un talento muy especial para sacarlo adelante aquí.

Hay muchos cómics de grupos superheróicos, pero no tantos autores que salgan airosos de presentarte siete personajes protagonistas completamente nuevos en un ambiente desconocido con bastantes secundarios. Gerard Way, para mí, no forma parte de ese grupo. A pesar de haber visto la serie de televisión antes, para cuando terminé el tomo no tenía nada claro qué poderes tenían algunos, no sentía cariño por ellos y eso me hacía difícil congeniar con la trama y el sentido del humor. Si lo hubiera leído en su día, e incluso ahora si no hubiera tenido ya el segundo sacado de la biblioteca, con lo visto aquí no creo que hubiese seguido con la colección (y eso, os lo dice la Tarsia del futuro, habría sido una pena).

Y es que para mí este tipo de historias depende completamente de lo atractivos que sepas hacer a los protagonistas y a los antagonistas y el peso que des a cada uno de ellos. Cuando, aunque tengas diseños que acompañen, los enemigos son tan irrelevantes es difícil que puedas construir el encanto de los buenos de manera satisfactoria. Para que os hagáis una idea, ni un mes después de haber leído el cómic para hacer la reseña he tenido que coger el tomo para acordarme del aspecto de la mitad de los adversarios.

Entiendo que la intención sería dejarlo así para volver la atención sobre la Orquesta y el Violín Blanco, el personaje que da imagen a la portada. Para mí no lo justifica y como decía al principio es un problema puro y duro de medir el espacio y el número de personajes que tienes. Todo tiene mucho potencial pero aquí no lo explota según mis gustos.

Lo que sí tiene Suite Apocalíptica es un apartado gráfico que me ha dejado enamorada por completo. El dibujo de Gabriel Bá es muy atractivo, pega muy bien con lo que cuenta y hace una pareja perfecta con el color de Dave Stewart. Pasar las páginas de este cómic es una delicia de surrealismo, tonos oscuros y brillantes. Admiro muchísimo la expresividad que le dan a los personajes y el dinamismo de las escenas.

Por si fuera poco encima cuentan con las portadas de James Jean, de las que decir que son espectaculares se queda corto.

De la edición algunos detalles. Me gusta, agradezco que haya formato tapa blanda para elegir, pero esa pegatina que no se puede quitar que han plantado en medio de la portada con el logo de Netflix me destroza. No entiendo por qué hacen eso, me supera. Espero que les ayude a las ventas mientras yo lloro en una esquina.

¿PARA QUIÉN ES THE UMBRELLA ACADEMY: SUITE APOCALÍPTICA?

Lo más obvio, si habéis visto la serie y tenéis curiosidad está bien darle un tiento. También si tenéis nostalgia My Chemical Romancera es posible que disfrutéis mucho de las ideas de Way.

En lo que al cómic por méritos propios se refiere os lo recomiendo sobre todo si tenéis paciencia para llegar al segundo tomo, en caso de que seáis como yo, y a personas que se enamoren también de su estilo gráfico.

Puntuación: 2.5 de 5.

Reseña: «Pantera» (Brecht Evens)

~ Tarsia Buendía ~ Deja un comentario

Autor: Brecht Evens
Editorial: Astiberri
Fecha de publicación original: 2018
Precio: 25€
Páginas: 128
ISBN: 978-84-16880-56-0
Traducción: Maria Rossich

Me gusta dividir las reseñas en tres secciones (qué es, cómo es, a quién puede gustarle) pero es un formato muy poco indicado para explicar esta obra. En realidad cualquiera lo es. Hablar de Pantera es una necesidad y a la vez una tarea casi imposible, en especial si intentas dedicar el texto a alguien que aún no lo ha tenido en sus manos.

Es un tebeo muy corto que se beneficia del desconocimiento absoluto del lector y a la vez es uno de los trabajos que he encontrado con más necesidad de aviso de contenido. En resumen, no le puedo recomendar Pantera a nadie sin destripársela entera pero es un trabajo sobresaliente que merece mucho la pena.

A partir de aquí va el spoiler del argumento principal, que seguiré mencionando hasta el final del texto.

Pantera es una historia sobre los abusos en la infancia.

Si miráis las biografías de varios de los grandes padres de la ficción infantil habréis visto la sombra de la pederastia que vuela sobre ellos. Esta historia tira de este hilo y lo hace muy bien.

