Reseña: The Umbrella Academy. Suite Apocalíptica (Way, Bá, Stewart)

  • Guionista: Gerard Way
  • Dibujo: Gabriel Bá
  • Color: Dave Stewart
  • Rotulación original: Nate Piekos de Blambot. En España: Joan Moreno
  • Traducción: Marc Galante y Sergio Colomino
  • ISBN: 978-84-679-3867-8
  • Precio: 19,00 € Páginas: 184
  • Colección: The Umbrella Academy (1/4)

¿QUÉ ES THE UMBRELLA ACADEMY: SUITE APOCALÍPTICA?

Primer volumen de la historia de los Hargreeves, compila las seis primeras grapas, la historia que hicieron para el día del cómic gratis de 2008 (año de lanzamiento de la serie) y otra historia extra que subieron a la web de Dark Horse. Tiene también una sección de bocetos y explicaciones.

El argumento según la editorial: En un año insólito para la humanidad nacieron 43 niños “extraordinarios”. Todos de madres solteras, sin aparentes muestras de embarazo y en los lugares más extraños. Solo 7 de esos niños fueron salvados de su fatal destino y educados por el magnate Sir Reginald Hargreeves para controlar sus peculiares poderes. Su objetivo: SALVAR EL MUNDO.

Si queréis echarle un ojo Norma tiene unas páginas de muestra aquí.

¿CÓMO ES THE UMBRELLA ACADEMY: SUITE APOCALÍPTICA?

Cuando empecé con Gorgonas decidí subir solo reseñas de cosas que me gustasen, no tiene sentido para mí hacer un proyecto de este estilo para soltar odio o escribir 700/1000 palabras de lo que me aburre algo. Esas las dejo en Goodreads, breves, algún comentario en Twitter y marchando. Este primer tomo de la academia del paragüitas va a ser una pequeña excepción. No es que lo odie pero me resulta indiferente, soso y con un guion lioso. Pero aquí lo tenemos, porque todo lo que no llamó mi atención el primero lo consiguió el segundo y siempre me parece extraño subir reseñas de tomos sueltos en una colección.

Un detalle importante: cuando digo que algo no me ha gustado no quiero decir que considere que sea un mal cómic o que algo sea de determinada manera de forma objetiva. Es, como cuando digo algo positivo, una opinión y espero que otros hayáis disfrutado mucho Suite Apocalíptica. Hablemos un poco de ella.

Al contar una historia en cualquier formato el espacio es siempre uno de los elementos clave. Esto se aplica a la duración de la obra y al tamaño adecuado para el formato (ahí tenéis en cine por ejemplo a Snyder y su Liga de la Justicia). Todos tienen sus particularidades en estos ámbitos y el cómic, para mí, es el más sensible. Una viñeta, en manos de un buen equipo, te puede resumir de manera efectiva elementos que otros medios necesitarían más espacio para explicar. Pero a la vez es un entorno muy cerrado, una grapa de cómic es muy corta y seis, que es lo que contiene esta compilación, a veces tampoco hace mucho más. Especialmente si tu trabajo tiene muchos personajes y un mundo diferente necesitas un talento muy especial para sacarlo adelante aquí.

Hay muchos cómics de grupos superheróicos, pero no tantos autores que salgan airosos de presentarte siete personajes protagonistas completamente nuevos en un ambiente desconocido con bastantes secundarios. Gerard Way, para mí, no forma parte de ese grupo. A pesar de haber visto la serie de televisión antes, para cuando terminé el tomo no tenía nada claro qué poderes tenían algunos, no sentía cariño por ellos y eso me hacía difícil congeniar con la trama y el sentido del humor. Si lo hubiera leído en su día, e incluso ahora si no hubiera tenido ya el segundo sacado de la biblioteca, con lo visto aquí no creo que hubiese seguido con la colección (y eso, os lo dice la Tarsia del futuro, habría sido una pena).

Y es que para mí este tipo de historias depende completamente de lo atractivos que sepas hacer a los protagonistas y a los antagonistas y el peso que des a cada uno de ellos. Cuando, aunque tengas diseños que acompañen, los enemigos son tan irrelevantes es difícil que puedas construir el encanto de los buenos de manera satisfactoria. Para que os hagáis una idea, ni un mes después de haber leído el cómic para hacer la reseña he tenido que coger el tomo para acordarme del aspecto de la mitad de los adversarios.

Entiendo que la intención sería dejarlo así para volver la atención sobre la Orquesta y el Violín Blanco, el personaje que da imagen a la portada. Para mí no lo justifica y como decía al principio es un problema puro y duro de medir el espacio y el número de personajes que tienes. Todo tiene mucho potencial pero aquí no lo explota según mis gustos.

Lo que sí tiene Suite Apocalíptica es un apartado gráfico que me ha dejado enamorada por completo. El dibujo de Gabriel Bá es muy atractivo, pega muy bien con lo que cuenta y hace una pareja perfecta con el color de Dave Stewart. Pasar las páginas de este cómic es una delicia de surrealismo, tonos oscuros y brillantes. Admiro muchísimo la expresividad que le dan a los personajes y el dinamismo de las escenas.

Por si fuera poco encima cuentan con las portadas de James Jean, de las que decir que son espectaculares se queda corto.

De la edición algunos detalles. Me gusta, agradezco que haya formato tapa blanda para elegir, pero esa pegatina que no se puede quitar que han plantado en medio de la portada con el logo de Netflix me destroza. No entiendo por qué hacen eso, me supera. Espero que les ayude a las ventas mientras yo lloro en una esquina.

¿PARA QUIÉN ES THE UMBRELLA ACADEMY: SUITE APOCALÍPTICA?

Lo más obvio, si habéis visto la serie y tenéis curiosidad está bien darle un tiento. También si tenéis nostalgia My Chemical Romancera es posible que disfrutéis mucho de las ideas de Way.

En lo que al cómic por méritos propios se refiere os lo recomiendo sobre todo si tenéis paciencia para llegar al segundo tomo, en caso de que seáis como yo, y a personas que se enamoren también de su estilo gráfico.

Puntuación: 2.5 de 5.

Reseña: Pantera (Brecht Evens)

Autor: Brecht Evens
Editorial: Astiberri
Fecha de publicación original: 2018
Precio: 25€
Páginas: 128
ISBN: 978-84-16880-56-0
Traducción: Maria Rossich

Me gusta dividir las reseñas en tres secciones (qué es, cómo es, a quién puede gustarle) pero es un formato muy poco indicado para explicar esta obra. En realidad cualquiera lo es. Hablar de Pantera es una necesidad y a la vez una tarea casi imposible, en especial si intentas dedicar el texto a alguien que aún no lo ha tenido en sus manos.

Es un tebeo muy corto que se beneficia del desconocimiento absoluto del lector y a la vez es uno de los trabajos que he encontrado con más necesidad de aviso de contenido. En resumen, no le puedo recomendar Pantera a nadie sin destripársela entera pero es un trabajo sobresaliente que merece mucho la pena.

A partir de aquí va el spoiler del argumento principal, que seguiré mencionando hasta el final del texto.


Pantera es una historia sobre los abusos en la infancia.

Si miráis las biografías de varios de los grandes padres de la ficción infantil habréis visto la sombra de la pederastia que vuela sobre ellos. Esta historia tira de este hilo y lo hace muy bien.

Cristina, la protagonista, es una niña pequeña que vive con su padre. Su madre no está y pocas escenas después (el libro no tiene viñetas como tales) vemos cómo va aumentando ese aislamiento, remarcado además por lo persistente del mismo escenario que es la casa y, en especial, la habitación de la niña.

Sabemos que sale, que hay cosas que pasan fuera de cámara, que los días y las noches se suceden, pero el ambiente es invariable. En este contexto aparece la misteriosa Pantera, una suerte de amigo imaginario capaz de hacer cualquier cosa y de contar cualquier mentira para ganarse la confianza de Cristinita. Su principal reclamo son cuentos de un mundo extraño, allí él es príncipe y todo sucede de acuerdo a los deseos de la niña. Nada es una verdad inamovible si eso puedo disgustarla.

Como podéis ver, tanto la portada como el interior hacen gala de un arte impresionante, colorido y llamativo. Donde ningún trozo es igual que el anterior y la Pantera puede ser cualquier cosa según convenga. Esto es lo que Cristina absorbe de su nuevo amigo, no solo la compañía, también el cambio, la exaltación, el deseo de ser especial y querido. El cómic sigue al dedillo el proceso estándar de una Alicia en el País de las Maravillas pero el elemento siniestro y perturbador, la sensación de que algo no es como debería, sigue creciendo a medida que avanzas la lectura.

Una de sus particularidades es como decía esa especie de encierro. Cristina nunca puede viajar a Panterlandia porque Panterlandia, por supuesto, no existe. Es un cuento, un deseo. Así que su habitación, en su mente, empieza a convertirse en el lugar. Se mimetiza con la pantera. Esto es uno de los toques maestros de la historia porque al final de Alicia o de Peter Pan los protagonistas vuelven a casa y comienza el rito de paso hacia la edad adulta. Este nunca puede ser el caso de Cristina, no tiene ningún sitio al que volver y avanzar. Ya está en el lugar donde debería sentirse más segura del universo.

De verdad no creo que pueda hacer justicia a lo bien narrado que está Pantera y lo espectacular de su apartado gráfico. Es desagradable hasta la nausea y por momentos te pone los pelos de punta, dejándote un nudo en la garganta y una desazón dolorosa pero merece la pena. Es algo de lo que como sociedad tenemos que hablar y aquí está muy bien hecho, redondo en todos sus aspectos.

La edición también está a la altura. La traducción no te saca nunca del texto y no puedo ni imaginarme cómo tuvo que ser la maquetación de un tebeo tan particular.

No tengo ninguna queja excepto porque el mundo a menudo es un lugar horrible.

Reseña: Catarsis (Moto Hagio)

Autora: Moto Hagio
Título original: Hanshin Tanpen Kessakushu
Editorial: Tomodomo
Traducción: Ana María Caro
Precio: 16€
Páginas: 448
ISBN: 978-84-16188-63-5

¿QUÉ ES CATARSIS?

Doce historias cortas, creadas entre 1971 y 1994, que viajan a través de géneros y estilos diversos manteniendo siempre una estética preciosa y un tono melancólico, triste o directamente perturbador.

Si queréis saber un poco más de la autora escribí sobre ella en la entrada sobre el clan de los Poe. En resumen es una de las madres del manga, una diosa del arte y parte del llamado grupo del 24.

Creo que no existe la antología perfecta. Siempre hay relatos mucho mejores que otros y a menudo es un formato pesado de leer. Desde luego no es mi favorito. Aún así Catarsis tiene un nivel muy alto y bastante homogéneo al que favorece además el orden en el que están colocadas las historias.

Como esto es una página de fantasía, ciencia ficción y terror aquí solo hablaré de las que pueden ser incluidas en estos géneros.