Cristina, la protagonista, es una niña pequeña que vive con su padre. Su madre no está y pocas escenas después (el libro no tiene viñetas como tales) vemos cómo va aumentando ese aislamiento, remarcado además por lo persistente del mismo escenario que es la casa y, en especial, la habitación de la niña.

Sabemos que sale, que hay cosas que pasan fuera de cámara, que los días y las noches se suceden, pero el ambiente es invariable. En este contexto aparece la misteriosa Pantera, una suerte de amigo imaginario capaz de hacer cualquier cosa y de contar cualquier mentira para ganarse la confianza de Cristinita. Su principal reclamo son cuentos de un mundo extraño, allí él es príncipe y todo sucede de acuerdo a los deseos de la niña. Nada es una verdad inamovible si eso puedo disgustarla.

Como podéis ver, tanto la portada como el interior hacen gala de un arte impresionante, colorido y llamativo. Donde ningún trozo es igual que el anterior y la Pantera puede ser cualquier cosa según convenga. Esto es lo que Cristina absorbe de su nuevo amigo, no solo la compañía, también el cambio, la exaltación, el deseo de ser especial y querido. El cómic sigue al dedillo el proceso estándar de una Alicia en el País de las Maravillas pero el elemento siniestro y perturbador, la sensación de que algo no es como debería, sigue creciendo a medida que avanzas la lectura.

Una de sus particularidades es como decía esa especie de encierro. Cristina nunca puede viajar a Panterlandia porque Panterlandia, por supuesto, no existe. Es un cuento, un deseo. Así que su habitación, en su mente, empieza a convertirse en el lugar. Se mimetiza con la pantera. Esto es uno de los toques maestros de la historia porque al final de Alicia o de Peter Pan los protagonistas vuelven a casa y comienza el rito de paso hacia la edad adulta. Este nunca puede ser el caso de Cristina, no tiene ningún sitio al que volver y avanzar. Ya está en el lugar donde debería sentirse más segura del universo.

De verdad no creo que pueda hacer justicia a lo bien narrado que está Pantera y lo espectacular de su apartado gráfico. Es desagradable hasta la nausea y por momentos te pone los pelos de punta, dejándote un nudo en la garganta y una desazón dolorosa pero merece la pena. Es algo de lo que como sociedad tenemos que hablar y aquí está muy bien hecho, redondo en todos sus aspectos.

La edición también está a la altura. La traducción no te saca nunca del texto y no puedo ni imaginarme cómo tuvo que ser la maquetación de un tebeo tan particular.

No tengo ninguna queja excepto porque el mundo a menudo es un lugar horrible.

Reseña: «Catarsis» (Moto Hagio)

~ Tarsia Buendía ~ Deja un comentario

Autora: Moto Hagio
Título original: Hanshin Tanpen Kessakushu
Editorial: Tomodomo
Traducción: Ana María Caro
Precio: 16€
Páginas: 448
ISBN: 978-84-16188-63-5

¿QUÉ ES CATARSIS?

Doce historias cortas, creadas entre 1971 y 1994, que viajan a través de géneros y estilos diversos manteniendo siempre una estética preciosa y un tono melancólico, triste o directamente perturbador.

Si queréis saber un poco más de la autora escribí sobre ella en la entrada sobre el clan de los Poe. En resumen es una de las madres del manga, una diosa del arte y parte del llamado grupo del 24.

Creo que no existe la antología perfecta. Siempre hay relatos mucho mejores que otros y a menudo es un formato pesado de leer. Desde luego no es mi favorito. Aún así Catarsis tiene un nivel muy alto y bastante homogéneo al que favorece además el orden en el que están colocadas las historias.

Como esto es una página de fantasía, ciencia ficción y terror aquí solo hablaré de las que pueden ser incluidas en estos géneros.

Para terminar esta sección, soy consciente de la baja calidad de la imagen de portada. Esto es así porque la web de Tomodomo no la tiene subida para reseñas y porque las partes que se ven grises en persona son de un plateado brillante, mucho más bonita de lo que la hace parecer esa fotografía. El resto de ilustraciones que acompañan la entrada tampoco tienen la calidad suficiente por una mezcla entre lo mal que se me da hacer fotos y el tamaño del tomo, que, como dato tonto, hizo que me doliese mucho el dedo gordo con el que sostenía las páginas leídas.

¿CÓMO ES CATARSIS?

Precioso, el estilo de Moto Hagio es dulce y estilizado, parece que puedes percibir las ráfagas de viento que mueven el pelo de sus personajes. Además es variable, se ajusta a la narración, y en un solo tomo puedes pasar por muchos tipos de dibujo diferentes. Lo que sí tienen todos en común es que sirven de contrapunto a historias oscuras, algunas con finales muy dramáticos, y en especial con mucha melancolía.

Moto Hagio explora, por encima de todo, la sensación de no encajar en la sociedad y la soledad que esto produce, así como la pérdida y el vacío consecuente. Todas las historias, incluso las que terminan bien, tienen un sabor agridulce y una sensación de mundo atascado que sigue moviéndose pese a ti.

MITAD. Publicado en 1984.

La primera historia es un relato de terror sin elementos sobrenaturales. Cuenta la vida de dos hermanas monovulares unidas por la cadera llamadas Yudy y Yucy. Mientras Yudy es muy inteligente y sufre una delgadez extrema y pérdida de cabello, Yudy tiene la belleza de un proverbial angelito y dificultades de aprendizaje.

Puntuación: 4.5 de 5.

LA NIÑA IGUANA. Publicado en 1991

La señora Aoshima tiene una hija con aspecto de iguana, pero solo ella parece darse cuenta.

Mi favorito. Es raro, perturbador, triste, tierno y en algún que otro momento muy gracioso. Incluso si solo fuese por este relato merecería la pena el conjunto entero.

Puntuación: 5 de 5.

LAS PASTILLAS DE IR A LA ESCUELA. Publicado en 1994.

Katsumi es un estudiante que, de la noche a la mañana, empieza a ver una realidad completamente deformada. La única excepción es una compañera de clase apellidada Nakagawa.

La más delirante de todas las historias, ciencia ficción pura. Como si te tomases unas píldoras tú y empezases fuerte, viendo en la primera viñeta como el padre es un procesador de texto y la madre un hervidor eléctrico.

Puntuación: 3.5 de 5.

EL FALSO REY. Publicado en 1984.

Narra el viaje de Eyika y de un vagabundo rechazado por la sociedad que termina acompañándole.

A nivel de trama no es de mis favoritas pero a la vez creo que es de las más llamativas. Por una parte es muy predecible y, como es muy pausada, no te deja con al nariz pegada al libro. No obstante, aunque no sorprenda, una parte del giro final me ha parecido muy satisfactoria. Además el dibujo es una maravilla, el estilo que usa aquí Moto Hagio es bastante diferente al resto y le pega a las mil maravillas.

Puntuación: 3.5 de 5.

EL INVERNADERO. Publicado en 1975. Idea original de Ikumi Ikeda.

Joschafat y L’ange se convierten en hermanos tras la boda de sus padres y, aunque han compartido escuela, se conocen veraneando en la casa de campo familiar. Mientras su amistad avanza descubren un invernadero abandonado al otro lado de un río.

Creo que esta es la historia más difícil de comentar. El estilo, tanto en dibujo como en trama, se parece mucho a el clan de los Poe. Es precioso. Lo que pasa es que, al menos para mí, es una historia muy muy desagradable de leer. Joschafat es un personaje asqueroso y hay una parte de la historia que, bueno. No os quiero spoilear pero de verdad me dejó con muy mal cuerpo y molesta.

MARINE. Publicado en 1977.

La madre de Abe está muy enferma lo que hace que, pese a su corta edad, tenga que trabajar. Un día, volviendo a su casa e intentando comprar medicina, se encuentra a una joven muy hermosa que le regala un pendiente.

Marine es, para mi gusto, demasiado larga. Interesante, entretenida, pero con personajes muy irritantes en especial según van creciendo. Y esta historia sin que los personajes te cautiven la verdad es que no termina de funcionar. Por otro lado de pronto empieza a tratar bastante sobre tenis y es un giro muy extraño.

Puntuación: 2.5 de 5.

EL NIÑO QUE VOLVÍA A CASA. Publicado en 1998.

Cuenta la historia de una familia tras la pérdida de un niño en este estilo slice of life japonés con pequeños toques de ciencia ficción bastante clásico. No se puede decir más, es todo spoiler. Es preciosa, muy íntima, triste y cautivadora. Me ha tocado tanto la fibra sensible que me ha hecho llorar.

Puntuación: 5 de 5.

¿PARA QUIÉN ES CATARSIS?

Creo que esta es la sección de recomendaciones más difícil que he escrito y es por la cantidad de estilos que se reúnen en este tomo. En general supongo que vais a disfrutar esta compilación si os gustas las historias cotidianas pero con giros oscuros que exploran el lado más oscuro de la gente.