Para terminar esta sección, soy consciente de la baja calidad de la imagen de portada. Esto es así porque la web de Tomodomo no la tiene subida para reseñas y porque las partes que se ven grises en persona son de un plateado brillante, mucho más bonita de lo que la hace parecer esa fotografía. El resto de ilustraciones que acompañan la entrada tampoco tienen la calidad suficiente por una mezcla entre lo mal que se me da hacer fotos y el tamaño del tomo, que, como dato tonto, hizo que me doliese mucho el dedo gordo con el que sostenía las páginas leídas.

¿CÓMO ES CATARSIS?

Precioso, el estilo de Moto Hagio es dulce y estilizado, parece que puedes percibir las ráfagas de viento que mueven el pelo de sus personajes. Además es variable, se ajusta a la narración, y en un solo tomo puedes pasar por muchos tipos de dibujo diferentes. Lo que sí tienen todos en común es que sirven de contrapunto a historias oscuras, algunas con finales muy dramáticos, y en especial con mucha melancolía.

Moto Hagio explora, por encima de todo, la sensación de no encajar en la sociedad y la soledad que esto produce, así como la pérdida y el vacío consecuente. Todas las historias, incluso las que terminan bien, tienen un sabor agridulce y una sensación de mundo atascado que sigue moviéndose pese a ti.

MITAD. Publicado en 1984.

La primera historia es un relato de terror sin elementos sobrenaturales. Cuenta la vida de dos hermanas monovulares unidas por la cadera llamadas Yudy y Yucy. Mientras Yudy es muy inteligente y sufre una delgadez extrema y pérdida de cabello, Yudy tiene la belleza de un proverbial angelito y dificultades de aprendizaje.

Puntuación: 4.5 de 5.

LA NIÑA IGUANA. Publicado en 1991

La señora Aoshima tiene una hija con aspecto de iguana, pero solo ella parece darse cuenta.

Mi favorito. Es raro, perturbador, triste, tierno y en algún que otro momento muy gracioso. Incluso si solo fuese por este relato merecería la pena el conjunto entero.

Puntuación: 5 de 5.

LAS PASTILLAS DE IR A LA ESCUELA. Publicado en 1994.

Katsumi es un estudiante que, de la noche a la mañana, empieza a ver una realidad completamente deformada. La única excepción es una compañera de clase apellidada Nakagawa.

La más delirante de todas las historias, ciencia ficción pura. Como si te tomases unas píldoras tú y empezases fuerte, viendo en la primera viñeta como el padre es un procesador de texto y la madre un hervidor eléctrico.

Puntuación: 3.5 de 5.

EL FALSO REY. Publicado en 1984.

Narra el viaje de Eyika y de un vagabundo rechazado por la sociedad que termina acompañándole.

A nivel de trama no es de mis favoritas pero a la vez creo que es de las más llamativas. Por una parte es muy predecible y, como es muy pausada, no te deja con al nariz pegada al libro. No obstante, aunque no sorprenda, una parte del giro final me ha parecido muy satisfactoria. Además el dibujo es una maravilla, el estilo que usa aquí Moto Hagio es bastante diferente al resto y le pega a las mil maravillas.

Puntuación: 3.5 de 5.

EL INVERNADERO. Publicado en 1975. Idea original de Ikumi Ikeda.

Joschafat y L’ange se convierten en hermanos tras la boda de sus padres y, aunque han compartido escuela, se conocen veraneando en la casa de campo familiar. Mientras su amistad avanza descubren un invernadero abandonado al otro lado de un río.

Creo que esta es la historia más difícil de comentar. El estilo, tanto en dibujo como en trama, se parece mucho a el clan de los Poe. Es precioso. Lo que pasa es que, al menos para mí, es una historia muy muy desagradable de leer. Joschafat es un personaje asqueroso y hay una parte de la historia que, bueno. No os quiero spoilear pero de verdad me dejó con muy mal cuerpo y molesta.

MARINE. Publicado en 1977.

La madre de Abe está muy enferma lo que hace que, pese a su corta edad, tenga que trabajar. Un día, volviendo a su casa e intentando comprar medicina, se encuentra a una joven muy hermosa que le regala un pendiente.

Marine es, para mi gusto, demasiado larga. Interesante, entretenida, pero con personajes muy irritantes en especial según van creciendo. Y esta historia sin que los personajes te cautiven la verdad es que no termina de funcionar. Por otro lado de pronto empieza a tratar bastante sobre tenis y es un giro muy extraño.

Puntuación: 2.5 de 5.

EL NIÑO QUE VOLVÍA A CASA. Publicado en 1998.

Cuenta la historia de una familia tras la pérdida de un niño en este estilo slice of life japonés con pequeños toques de ciencia ficción bastante clásico. No se puede decir más, es todo spoiler. Es preciosa, muy íntima, triste y cautivadora. Me ha tocado tanto la fibra sensible que me ha hecho llorar.

Puntuación: 5 de 5.

¿PARA QUIÉN ES CATARSIS?

Creo que esta es la sección de recomendaciones más difícil que he escrito y es por la cantidad de estilos que se reúnen en este tomo. En general supongo que vais a disfrutar esta compilación si os gustas las historias cotidianas pero con giros oscuros que exploran el lado más oscuro de la gente.

Reseña: Los asesinatos del lunes negro vol. 1 y 2 (Hickman, Coker, Garland, Wooton)

  • Guionista: Jonathan Hickman
  • Dibujo: Tomm Coker
  • Color: Michael Garland
  • Rotulación original: Rus Wooton
  • Traducción: David Domínguez
  • Datos vol. 1: 978-84-679-3033-7. 240 páginas. 22,00 €
  • Datos vol. 2: 978-84-679-3309-3. 192 páginas. 19,50 €
  • Colección: Los asesinatos del lunes negro (aún sin terminar)

¿QUÉ ES LOS ASESINATOS DEL LUNES NEGRO?