Reseña: «El clan de los Poe» vol.1 (Moto Hagio)

~ Tarsia Buendía ~ 3 comentarios

Autora: Moto Hagio
Título original: Poe no ichizoku Premium Edition Vol 1/2.
Editorial: Tomodomo
Traducción: Ana María Caro
Precio: 20€
Páginas: 480
ISBN: 9788416188949

¿QUÉ ES EL CLAN DE LOS POE?

Un manga publicado originalmente entre 1974 y 1976 pero con varios números posteriores debidos a su popularidad. Apareció en las páginas de Bessatsu Shōjo Comic, una revista japonesa enfocada a público femenino.

Ganó el Shogakukan, un premio concedido por una gran editorial japonesa y que compartió en el mismo año con otra de sus obras, también publicada en España por tomodomo y de título ¿Quién es el 11º pasajero?

Además fue una de las piezas elegidas por el British Museum en su exposición sobre manga.

A Hagio se la conoce, junto a otras artistas del llamado grupo del 24, como una de las madres del shōjo. Este tipo de historias dirigidas a chicas jóvenes existían por supuesto desde mucho antes, pero estas mujeres cambiaron el género y le dieron la apariencia a la que lo asociamos en general hoy en día. Aunque no soy una gran fan de la separación de manga para chicas/manga para chicos creo que merece la pena pararse un poco en este tema al hablar de qué es el clan de los Poe.

En concreto, junto a Takemiya Keiko, Hagio empezó con el Shōnen-ai. Este subgénero saca sus raíces estéticas de Europa, en especial de Francia e Inglaterra, suele tener un aire melancólico, internados de niños pudientes y romances entre chicos.

Aunque son relaciones obvias suelen ser en un ambiente onírico y casto y se fundamentan mucho en hablar de amistades.

¿CÓMO ES EL CLAN DE LOS POE?

Vampirnellas, rosas y una atmósfera de relato gótico.

El clan de los Poe es una historia de vampiros elegantes y con mucha importancia atmosférica, muy en el estilo de Anne Rice. De hecho ambas escribieron un personaje muy similar, una niña anclada en el tiempo rubia de pelo rizado. Aquí es Merrybelle y para Rice la archiconocida Claudia. Esto no quiere decir que se influenciasen mutuamente. Hagio empezó a publicar unos cinco años antes que la estadounidense y está claro que lo que comparten es una inspiración en el mundo gótico.

Estéticamente es precioso. La manera en la que el viento guía la historia, mueve la dirección de las viñetas, las cortinas, la delicadeza de los personajes y de las rosas resulta evocadora. Todo está siempre en movimiento en sus páginas, incluso cuando no está pasando nada, incluso cuando es simple poesía o descanso. Crea un contraste muy bien hilado con la sensación de los protagonistas, de vida eterna, de estar atascados.

La historia, por su parte, sigue la vida de un grupo de Vampirnellas conocido como el clan de los Poe y se centra sobre todo en la historia de uno de sus miembros más jóvenes, Edgar, eterno adolescente. Junto a él destacan su hermana Merrybelle y su compañero Alan.

Merrybelle es uno de los puntos más complejos en la lectura. Sus viñetas son preciosas y me gusta mucho la dulzura y candidez del personaje. Sin embargo, aunque esté justificado en entorno histórico, me pesan los señores que se enamoran de ella. En el caso de Alan y, sobre todo Edgar, es donde más se luce la historia. Y eso que la diferencia de edad entre ambos es también llamativa.

No pasan en realidad muchas páginas juntos pero lo cierto es que no hace falta. Esta es sin duda una historia de chico conoce a chico y cómo hemos llegado hasta aquí aunque no sea gráfica. Lo cierto es que este es el clan de los Poe, el protagonista se llama Edgar y la persona de la que se obsesiona se llama Alan, haciéndoles instantáneamente un pack bajo la sombra del escritor bostoniano. Al fin y al cabo esta es la historia del crecimiento (y del no crecimiento a la vez) de Edgar y Alan simboliza en parte su paso a la vida adulta.

La trama está contada a trozos y de manera desordenada. Moto Hagio no tiene miedo a cambiar narradores (de hecho la historia conocida como el diario de Glenn Smith es probablemente la más famosa) y crea un puzzle que tan pronto es un cuento de hadas como una historia costumbrista. Su mayor punto en común, siempre, es la melancolía.

Esta melancolía viene dada por muchas cosas pero, sobre todo, por la condición vampírica del clan. Los vampirnellas no son criaturas de base animalística o monstruosa como muchos otros vampiros. Estos personajes de Moto Hagio se mueven con las corrientes, de manera intensa pero rápida y asemejan sobre todo una enfermedad. En concreto la tuberculosis.

A esta imaginería gótica se le suma también el elemento de las rosas, el símbolo de los Poe por excelencia. Una flor preciosa pero con espinas y que constituye una de las fuentes de sustento de estas criaturas. No sé si viene de alguna otra historia o no pero la idea de tener a vampiros bebiendo té de rosas es una de mis imágenes favoritas.

La edición de Tomodomo es estupenda. Utiliza el reciente reescaneado de las páginas originales, que se hizo en Japón para conmemorar los 50 años de su debut y, pese a ser un tomo gordo, ha aguantado de manera perfecta la lectura. Sin una sola marca. La traducción me ha gustado y, además, Ana María Caro añade al final un texto en el que introduce un poco de la obra y a la autora muy interesante.

A tenor del aniversario Fantagraphics sacó edición para el mercado angloparlante y, por lo que he visto en las reseñas, el orden en el que han colocado las historias parece diferente. Sin embargo tampoco es el orden en el que transcurre la historia. En el caso de la edición española, Tomodomo ha puesto en el índice mes y año de publicación original para cada sección y parece ser el original. En cualquier caso esta es una anécdota que solo sirve para recalcar la estructura fraccionada de los relatos y la forma en que funciona el clan de los Poe.

¿Para quién es el clan de los Poe?

Amantes del shōjo clásico, de las historias de corte gótico y elegante de vampiros y gente que disfrute cuentos oscuros y melodramáticos.

Puntuación: 5 de 5.

Podéis leer mi reseña del segundo volúmen aquí.

Reseña: Redneck (Donny Cates/Lisandro Estherren/Dee Cunniffe)

~ Tarsia Buendía ~ Deja un comentario

Guionista: Donny Cates
Dibujo: Lisandro Estherren
Color: Dee Cunniffe

Para el primer tomo:
ISBN: 9781534303317
Precio: 16’99$ 
Colección: Redneck. Sin terminar aún

QUÉ ES REDNECK

Los Bowman son vampiros que han llevado de manera discreta la barbacoa local durante años mientras viven de sangre de vaca. Su coexistencia pacífica termina cuando generaciones de odio, miedo y rencillas salen a la superficie haciendo imposible separar hombre de monstruo.

Lleva 27 grapas y cuatro compilaciones que llegan hasta la 24, el sitio por el que voy yo y hasta donde va a ocupar esta reseña. La 26 se publicó en febrero de este año, momento en el que hubo un parón que terminó el 24 de Junio. Están confirmadas como fechas de lanzamiento de los números 28 y 29 agosto y septiembre.

En esta entrada no va a haber spoilers.

CÓMO ES REDNECK

Brutal. En todos los sentidos.

Mi obsesión vital son las historias de venganza y las relaciones (de todo tipo) entre personajes. Otro de mis grandes amores son los vampiros. Mezclas todo esto con Texas, culpabilidad, círculos generacionales y un gran apartado gráfico y tienes Redneck.

Dijo Donny Cates en su primera entrevista sobre la serie en Skybound que Redneck trata sobre personas normales que tienen muchos cumpleaños y es un buen punto de partida. El gran atractivo de este cómic es la utilización de los vampiros para dotar de un dramatismo cruento la manera en la que los problemas de los padres van a marcar a sus descendientes y el ciclo que esto provoca. Pero a la vez tiene momentos preciosos. Hay una conversación con un personaje explicándole a otro que es gay que es de las cosas más bonitas del mundo.

No lo hace a través de grandes sorpresas o giros. Más o menos puedes esperar todo lo que va a pasar. Pero lo hace de una manera que es muy muy satisfactoria. No porque te alegre, de hecho te parte el corazón varias veces (mucho), si no porque el ciclo ya mencionado está tan bien escrito que crea una empatía inmensa. El grado de humanidad sin perder de vista en ningún momento que son monstruos es soberbio. Son personajes muy bien construidos y no puedes evitar enfadarte con ellos en parte porque terminas queriéndoles.