Una mezcla de magia negra, historia y economía muy interesante.

De momento lleva publicados dos tomos (o, lo que es lo mismo, ocho grapas) y podéis leer el principio tanto en inglés en la web de Image como la traducción de David Domínguez para Norma. Ahora mismo (18/3/2021) la edición española va al día con la estadounidense.

Según Norma, para el primer tomo: Un sangriento asesinato ha tenido lugar en el edificio Trair. La víctima pertenece a una de las familias más importantes del mundo de las finanzas, y la escena del crimen está repleta de simbología. El detective Dumas siempre ha sospechado de los poderes de las élites. ¿Será el momento de descubrir la verdad?

¿CÓMO ES LOS ASESINATOS DEL LUNES NEGRO?

Esta es una de esas historias a las que te lanzas aunque a veces no tengas ni idea de lo que te están hablando. Muchas partes del cómic (en una labor muy llamativa de diseño gráfico) son informes redactados, líneas temporales, transcripciones de entrevista etc. a las que solo podría darles sentido alguien que ya supiera el trasfondo del asunto. Para el lector es un puzzle interesante y caótico que viene a decir que, al final del día, solo algo muy turbio puede estar detrás de nuestro sistema económico.

El formato, con sus mapas y líneas del tiempo grandes, hace que sea una lectura rápida pero con muchos detalles en los que puedes entretenerte si gustas.

Luego está el guion. Es tan fácil como difícil de explicar. Fácil porque con lo que lleváis de reseña tenéis muy claro el trasfondo y difícil porque es como intentar desenmarañar una factura. Los datos los tienes todos delante pero alrededor hay idiomas extraños, personajes que actúan de manera muy irracional, el saber que hay cosas que se mueven de fondo pero de las que no te ofrecen ninguna información, e imágenes un poco grotescas.

Como aquí hablo tanto del primer como del segundo tomo os puedo decir, sin spoilers, que aunque todo sea enigmático avanza a muy buen ritmo. Si os lanzáis a leerlo no os vais a atragantar con un cómic con preguntas mal hechas y sin respuestas, esto está bien pensado y los círculos se van cerrando. Con esto no quiero decir que todo vaya a tener sentido al final, es una historia que juega a posta con que es imposible racionalizar muchas de las cosas que pasan económicamente, si no que la trama da respuestas satisfactorias a sus problemas más mundanos y su mitología pasa las ocho grapas con buena salud.

Creo que muchos estaréis de acuerdo conmigo en que en una historia sobre millonarios y la economía del mundo puede ser difícil querer a los personajes. Está bien, la historia no les justifica en absoluto, no busca que les quieras ni que empatices. Son odiosos. Aún así son muy interesantes, no me sobra nada y representan muy muy bien la codicia, la corrupción y luego, en el otro lado, la desesperación. Entre los blancos lejía y el negro brillante en el papel satinado, con la ayuda de un estilo de dibujo realista y poéticamente sucio, todo lo que hay es una profunda tristeza y un deseo de no quedar atrás.

Además, aunque ellos saben el significado de los documentos que el lector no puede terminar de descifrar, en realidad también están perdidos. Pero esto, bravo por los autores, aunque los hace más humanos y muy interesantes no les hace inocentes respecto a sus acciones. No hace que les quieras o que cruces los dedos porque las cosas les salgan bien.

Destaco además el color, que me ha ayudado mucho en las transiciones temporales (hay varios cambios de año, día y época). Si pasáis las páginas es muy homogéneo, no lo hace a través de grandes cambios o colores muy evidentes que asociar a cada momento, pero está ahí. Marca las diferencias entre los personajes, el tono de la escena y, aunque supongo que es de manera lógica lo que debería hacer toda paleta, me parece que está hecho con mucha solvencia. Además el contraste de los tonos de historia noir con los blancos y negros de aire muy actual hace una gran mezcla.

¿PARA QUIÉN ES LOS ASESINATOS DEL LUNES NEGRO?

Lectores descansados. Si tenéis un día con el cerebro quemado buscad otra cosa. Esto es entretenimiento, digo que sea la obra más profunda de la historia de la humanidad, pero sí que si estáis muy cansados probablemente no os sintáis receptivos.

Si lo que queréis es empezar con Hickman quizá no sea la mejor opción pero tampoco hay nada en contra. Simplemente tened en cuenta el argumento y valorad si es lo que os apetece, porque probablemente lo que os estáis imaginando más alguna cosa extraña que no os esperáis es lo que os vais a encontrar.

La mezcla de economía y magia y es muy atractiva y creo que este es un cómic que podría gustar mucho a lectores de Abercrombie y Sapkowski.

En los links (que también os he puesto en la parte de arriba) con las webs de las editoriales podéis comprobar si esta obra es vuestro estilo o no de manera gratuita. En el caso de Norma, la versión española, son por desgracia solo seis páginas. Así que si sabéis inglés os recomiendo que vayáis a la Image, que tiene la primera grapa entera.

PUNTUACIÓN:

Puntuación: 4.5 de 5.

Reseña: el clan de los Poe vol.1 (Moto Hagio)

Autora: Moto Hagio
Título original: Poe no ichizoku Premium Edition Vol 1/2.
Editorial: Tomodomo
Traducción: Ana María Caro
Precio: 20€
Páginas: 480
ISBN: 9788416188949

¿QUÉ ES EL CLAN DE LOS POE?

Un manga publicado originalmente entre 1974 y 1976 pero con varios números posteriores debidos a su popularidad. Apareció en las páginas de Bessatsu Shōjo Comic, una revista japonesa enfocada a público femenino.