Pasando los primeros arcos, totalmente centrados en presentarte a la familia y cómo siguen viviendo las consecuencias de sus actos siglos después, aparece algo más de la sociedad vampírica. Tampoco en eso flaquea. Es cierto que hay una serie de grapas de tópicos mexicanos que disfruté menos (y no sabría decir por qué de manera exacta, porque todo lo anterior es lo mismo pero con el sur de USA) pero aún así crea una mitología para la historia muy rica e interesante.

En cuanto al apartado gráfico acompaña muchísimo. Hay una reseña bastante popular en Goodreads diciendo despectivamente que el estilo de Estherren es tan horrible que parece de chaval de instituto y sé que hay mucha gente a la que le va a echar atrás. Lo entiendo. Para mí, sin embargo, es maravilloso. Crea una atmósfera de diez, parece que el cómic se ve a través de una lente que hace que las cosas están ligeramente deformadas y destaca el aspecto patético y monstruoso de los personajes. A nivel de diseño gráfico, que el título parezca el luminoso de una barbacoa hace que no se pierda nunca de vista de dónde viene la familia, su esencia.

Y luego está el color. Grandes manchas de tinta negra (que me imagino formaban parte del dibujo antes de llegar a manos de Cunniffe) y unos tonos que destacan el ambiente siniestro de la noche pero transmitiendo el calor del sur. En las portadas que ha hecho (algunas son de Pitarra) me encanta cómo marca los colores del amanecer y del atardacer.

PARA QUIÉN ES REDNECK

De momento, por desgracia, para gente que pueda leer en inglés (u otros idiomas como francés a los que está traducido ya). Podéis conseguirlo digital en Comixology o en cualquier sitio que compre cosas de fuera. Es el tipo de serie que suele traer Norma y no descarto que lo anuncien en cualquier momento así que, si no podéis o no queréis ir a las ediciones de fuera, no perdáis la esperanza.

Por lo demás os lo recomiendo si buscáis vampiros, historias del sur del sur de Estados Unidos o personajes muy bien escritos.

Podéis leer la primera grapa de manera gratuita en la web de Image. El visor es un poco engorroso pero menos da una piedra.

Y con esto termino mi carta de amor a Redneck sin spoilers. Es posible que le dedique alguna más a otros aspectos de la historia, pero esta vez hablando de cosas de la trama porque lo merece.

¿Y vosotros? ¿lo habéis leído? ¿queréis hincarle el diente?

Cómo incomodar a la gente (y vivir de ello) por Kelly Sue DeConnick

~ Tarsia Buendía ~ Deja un comentario

Kelly Sue DeConnick es una de mis diosas. Escritora de tebeos como Bitch Planet o Bella Muerte, la admiración que siento por ella es inmensa. 

En 2015 dio esta pequeña ponencia de veinte minutos de título sugerente: cómo incomodar a la gente (y vivir de ello). Cuando terminé de escucharla bajé a la zona de comentarios de YouTube y quedé sencillamente horrorizada por la cantidad de mierda que encontré ahí.

Por un lado varios no parecieron entender lo que decía y por otro a muchos no parecía importarles.

Así que como el mensaje es muy interesante y me da mucha pena que haya quedado tan perdido, he decidido hacer una entrada de apreciación y quitar un poquito de la negatividad que se me ha quedado encima.

El principio de la charla es una pequeña introducción en la que habla de los tebeos como medio y de la separación que muchas personas hacen con la novela gráfica para intentar separar determinadas obras del cómic superheróico.

Yo no me voy a centrar en esa parte si no en los cinco pasos que da para ser incómoda y vivir de ello. No es una traducción (Kelly Sue es muy graciosa pero escrito no tendría chispa). Es simplemente una explicación de los puntos con un poco de interpretación personal sobre ellos. 

PASO UNO: GUÍATE POR EL CORAZÓN.

Escribir sobre aquello que es una verdad capital para nosotros. Lo que de verdad nos importa y nos define como personas.

PASO DOS: ENCUENTRA A TU GENTE.

Aunque a menudo nos sentimos aislados y, en contrapunto, especiales, siempre habrá más gente con una percepción del mundo similar a la nuestra. Es mucho más sencillo y fácil de llevar si encontramos a esas personas y hacemos el trabajo «de estar incómodos juntos». 

Este aspecto nos llevará no solo a encontrar aquellos profesionales con los que trabajar, si no el público al que nuestras obras van dirigidas.

PASO TRES: FOMENTA LA COMUNIDAD.

Íntimamente relacionado con el anterior. Ser conscientes de a quién dirigimos nuestro trabajo y de esa conexión social.

No celebramos la creación del arte. El arte está al servicio de homenajearnos o criticarnos a nosotros. 

PASO CUATRO: ESCUCHA.

Escuchar y ser escuchado es un ejercicio liberador pero que  genera gran incomodidad. 

Aunque todo lo que hagamos estará teñido de subjetividad, debemos intentar trascender eso a través de prestar atención a los demás. 

PASO CINCO: DEBES BUSCAR INCOMODARTE A TI MISMO. 

Asumir que no eres una persona infalible. Que igual que incomodas para bien puedes incomodar para mal y, si quieres crecer como persona, debes escuchar para aprender de ello.

Al otro lado de la incomodidad está el crecimiento.

En este quinto punto cuenta una anécdota muy interesante. En la creación de las Banshees (un escuadrón de pilotos mujeres de la segunda guerra mundial que aparece en su recorrido de la Capitana Marvel) buscaba romper con la rigidez histórica y crear una trama que las celebre. Sin embargo, como uno de los personajes que sirvió de inspiración no aceptó en el escuadrón a mujeres negras, no representó a ninguna en el grupo. Ahora se siente profundamente avergonzada de ello, de cómo podía aceptar poner robots gigantes en su historia pero no fue capaz en ese momento de transgredir esa barrera a causa de sus privilegios. 

HACER LO CORRECTO NO ES UN ACTO PASIVO

«Las cien noches de Hero» o la sororidad de Isabel Greenberg

~ Tarsia Buendía ~ 3 comentarios

Autora: Isabel Greenberg
Editorial: Impedimenta
Fecha de publicación original: 2017
Precio: 25’95€
Páginas: 224
ISBN: 978-84-17115-13-5

La historia y la ficción, cuando iban de la mano con los poderes imperantes, han sido sido uno de los peores enemigos de los oprimidos. A través de ellas se ha creado un discurso que nos excluía de la realidad aportando una excusa al famoso techo de cristal. 

Pero siempre hemos estado ahí, siempre hemos formado parte activa de las historias ficticias y reales y hemos dejado nuestra huella. La nueva ficción, la nueva crítica y la nueva historiografía van, poco a poco, dejando constancia de ello. No hay que olvidar que la mayoría de lo que conocemos es siempre la versión del bando que ganó pero el resto deja muy a menudo rastros imposibles de borrar. 

En la entrada anterior os hablaba de las mil y una noches. Una novela conocida por las historias de hombres que contiene pero con una maravillosa trama de lucha, hermandad y mujeres detrás. 

Pues bien, en las cien noches de Hero Isabel Greenberg hace merecida justicia a Scheherazade y su hermana Dunyazad. 

En este cómic conoceremos a las novias Hero y Cherry. Mientras la primera trabaja en teoría como dama de Cherry, la segunda está casada por obligación con un noble tonto al que hasta el momento han conseguido manipular para vivir su amor. 

Las cosas empeoran cuando su marido hace un pacto con otro noble. Se irá de viaje y si el huésped consigue seducir (o violar) a Cherry demostrará que todas las mujeres somos malvadas. Recogiendo el testigo de las mil y una noches nuestras protagonistas intentarán frenar al violador a través de historias.

En este caso todas son sobre mujeres. Algunas son mejores personas, otras peores, pero también con ello reivindica nuestro derecho a ser falibles. Ni ángeles ni demonios. Ni fuertes ni débiles. Y, sobre todo, parte de las historias que han formado el trasfondo de la humanidad. Además Greenberg deja clara constantemente la apreciación por su propia inteligencia que tienen Hero y Cherry. Normalmente las mujeres solemos tender a la modestia excesiva a la hora de expresar nuestros conocimientos, a recalcar una y otra vez que en realidad no sabemos mucho y a pedir perdón. Pero ellas no son así. Están orgullosas de ser las portadoras de todos esos cuentos y de su plan. Y, les vaya mejor o peor según el momento de la trama (por supuesto no voy a hacer spoilers) son conscientes de que si las cosas se tuercen no es su culpa. 

La historia se centra en dar visibilidad a las relaciones de sororidad a través de los lazos de sangre y amistad, pero encuentro maravilloso que justo en el caso de las protagonistas su relación sea de amor. Deja claro el detalle que tiende a pasarse por alto en la mayoría de resúmenes de la historia de Scheherezade. Que ella no hace las cosas por el rey Sahrir, que sus acciones van encaminadas a salvar a otras mujeres y con ello a sí misma y a su hermana. Que, aunque al final el rey se «redime» y se casa con ella, no se trata de demostrar su valor a ningún hombre.