Ganó el Shogakukan, un premio concedido por una gran editorial japonesa y que compartió en el mismo año con otra de sus obras, también publicada en España por tomodomo y de título ¿Quién es el 11º pasajero?

Además fue una de las piezas elegidas por el British Museum en su exposición sobre manga.

A Hagio se la conoce, junto a otras artistas del llamado grupo del 24, como una de las madres del shōjo. Este tipo de historias dirigidas a chicas jóvenes existían por supuesto desde mucho antes, pero estas mujeres cambiaron el género y le dieron la apariencia a la que lo asociamos en general hoy en día. Aunque no soy una gran fan de la separación de manga para chicas/manga para chicos creo que merece la pena pararse un poco en este tema al hablar de qué es el clan de los Poe.

En concreto, junto a Takemiya Keiko, Hagio empezó con el Shōnen-ai. Este subgénero saca sus raíces estéticas de Europa, en especial de Francia e Inglaterra, suele tener un aire melancólico, internados de niños pudientes y romances entre chicos.

Aunque son relaciones obvias suelen ser en un ambiente onírico y casto y se fundamentan mucho en hablar de amistades.

¿CÓMO ES EL CLAN DE LOS POE?

Vampirnellas, rosas y una atmósfera de relato gótico.

El clan de los Poe es una historia de vampiros elegantes y con mucha importancia atmosférica, muy en el estilo de Anne Rice. De hecho ambas escribieron un personaje muy similar, una niña anclada en el tiempo rubia de pelo rizado. Aquí es Merrybelle y para Rice la archiconocida Claudia. Esto no quiere decir que se influenciasen mutuamente. Hagio empezó a publicar unos cinco años antes que la estadounidense y está claro que lo que comparten es una inspiración en el mundo gótico.

Estéticamente es precioso. La manera en la que el viento guía la historia, mueve la dirección de las viñetas, las cortinas, la delicadeza de los personajes y de las rosas resulta evocadora. Todo está siempre en movimiento en sus páginas, incluso cuando no está pasando nada, incluso cuando es simple poesía o descanso. Crea un contraste muy bien hilado con la sensación de los protagonistas, de vida eterna, de estar atascados.

La historia, por su parte, sigue la vida de un grupo de Vampirnellas conocido como el clan de los Poe y se centra sobre todo en la historia de uno de sus miembros más jóvenes, Edgar, eterno adolescente. Junto a él destacan su hermana Merrybelle y su compañero Alan.

Merrybelle es uno de los puntos más complejos en la lectura. Sus viñetas son preciosas y me gusta mucho la dulzura y candidez del personaje. Sin embargo, aunque esté justificado en entorno histórico, me pesan los señores que se enamoran de ella. En el caso de Alan y, sobre todo Edgar, es donde más se luce la historia. Y eso que la diferencia de edad entre ambos es también llamativa.

No pasan en realidad muchas páginas juntos pero lo cierto es que no hace falta. Esta es sin duda una historia de chico conoce a chico y cómo hemos llegado hasta aquí aunque no sea gráfica. Lo cierto es que este es el clan de los Poe, el protagonista se llama Edgar y la persona de la que se obsesiona se llama Alan, haciéndoles instantáneamente un pack bajo la sombra del escritor bostoniano. Al fin y al cabo esta es la historia del crecimiento (y del no crecimiento a la vez) de Edgar y Alan simboliza en parte su paso a la vida adulta.

La trama está contada a trozos y de manera desordenada. Moto Hagio no tiene miedo a cambiar narradores (de hecho la historia conocida como el diario de Glenn Smith es probablemente la más famosa) y crea un puzzle que tan pronto es un cuento de hadas como una historia costumbrista. Su mayor punto en común, siempre, es la melancolía.

Esta melancolía viene dada por muchas cosas pero, sobre todo, por la condición vampírica del clan. Los vampirnellas no son criaturas de base animalística o monstruosa como muchos otros vampiros. Estos personajes de Moto Hagio se mueven con las corrientes, de manera intensa pero rápida y asemejan sobre todo una enfermedad. En concreto la tuberculosis.

A esta imaginería gótica se le suma también el elemento de las rosas, el símbolo de los Poe por excelencia. Una flor preciosa pero con espinas y que constituye una de las fuentes de sustento de estas criaturas. No sé si viene de alguna otra historia o no pero la idea de tener a vampiros bebiendo té de rosas es una de mis imágenes favoritas.

La edición de Tomodomo es estupenda. Utiliza el reciente reescaneado de las páginas originales, que se hizo en Japón para conmemorar los 50 años de su debut y, pese a ser un tomo gordo, ha aguantado de manera perfecta la lectura. Sin una sola marca. La traducción me ha gustado y, además, Ana María Caro añade al final un texto en el que introduce un poco de la obra y a la autora muy interesante.

A tenor del aniversario Fantagraphics sacó edición para el mercado angloparlante y, por lo que he visto en las reseñas, el orden en el que han colocado las historias parece diferente. Sin embargo tampoco es el orden en el que transcurre la historia. En el caso de la edición española, Tomodomo ha puesto en el índice mes y año de publicación original para cada sección y parece ser el original. En cualquier caso esta es una anécdota que solo sirve para recalcar la estructura fraccionada de los relatos y la forma en que funciona el clan de los Poe.

¿Para quién es el clan de los Poe?

Amantes del shōjo clásico, de las historias de corte gótico y elegante de vampiros y gente que disfrute cuentos oscuros y melodramáticos.

Puntuación: 5 de 5.

Podéis leer mi reseña del segundo volúmen aquí.