Como aviso: Al principio hay una pequeña introducción que hila con la anterior obra de la autora, la enciclopedia de la tierra temprana. Eso no quita que sea un tomo conclusivo. Se entiende todo de manera perfecta. Pero quizá queráis leerlos en orden. 

La edición, a cargo de Impedimenta, es una preciosidad. Es cierto que pesa mucho y a mí (que tengo problemas de espalda) me resulta muy complicado leer esta clase de obras. Pero eso no es culpa de la editorial, que como digo ha hecho un trabajo magnífico. Por si tenéis curiosidad, en su página web hay una preview del primer capítulo (pinchad aquí). La única pega es que esta primera historia es justo el prólogo, en el que no salen Cherry ni Hero. Pero hace una explicación estupenda de la temática de la novela. Es una historia breve en sí misma. 

En cuanto a la traducción, de Unai Velasco, aunque no he hecho una comparativa, es de lectura ágil sin construcciones oracionales extrañas y agradable. Hubiera preferido, eso sí, una mujer. Pero no se puede tener todo en esta vida y respeto su trabajo. 

A continuación os dejo un vídeo del proceso creativo de Isabel Greenberg, en inglés. En sus últimas frases define el objetivo de la obra. Habla de las historias sobre mujeres, de cómo en los cuentos clásicos a menudo aparecen parejas de hermanas y cómo ella quería reflejarlo. Deja un mensaje final muy claro: luchar contra el patriarcado. 

Reseña: «El Príncipe del Mar» (Kaori Ozaki)

~ Tarsia Buendía ~ Deja un comentario
Portada de "El príncipe del mar" de Kaori Ozaki

Autor: Kaori Ozaki
Editorial: Milky Way
Precio: 8€
Páginas: 224
ISBN: 978-84-945657-0-0

¿A qué autora leída en los últimos meses recomendaría de cara a las Navidades? Después de darle vueltas me di cuenta de que realmente lo tenía bastante claro: Kaori Ozaki.

Solo he tenido el placer de catar dos obras suyas, las dos conclusivas: Los dioses mienten y el príncipe del mar, ambas traídas a España por la excelente labor de Milky Way. Además de estos tomos también podéis encontrar, en la misma editorial, inmortal rain y The Golden Sheep.

¿Y con solo dos obras es para mí mi autora de las Navidades? pues sí, porque me han llegado muchísimo. Se trata de obras intimistas, con ese maravilloso «slice of life» que me encanta en la ficción japonesa.

Podéis ver en la portada la temática acuática y entiendo que eso os lleve más al verano que a esta época del año. Pero me parece una lectura navideña perfecta porque deja calor en el corazón. Así de ñoña os lo digo.

Imagen del manga "El príncipe del mar" de Kaori Ozaki. Una estudiante, en uniforme de colegiala, mira a un gato subido en una pared y le dice "¿Sabes? No llevo bragas"

Si os vais a lanzar a por una, realmente me ha gustado más «los dioses mienten» pero he preferido hablaros de «el príncipe del mar» porque se adentra en el realismo mágico. Y, al fin y al cabo, este es un blog centrado en las obras de género.

«El Príncipe del Mar» es una compilación de tres relatos shojo.

El primero, «Ametsukigahara», nos cuenta la historia de unos alumnos de instituto, una visión un tanto retorcida de la amistad, el buscar nuestro lugar en el mundo y la sexualidad juvenil. Este último punto me resultó un poco complejo porque lo sentí muy forzado en la protagonista.

Aún así tiene un final que me encantó y en el conjunto merece mucho la pena.

El segundo, «un día de nieve», es brevísimo. Ozaki juega en él a contar pero no contar y le sale de vicio. Un pequeño placer del que es mejor no decir mucho más.

Y, por último, «El Príncipe del Mar», que da nombre a la compilación. Tiene un diseño de sirenas que me encanta y no me quito de la cabeza. 

Sirenas del manga "El príncipe del mar" de Kaori Ozaki

Os pongo una muestra muy pequeñita por no hacer spoiler, pero el dibujo es una delicia. Generan mucha intriga y son un telón de lujo a una historia sobre amistad, pérdida, duelo y la posibilidad de rehacer tu vida. Tiene un rico mundo simbólico y podría ser una película de Ghibli.

¡Poned una Kaori Ozaki en vuestra vida!