Reseña: Redneck (Donny Cates/Lisandro Estherren/Dee Cunniffe)

Guionista: Donny Cates
Dibujo: Lisandro Estherren
Color: Dee Cunniffe

Para el primer tomo:
ISBN: 9781534303317
Precio: 16’99$ 
Colección: Redneck. Sin terminar aún

QUÉ ES REDNECK

Los Bowman son vampiros que han llevado de manera discreta la barbacoa local durante años mientras viven de sangre de vaca. Su coexistencia pacífica termina cuando generaciones de odio, miedo y rencillas salen a la superficie haciendo imposible separar hombre de monstruo.

Lleva 27 grapas y cuatro compilaciones que llegan hasta la 24, el sitio por el que voy yo y hasta donde va a ocupar esta reseña. La 26 se publicó en febrero de este año, momento en el que hubo un parón que terminó el 24 de Junio. Están confirmadas como fechas de lanzamiento de los números 28 y 29 agosto y septiembre.

En esta entrada no va a haber spoilers.

CÓMO ES REDNECK

Brutal. En todos los sentidos.

Mi obsesión vital son las historias de venganza y las relaciones (de todo tipo) entre personajes. Otro de mis grandes amores son los vampiros. Mezclas todo esto con Texas, culpabilidad, círculos generacionales y un gran apartado gráfico y tienes Redneck.

Dijo Donny Cates en su primera entrevista sobre la serie en Skybound que Redneck trata sobre personas normales que tienen muchos cumpleaños y es un buen punto de partida. El gran atractivo de este cómic es la utilización de los vampiros para dotar de un dramatismo cruento la manera en la que los problemas de los padres van a marcar a sus descendientes y el ciclo que esto provoca. Pero a la vez tiene momentos preciosos. Hay una conversación con un personaje explicándole a otro que es gay que es de las cosas más bonitas del mundo.

No lo hace a través de grandes sorpresas o giros. Más o menos puedes esperar todo lo que va a pasar. Pero lo hace de una manera que es muy muy satisfactoria. No porque te alegre, de hecho te parte el corazón varias veces (mucho), si no porque el ciclo ya mencionado está tan bien escrito que crea una empatía inmensa. El grado de humanidad sin perder de vista en ningún momento que son monstruos es soberbio. Son personajes muy bien construidos y no puedes evitar enfadarte con ellos en parte porque terminas queriéndoles.

Pasando los primeros arcos, totalmente centrados en presentarte a la familia y cómo siguen viviendo las consecuencias de sus actos siglos después, aparece algo más de la sociedad vampírica. Tampoco en eso flaquea. Es cierto que hay una serie de grapas de tópicos mexicanos que disfruté menos (y no sabría decir por qué de manera exacta, porque todo lo anterior es lo mismo pero con el sur de USA) pero aún así crea una mitología para la historia muy rica e interesante.

En cuanto al apartado gráfico acompaña muchísimo. Hay una reseña bastante popular en Goodreads diciendo despectivamente que el estilo de Estherren es tan horrible que parece de chaval de instituto y sé que hay mucha gente a la que le va a echar atrás. Lo entiendo. Para mí, sin embargo, es maravilloso. Crea una atmósfera de diez, parece que el cómic se ve a través de una lente que hace que las cosas están ligeramente deformadas y destaca el aspecto patético y monstruoso de los personajes. A nivel de diseño gráfico, que el título parezca el luminoso de una barbacoa hace que no se pierda nunca de vista de dónde viene la familia, su esencia.

Y luego está el color. Grandes manchas de tinta negra (que me imagino formaban parte del dibujo antes de llegar a manos de Cunniffe) y unos tonos que destacan el ambiente siniestro de la noche pero transmitiendo el calor del sur. En las portadas que ha hecho (algunas son de Pitarra) me encanta cómo marca los colores del amanecer y del atardacer.

PARA QUIÉN ES REDNECK

De momento, por desgracia, para gente que pueda leer en inglés (u otros idiomas como francés a los que está traducido ya). Podéis conseguirlo digital en Comixology o en cualquier sitio que compre cosas de fuera. Es el tipo de serie que suele traer Norma y no descarto que lo anuncien en cualquier momento así que, si no podéis o no queréis ir a las ediciones de fuera, no perdáis la esperanza.

Por lo demás os lo recomiendo si buscáis vampiros, historias del sur del sur de Estados Unidos o personajes muy bien escritos.

Podéis leer la primera grapa de manera gratuita en la web de Image. El visor es un poco engorroso pero menos da una piedra.

Y con esto termino mi carta de amor a Redneck sin spoilers. Es posible que le dedique alguna más a otros aspectos de la historia, pero esta vez hablando de cosas de la trama porque lo merece.

¿Y vosotros? ¿lo habéis leído? ¿queréis hincarle el diente?

Cómo incomodar a la gente (y vivir de ello) por Kelly Sue DeConnick

Kelly Sue DeConnick es una de mis diosas. Escritora de tebeos como Bitch Planet o Bella Muerte, la admiración que siento por ella es inmensa. 

En 2015 dio esta pequeña ponencia de veinte minutos de título sugerente: cómo incomodar a la gente (y vivir de ello). Cuando terminé de escucharla bajé a la zona de comentarios de YouTube y quedé sencillamente horrorizada por la cantidad de mierda que encontré ahí.

Por un lado varios no parecieron entender lo que decía y por otro a muchos no parecía importarles.

Así que como el mensaje es muy interesante y me da mucha pena que haya quedado tan perdido, he decidido hacer una entrada de apreciación y quitar un poquito de la negatividad que se me ha quedado encima.

El principio de la charla es una pequeña introducción en la que habla de los tebeos como medio y de la separación que muchas personas hacen con la novela gráfica para intentar separar determinadas obras del cómic superheróico.

Yo no me voy a centrar en esa parte si no en los cinco pasos que da para ser incómoda y vivir de ello. No es una traducción (Kelly Sue es muy graciosa pero escrito no tendría chispa). Es simplemente una explicación de los puntos con un poco de interpretación personal sobre ellos. 

PASO UNO: GUÍATE POR EL CORAZÓN.

Escribir sobre aquello que es una verdad capital para nosotros. Lo que de verdad nos importa y nos define como personas.

PASO DOS: ENCUENTRA A TU GENTE.

Aunque a menudo nos sentimos aislados y, en contrapunto, especiales, siempre habrá más gente con una percepción del mundo similar a la nuestra. Es mucho más sencillo y fácil de llevar si encontramos a esas personas y hacemos el trabajo «de estar incómodos juntos». 

Este aspecto nos llevará no solo a encontrar aquellos profesionales con los que trabajar, si no el público al que nuestras obras van dirigidas.

PASO TRES: FOMENTA LA COMUNIDAD.

Íntimamente relacionado con el anterior. Ser conscientes de a quién dirigimos nuestro trabajo y de esa conexión social.

No celebramos la creación del arte. El arte está al servicio de homenajearnos o criticarnos a nosotros. 

PASO CUATRO: ESCUCHA.

Escuchar y ser escuchado es un ejercicio liberador pero que  genera gran incomodidad. 

Aunque todo lo que hagamos estará teñido de subjetividad, debemos intentar trascender eso a través de prestar atención a los demás. 

PASO CINCO: DEBES BUSCAR INCOMODARTE A TI MISMO. 

Asumir que no eres una persona infalible. Que igual que incomodas para bien puedes incomodar para mal y, si quieres crecer como persona, debes escuchar para aprender de ello.

Al otro lado de la incomodidad está el crecimiento.

En este quinto punto cuenta una anécdota muy interesante. En la creación de las Banshees (un escuadrón de pilotos mujeres de la segunda guerra mundial que aparece en su recorrido de la Capitana Marvel) buscaba romper con la rigidez histórica y crear una trama que las celebre. Sin embargo, como uno de los personajes que sirvió de inspiración no aceptó en el escuadrón a mujeres negras, no representó a ninguna en el grupo. Ahora se siente profundamente avergonzada de ello, de cómo podía aceptar poner robots gigantes en su historia pero no fue capaz en ese momento de transgredir esa barrera a causa de sus privilegios. 

HACER LO CORRECTO NO ES UN ACTO PASIVO

«Las cien noches de Hero» o la sororidad de Isabel Greenberg

Autora: Isabel Greenberg
Editorial: Impedimenta
Fecha de publicación original: 2017
Precio: 25’95€
Páginas: 224
ISBN: 978-84-17115-13-5

La historia y la ficción, cuando iban de la mano con los poderes imperantes, han sido sido uno de los peores enemigos de los oprimidos. A través de ellas se ha creado un discurso que nos excluía de la realidad aportando una excusa al famoso techo de cristal. 

Pero siempre hemos estado ahí, siempre hemos formado parte activa de las historias ficticias y reales y hemos dejado nuestra huella. La nueva ficción, la nueva crítica y la nueva historiografía van, poco a poco, dejando constancia de ello. No hay que olvidar que la mayoría de lo que conocemos es siempre la versión del bando que ganó pero el resto deja muy a menudo rastros imposibles de borrar. 

En la entrada anterior os hablaba de las mil y una noches. Una novela conocida por las historias de hombres que contiene pero con una maravillosa trama de lucha, hermandad y mujeres detrás. 

Pues bien, en las cien noches de Hero Isabel Greenberg hace merecida justicia a Scheherazade y su hermana Dunyazad. 

En este cómic conoceremos a las novias Hero y Cherry. Mientras la primera trabaja en teoría como dama de Cherry, la segunda está casada por obligación con un noble tonto al que hasta el momento han conseguido manipular para vivir su amor. 

Las cosas empeoran cuando su marido hace un pacto con otro noble. Se irá de viaje y si el huésped consigue seducir (o violar) a Cherry demostrará que todas las mujeres somos malvadas. Recogiendo el testigo de las mil y una noches nuestras protagonistas intentarán frenar al violador a través de historias.

En este caso todas son sobre mujeres. Algunas son mejores personas, otras peores, pero también con ello reivindica nuestro derecho a ser falibles. Ni ángeles ni demonios. Ni fuertes ni débiles. Y, sobre todo, parte de las historias que han formado el trasfondo de la humanidad. Además Greenberg deja clara constantemente la apreciación por su propia inteligencia que tienen Hero y Cherry. Normalmente las mujeres solemos tender a la modestia excesiva a la hora de expresar nuestros conocimientos, a recalcar una y otra vez que en realidad no sabemos mucho y a pedir perdón. Pero ellas no son así. Están orgullosas de ser las portadoras de todos esos cuentos y de su plan. Y, les vaya mejor o peor según el momento de la trama (por supuesto no voy a hacer spoilers) son conscientes de que si las cosas se tuercen no es su culpa. 

La historia se centra en dar visibilidad a las relaciones de sororidad a través de los lazos de sangre y amistad, pero encuentro maravilloso que justo en el caso de las protagonistas su relación sea de amor. Deja claro el detalle que tiende a pasarse por alto en la mayoría de resúmenes de la historia de Scheherezade. Que ella no hace las cosas por el rey Sahrir, que sus acciones van encaminadas a salvar a otras mujeres y con ello a sí misma y a su hermana. Que, aunque al final el rey se «redime» y se casa con ella, no se trata de demostrar su valor a ningún hombre.

Como aviso: Al principio hay una pequeña introducción que hila con la anterior obra de la autora, la enciclopedia de la tierra temprana. Eso no quita que sea un tomo conclusivo. Se entiende todo de manera perfecta. Pero quizá queráis leerlos en orden. 

La edición, a cargo de Impedimenta, es una preciosidad. Es cierto que pesa mucho y a mí (que tengo problemas de espalda) me resulta muy complicado leer esta clase de obras. Pero eso no es culpa de la editorial, que como digo ha hecho un trabajo magnífico. Por si tenéis curiosidad, en su página web hay una preview del primer capítulo (pinchad aquí). La única pega es que esta primera historia es justo el prólogo, en el que no salen Cherry ni Hero. Pero hace una explicación estupenda de la temática de la novela. Es una historia breve en sí misma. 

En cuanto a la traducción, de Unai Velasco, aunque no he hecho una comparativa, es de lectura ágil sin construcciones oracionales extrañas y agradable. Hubiera preferido, eso sí, una mujer. Pero no se puede tener todo en esta vida y respeto su trabajo. 

A continuación os dejo un vídeo del proceso creativo de Isabel Greenberg, en inglés. En sus últimas frases define el objetivo de la obra. Habla de las historias sobre mujeres, de cómo en los cuentos clásicos a menudo aparecen parejas de hermanas y cómo ella quería reflejarlo. Deja un mensaje final muy claro: luchar contra el patriarcado. 

Reseña: El Príncipe del Mar (Kaori Ozaki)

Autor: Kaori Ozaki
Editorial: Milky Way
Precio: 8€
Páginas: 224
ISBN: 978-84-945657-0-0

¿A qué autora leída en los últimos meses recomendaría de cara a las Navidades? Después de darle vueltas me di cuenta de que realmente lo tenía bastante claro: Kaori Ozaki.

Solo he tenido el placer de catar dos obras suyas, las dos conclusivas: Los dioses mienten y el príncipe del mar, ambas traídas a España por la excelente labor de Milky Way. Además de estos tomos también podéis encontrar, en la misma editorial, inmortal rain y The Golden Sheep.

¿Y con solo dos obras es para mí mi autora de las Navidades? pues sí, porque me han llegado muchísimo. Se trata de obras intimistas, con ese maravilloso «slice of life» que me encanta en la ficción japonesa.

Podéis ver en la portada la temática acuática y entiendo que eso os lleve más al verano que a esta época del año. Pero me parece una lectura navideña perfecta porque deja calor en el corazón. Así de ñoña os lo digo.

Si os vais a lanzar a por una, realmente me ha gustado más «los dioses mienten» pero he preferido hablaros de «el príncipe del mar» porque se adentra en el realismo mágico. Y, al fin y al cabo, este es un blog centrado en las obras de género.

«El Príncipe del Mar» es una compilación de tres relatos shojo.

El primero, «Ametsukigahara», nos cuenta la historia de unos alumnos de instituto, una visión un tanto retorcida de la amistad, el buscar nuestro lugar en el mundo y la sexualidad juvenil. Este último punto me resultó un poco complejo porque lo sentí muy forzado en la protagonista.

Aún así tiene un final que me encantó y en el conjunto merece mucho la pena.

El segundo, «un día de nieve», es brevísimo. Ozaki juega en él a contar pero no contar y le sale de vicio. Un pequeño placer del que es mejor no decir mucho más.

Y, por último, «El Príncipe del Mar», que da nombre a la compilación. Tiene un diseño de sirenas que me encanta y no me quito de la cabeza. 

Os pongo una muestra muy pequeñita por no hacer spoiler, pero el dibujo es una delicia. Generan mucha intriga y son un telón de lujo a una historia sobre amistad, pérdida, duelo y la posibilidad de rehacer tu vida. Tiene un rico mundo simbólico y podría ser una película de Ghibli.

¡Poned una Kaori Ozaki en vuestra vida!

Reseña: El muerto enfermo de amor (Junji Ito)

Autor: Junji Ito
Editorial: ECC
Precio: 9’95€
Páginas: 248
ISBN: 978-84-16746-28-6

A Junji Ito el terror se le da genial y a mí me gustan los mangas breves ¿qué podía fallar?

Pues a priori el argumento. Un chico misterioso hace predicciones en cruces y a ellas acuden en especial las mujeres. Iba sin expectativas de nada, pero lo cogí de todas maneras por su autor.

Me ha sorprendido muchísimo para bien. Quizá ha sido por no esperar nada, no lo sé.

El dibujo, como podéis imaginar siempre con Ito, es inquietante y bien formado. La trama tarda un poco en arrancar pero tiene un gran final.

Aunque es una sola historia está conformada por pequeños arcos, diferentes historias conectadas entre sí en torno a este peligroso juego de los cruces. Este siniestro personaje que se aparece a los peticionarios es la excusa del autor para adentrarse en la obsesión y sus múltiples formas.

La más obvia es la del amor. Muchas niñas, sobre todo adolescentes, acuden al cruce para saber si serán correspondidas o no. Pero habla también sobre la decepción con la vida propia y la búsqueda de una respuesta que nos guíe hacia un nuevo camino.

Incluso cuando plantea un toque positivo a través del protagonista es marcado por una marcada locura obsesiva. No se puede escapar de esta emoción de ninguna manera.

Es una obra inteligente que, incluso si imaginas cuál será el giro final, es posible que te haga dudar de tus propias conclusiones como les pasa a los personajes dentro de la historia.

«El muerto enfermo de amor» guarda algunas equivalencias Tomie, una de las obras más famosas del autor. Si os gusta cómo está narrada esa historia es probable que os enganche esta.

La recomiendo a amantes del terror, de las historias de folklore japonés y, por supuesto a apasionados de Junji Ito.